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绿里奇迹，没有想到是一部宗教片

protross — Mon, 09 Nov 2009 17:30:22 GMT

终于看了这部《绿里奇迹》，没有想到是一部宗教片，以神迹这样的表现形式总是难以接受。人生活的过程就是走向死亡的过程，人生的道路就是必然通向死亡的“绿色旅程”，抛开神迹，生活更加残酷，人的生死到底能证明一个人什么呢。

非常罪和非常美：关于里芬斯塔尔

Cogito — Mon, 09 Nov 2009 17:15:27 GMT

作者：毛尖

1999年，雷妮．里芬斯塔儿（Leni Riefenstahl）97岁了，可全世界，包括她自己都明白她活着或死去都无法摆脱一个死了有半个多世纪的人──希特勒。在回忆录里，她说：“人们无休无止地问我是不是和希特勒有罗曼史，是不是希特勒的女友。每次，我都笑笑告诉他们，那是谣言，我不过为他制作了纪录片。” 但问题是，她很美，她为希特勒制作的纪录片很美，她是希特勒最喜欢的导演，德意志第三帝国时代最天才横溢的女人。

1．
    　1902年，她生于柏林一个商人家庭，先是以一个芭蕾舞者成名。有一天，她在等一列地下铁的时候，瞥到月台对面的一张电影海报，宣传的是阿诺德．范克博士（Dr. Arnold Fanck）导演的“高山片”「命运山峰」（Mountain of Destiny），这张海报催眠了她，她先是找到了「命运山峰」的主演路易．特兰克（Luis Trenker），说她想在他的下一出戏里和他演对手戏，并请他把她的照片寄给范克博士，魏玛影界的“高山片之父”。那张照片上咄咄逼人的美也把阿诺德催眠了，他马上请她主演他的下一部电影，演对手戏的是路易．特兰克。到20年代末，里芬斯塔尔已是当时的一个偶像，她的高山攀援几乎憾人心魂，赤着脚，抛弃绳索，向人的极限挑战，向至高无上的力量进军。在那荒无人烟的积雪地带，自然环境所携带的震慑力兼具大美和大恐怖，而里芬斯塔尔的美因此也超越了“女性、性感、人间”这些范畴，这让塑造了玛琳．黛德丽（Marlene Dietrich）的冯．斯登堡（Josef von Sternberg）极为欣赏，对她说：“我可以把你塑造得跟黛德丽一样举世闻名。”但是另一个人比斯登堡更欣赏她，或者说，更有条件欣赏她：阿道夫．希特勒把她变成了国社党电影的首席指挥。她也藉此极为天才地成了纳粹政治的美学诠释人。

　   1933年，希特勒请她为国社党的大会拍摄纪录片，这部影片没有公开放映；但她不久就接受了希特勒的个人委托，为国社党的1934年纽伦堡军事阅兵拍摄纪录片，这就是她最为世人激赏和诟病的「意志的胜利」（Triumph of the Will，1934）。摄制期间，第三帝国向她提供了任何一个导演都梦寐以求的工作条件：无限制的经费，一百多人的摄制组，包括16个摄影师，每个摄影师配备一个助手，三十六架以上的摄影机在同时开工，再加上无数的聚光灯听候调配。无与伦比的拍摄条件让里芬斯塔尔首创了电影史上的很多摄影技巧；在大场面的把握上，至今没有一个导演可以声称超越了她。她用情节剧的摄影机角度来记录这场宏大的阅兵里的个人和整体，又用瓦格纳歌剧的手法来表现这场庞大阅兵的主角──希特勒成了人间之神。在这部毫无情节可言的杰作里，里芬斯塔尔把“纯粹”和“秩序”当作主人公来塑造，她把希特勒的政治理想表达得不仅前程灿烂，而且显得无限动人。这部影片后来获得了威尼斯影展的金奖。

    之后，她受国际奥委会所托，为1936年在柏林召开的奥运会拍摄一部纪录片，「奥林匹亚」（Olympia，1938）因此成了她的经典之作。1938年4月20日，「奥林匹亚」首映，正好是希特勒的49岁生日。她的这份辉煌礼物后来在电影史上得过四个大奖，但同时也永远地成了她的污点，因为在当时和现在的众多影评人看来，她把“奥运会转化成了法西斯仪式，旁白中不断出现的"战斗"、"胜利"字眼，都透露了创作者的法西斯信念”（焦雄屏，「电影法西斯」）。不过，这部影片所记录的人体之美和仪式之美的确让以后的电影人叹为观止，人和速度和力量的结合在里芬斯塔尔的摄影机之下，显得象神话一样。法西斯美学波澜壮阔地侵入人心，她先是把竞技变成宗教，然后又把宗教变成“意志的胜利”。

2．
    第三帝国倒台后，里芬斯塔尔是第一批被送进监狱的电影人，她被定名为纳粹同情人几次遭到逮捕（期间她成功地越过一次狱）。1949年，她终于结束了牢狱之灾，但是舆论和评论界的牢狱更迅速而扎实地围困了她，而且她作为导演的生涯随着帝国的覆灭也永远结束了。终她一生，里芬斯塔尔都拒绝承认她和希特勒政府有什么“浪漫的交往”，她坚称她只是一个电影导演。90年代初，瑞．慕勒（Ray Muller）拍摄的「里芬斯塔尔壮观而可怕的一生」（The Wonderful, Horrible Life of Leni Riefenstahl，1993）以采访90岁的里芬斯塔尔的形式展开，在这部纪录片中，里芬斯塔尔回顾了当年如何开始走上银幕；如何第一次执导「蓝光」（The Blue Light，1932）；如何受邀于希特勒，开拍她的两部经典之作，并在摄影技术上费尽心思；如何被别人误解和诟病，如何继续活下去，等等。自然，里芬斯塔尔在她和纳粹党的关系上有撇得过清的嫌疑，而且，在很多问题上，诸如她对纳粹集中营的不知情，她也无力自圆其说（在她摄制她的最后一部电影Tiefland时，她曾经使用过集中营的一批吉普赛人）。但是，她半个多世纪来所承受的耻辱和痛苦似乎也够多了。1938年，里芬斯塔尔出访美国，包括好莱坞，为她的「奥林匹亚」作宣传。自那时起，她就开始遭遇一生源源不断的攻击：“雷妮，滚回家去！”──这就是好莱坞给她的欢迎词。各大制片公司的头都不敢见她，怕从此影响制片公司的声誉。虽然最后她竭尽所能主持了一场「奥林匹亚」的非公开放映，好莱坞的不少圈内人还是得在黑暗中偷偷溜进影院参加观赏。不过，美国评论界无法忽视「奥林匹亚」的成就，「洛杉机时报」写到：“这部影片是摄影机的胜利，是荧幕的史诗。”

　    事实上，在追求完美上，很少有导演可以和里芬斯塔尔匹敌。在拍摄「奥林匹亚」期间，为了表现百米短跑的真实速度，里芬斯塔尔创造了自动前行的摄影机，运行速率和运动员的速度相当；拍摄跳远，她在沙坑边挖了一个洞，以此达到仰拍跳远的效果；为了拍全景，她用热气球送六个打开的摄影机上天，虽然这个试验连续地以失败告终，她的摄影理念还是远远地走在了那个时代的前面。但是极为有意思的是，正是她的这种史诗般的镜头和天才设想成了她悲剧的材料。苏珊．桑塔格（Susan Sontag）在「迷人的法西斯」一文中，说：“莲妮被平反为美的祭师，并不见得是好现象，显示了我们无力侦察出对法西斯的渴望。莲妮不是一般的唯美派那样浪漫地玩人类学，她作品的力量，等于她政治及美学意念的连贯。。。。。。没有历史透视，这种欣赏会引导我们不知不觉间接受了各式各样有害的宣传。”（「文星」1988年2月号）不少影评人更把里芬斯塔尔的这种法西斯美学上溯至她的“高山片”时期，认为“高山片”所传达的征服意识和壮阔美感正好和希特勒的纳粹思想不谋而合。不过，真的要在纳粹政治意识上追究里芬斯塔尔的话，那么，她的电影中至少也有和希特勒思想相矛盾的地方。比如，在「奥林匹亚」中，她用大手笔表现了黑人的身体，黑人的速度，而这显然不会让希特勒高兴。在她的生命后期，她更几次出入非洲，和当地的土著一起生活，拍摄了大量的照片。最后，在她七十二岁的时候，她开始学习潜水，撇开人间，专注于拍摄寂静无声的水下世界。但是，这些照片的命运并不比她的电影好。1997年，在德国汉堡有一个“里芬斯塔尔剧照和摄影展”，这个展览立即遭致了强烈抗议，他们的标语是：“纳粹展览！”，“不许兜售法西斯美学！”等等。为此，里芬斯塔尔很愤怒地对报界声称：“不要因为我为希特勒工作了七个月而否定了我的一生！”

3．
    里芬斯塔尔的愤怒是有道理的。二战期间，有很多艺术家，包括电影导演都曾经为欧洲的法西斯政府工作过，这串名单很长，比如罗贝尔多．罗西里尼（Roberto Rossellini），萨尔瓦多．达利（Salvador Dali），冯．卡拉扬（Herbert von Karajan），但是他们都在战后获得了重新工作的机会，而且他们战后的声名几乎也无甚损失。即使是和纳粹的宣传部长戈培尔（Goebbels）过从甚密的维特．哈兰（Veit Harlan），虽然他的电影“更和纳粹政府的调子押韵”，且极明显地表现反犹太情绪，他在五十年代后也得以重操旧业。可能历史对女人的清白有格外严格的要求，总之，里芬斯塔尔和其他几位在纳粹统治期间为第三帝国工作过的女人一样，包括维特．哈兰的妻子，都永远地失去了她们在战前的工作。而里芬斯塔尔受到的惩罚是最严厉的，影评人里查德．考利斯（Richard Corliss）就此说得很坦率：“那是因为「意志的胜利」拍得太好了，加上，她的风格，加上，她是个女人，一个美丽的女人。”

　    事实上，虽然里芬斯塔尔的名字至今还在流放中，「意志的胜利」和「奥林匹亚」却从问世起，就在电影学院的经典架上。这是两部被暗中模仿最多，明里最受争议的电影；里芬斯塔尔摄影机下的希特勒形象虽然成了希特勒的“原型”，但是对她的引用从来不曾妨碍过对她的批判。她的最后一部电影（Tiefland在拍摄十多年后，直到1953年才得以上映）一直受到影评界的忽视，女性主义电影人桑德丝．布拉姆斯（Sanders-Brahms）因此惊呼：“怎么可能，五十年过去了，评论界依然如此惧于评论这部影片？无法想象，对德国知识分子来说，拒绝评论这部电影就可算是一个正确的姿态？”这部Tiefland是里芬斯塔尔除「蓝光」外的唯一一部剧情片，也是她在第三帝国时期制作的唯一一部影片。在桑德斯看来，这部影片反映了里芬斯塔尔对希特勒的拒绝，因为这是一个关于反叛的故事，关于弑君的故事。影评人罗伯特．达桑诺斯基（Robert von Dassanowsky）也提出，Tiefland的拍摄并没有接受纳粹宣传部的经费，她藉着这部影片开始她的“逃出第三帝国”，逃出她的“法西斯美学”。然而，艺术而言，从“法西斯美学”的逃逸让里芬斯塔尔失去了自己最强劲的表现力。意识正确无法保证一部电影的艺术；反之，意识的错误也无法抹却「意志的胜利」和「奥林匹亚」的辉煌，那种整饬而壮阔的美的确有很大的煽动力。无怪乎当代大牌导演斯蒂文．斯皮尔伯格（Steven Spielberg）和乔治．卢卡斯（George Lucas）都曾公开地向她表示过同行的敬意。至于好莱坞的那些类似「星球大战」的电影，大陆和港台拍摄的大量武侠片，绝大多数都带着点里芬斯塔尔笔法，有的高明，有的拙劣。

    自然，「意志的胜利」和「奥林匹亚」这两部经典之作，因为它们的出身，已被宣判永远地无法走出希特勒和纳粹的阴影。虽然，里芬斯塔尔对这两部影片的把握在气势上比格里菲斯（D.W.Griffith）的「一个国家的诞生」(The Birth of a Nation，1915)，和爱森斯坦（Sergei Eisenstein）的「战舰波将金号」（Potemkin，1925）显得更完美，但是格里菲斯和爱森斯坦所享受的崇高地位是永无可能被里芬斯塔尔分享的。里芬斯塔尔的这种宿命似乎也是艺术的一种宿命，或者说，一个有过失的女人的宿命。里芬斯塔尔晚年的时候，嘲讽而心酸地说：“女人是不被允许犯错误的。”但是，接着，她很有勇气地说：“不过，我那时确实非常崇拜希特勒，他在任何角度都不好看，不是那种会让女人喜欢的男人；但是，他很有魅力。”显然，时年三十岁的雷妮和九十岁时回忆往事的里芬斯塔尔，对希特勒和第三帝国的了解是完全两样了，但是，美学而言，法西斯的迷人之处隔了六十年的光阴，却不曾消散。问题是，以「意志的胜利」为代表的法西斯美学是不是可以堂皇地在电影美学上占一章？法西斯之美有没有可能只在美的范畴内得到评介？或者，那永远将是一种带罪的美。

赠------11.11光棍节的朋友～要快乐，没有也要快乐！

DORIS — Mon, 09 Nov 2009 17:06:54 GMT

我眼里

真正美丽的电影

是不停在我脑海里打转的片断

一道道冲撞我的思绪

用力揭开那层层疤壳

却不卷走我的留恋

让回忆纠结每根神经

却又让它们散作泡影

刚刚坠入爱河的人

是寻不到彼岸的小纸船

越奋力越是痛苦

飘

时间却不是小船的解药

被侵蚀的身体

望穿

是无望的等待

回头

十分空白，九分知足

得不到，不一定是最好的！

祝11.11光棍节的朋友～要快乐，没有也要快乐！

歌舞片盛宴——以好莱坞歌舞片，印度歌舞片，中国歌舞片为例

小貔 — Mon, 09 Nov 2009 15:50:32 GMT

歌舞片兴起于上个世纪20年代末的好莱坞。几乎与有声电影同时诞生，1927年第一部有声电影《爵士歌王》标志着歌舞片的诞生，但是由于缺乏声音这一方面的要求，人们将1929 年米高梅的《百老汇的旋律》看作是第一部真正的歌舞片。歌舞片在30年代开始盛行，并成为30、4O年代的流行时尚，出现了一系列经典的歌舞片，如我们熟知的《绿野仙综》Wizard of Oz (1939)，《四十二号街》等。50、60年代达到辉煌，产生经典《一个美国人在巴黎》《西区故事》《音乐之声》，70年代便开始萎缩，90年代以后，以另一种新的形式呈现出来。光影世界，世事浮沉，当科幻片、动作片、灾难片和恐怖片等轮番上阵后，往昔“歌舞升平”的时代虽然已经渐行渐远。

而歌舞片在印度则依旧美轮美奂。印度，作为一个世界最大的歌舞电影电影生产国，每年拥有全世界36 亿观众，在它的市场上，好莱坞电影仅占6% 的份额。以孟买为中心的宝莱坞电影，以“无歌（舞）不成片”的传统为世界奉献了独具特色的印度歌舞片。从50 年代风靡中国的《流浪者》，到新世纪红遍全球的《印度往事》，虽然历经半个多世纪的沧桑，但印度电影依旧是歌舞升平、如梦似幻。今昔的歌舞片更是摆脱以前的模式，推陈出新《印度往事》《阿育王》《德福达斯》《爱无国界》等等，都是脍炙人口的名片。今天的印度歌舞片在印度新的电影人的带领下，呈现出新的现代特征。

我国歌舞片的雏形早而有之，只是形式单纯，没有好莱坞的豪华阵容，也没有印度歌舞片的民族特色，发展不够成熟，加之数量又少、不成规模，观众自然也形不成对中国歌舞片的认识。1931年《歌女红牡丹》诞生，这是中国第一部有声电影，严格意义上说是一部歌唱片。30、40年代歌唱片成为上海娱乐电影的一种主要形式。比如第一部有插曲的影片《野草闲花》，阮玲玉和金焰演唱的《万里寻兄》清新感人；由马徐维邦导演的《夜半歌声》根据美国百老汇歌剧《歌剧魅影》改编而来，在上海创下了连映34天场场爆满的纪录，其中由田汉作词、冼星海作曲、金山演唱的三首插曲功不可没。虽然不能算严格意义上的歌舞片，但是歌舞的魅力已经开始在电影中闪现。其中最著名的是《马路天使》。到了五六十年代，彩色歌舞片曾在香港风靡一时，尤其是邵氏的《花团锦簇》和《千娇百媚》，其豪华的歌舞场面蔚为壮观，是着力模仿好莱坞金碧辉煌、歌衫俪影之风格的经典作品，堪与同期好莱坞歌舞片相媲美。我国的现代歌舞片比较有影响的是香港导演陈可辛的《如果爱》。陈可辛怀揣着“中国50年来第一部真正音乐剧电影”、“3 年来最盛大的中国歌舞片”的理想，使《如果•爱》终于在2005年末粉墨登场，一场豪华的歌舞盛宴刹然间展现在观众的眼前。

通览世界歌舞片发展史,美国和印度的歌舞片从把简单的舞台剧搬上荧幕到现在的制作商业歌舞大片同为歌舞片,表明他们已经进入一个相当成熟的阶段;而中国的歌舞片经过多年停滞之后,现在正在尝试改进注入新的活力。是巧合,还是事出有因,下面就通过以新世纪好莱坞，印度，中国歌舞片代表《红磨坊》，《季风婚礼》，《如果爱》这三部影片艺术创作特色上的比较来探讨新世纪歌舞片呈现出来的新特点以及寻求当代成功的歌舞片所必备的基本要素。

一， 叙事比较

《红磨坊》在叙事方面并没有表现出什么新的东西。这部电影在片中讲述的正是一个传统好莱坞“后台歌舞片”的故事。剧情设置可以说毫无新意,简单老套的剧情都成了它被载入歌舞片历史的“拦路虎”。影片先是把红磨坊内颓废、奢靡、淫乱的狂欢场面尽其所能地铺陈在观众面前,营造出乌托邦式的气氛;紧接着,让莎婷(尼克•基德曼饰演)与克里斯汀(伊万•麦克雷格饰演)错遇并相爱,进而编织出乌托邦式的爱情诺言。公爵的出现预示着这对刚刚热恋中的男女将要在社会现实和理想之间艰难抉择。莎婷为了使克里斯汀不被杀害，赶走了克里斯汀，最后克里斯汀还是回来了，歌舞剧成功了，但是莎婷因为肺痨死了。所有情节铺垫都是按照典型的后台歌舞片的套路来编排,丝毫没有创新,所谓“后台歌舞片”是指在一个真实的舞台上表演歌舞节目，加上后台的爱情故事作为填充。在1930 年的歌舞片中“后台爱情”是常见的叙事设计，为歌舞表演提供形势和情绪的框架，这一时期好莱坞歌舞片对叙事和主题的处理还主要是为前台表演作陪衬的。在这种模式下,即使结局变为有情人终不能白头偕老, 《红磨坊》的故事情节也没有了任何吸引力。

同样地,《如果•爱》在整体剧情上也未免于落入俗套。陈可辛导演运用“戏中戏”模式,讲述同一部戏的戏内戏外两个雷同的三角爱情故事。但它与《红磨坊》最突出的不同就是,《如果•爱》的结局是开放式,孙纳爱林见东,也爱聂文,但她的最终选择无人知晓,影片结尾并没有交代,或许连她自己也不知道,这就使剧情丰富化,自由化,不会像好莱坞经典模式那样,将情节都设置成一个套路,看到最后所有人都能猜到结局。《如果•爱》留给孙纳选择的余地也便留给了观众思考的空间。这是作为歌舞片的一个突破,情感纠缠的细腻充分融入于剧情的走向,把选择留给时间,把情绪抛给观众,把思索对比现实。

而印度女导演米拉•奈尔的《季风婚礼》则没有落入成规，影片偏重于生活化和现实化，故事是集中在一个婚礼上的，从婚礼的准备开始，到婚礼结束影片也结束，以一个印度婚礼为载体，表现印度社会的风情也许是非常恰当的，印度是一个中产阶级占多数的国家，而这个中产阶级的婚礼又结合了东方与西方、传统与现代、种族与种族之间的众多内容，有留洋归来的年轻人，有传统的仪式，有印度族裔与斯里兰卡族裔，种种事情混杂在一起，既显得混乱，又相互融合，这就是印度社会的写照吧。不同于《红磨坊》和《如果爱》在叙事方面的刻意营造，传统的印度歌舞片乃至所有的歌舞片几乎都是为了歌舞而歌舞，歌舞与叙事是剥离的，歌舞的出现时为了宣泄和抒情，歌舞是情感的附加物，因此歌舞是插入式的，而米拉•奈尔的《季风婚礼》则将叙事与歌舞成功的融合在一起，我们可以看到歌舞就是印度人的生活，虽然《季风婚礼》中的歌舞场面并不多，但影片叙述的重点不在于此，影片有意识的将传统的歌舞形式融入到现实生活之中，浑然天成，整个影片只有6小段与歌舞有关，有的段落只是一个演员在那里随便哼哼或者晃动几下肩膀，影片一直在蓄积歌舞的力量，开始是少数人的摇摆，到最后的婚礼上，才发展成群舞群唱，给人一种流畅之感。

二，影像风格比较

早在40 年代歌舞片的“黄金时期”，米高梅的梦幻王国将音乐变成了一种普遍的世界观，是对一种“态度”的视听表现，这种态度实质上就是认为“世界是一个美妙和富于浪漫色彩的地方，其中渗透着音乐的节奏与优雅。”这种态度从最早的《爵士歌王》开始就一直存在，但是作为歌舞片的“风格”，却是在“融和歌舞片”将情节和歌舞融为一体之后才明确的。但是歌舞片发展到当代，开始转向多样和含混：《芝加哥》揉合了“黑色电影”的元素，采用阴影和低调光，一反歌舞片高调布光的明亮场景，将镜头转向街道、监狱、法庭等场所，表现“黑色电影”的经典主题——“性和暴力”。其中最为著名的段落“监狱六重唱”引进女权主义色彩，在歌舞片的主题中是一大突破。被冠以“后现代激情主义”的《红磨坊》是一场拼贴和碎片化的游戏，这符合“后现代”的叙述特征。饱和色块的垒积、漫画式的表演、自由变化的摄影机视点，都体现了后现代“不建设一物”的狂欢式的信条，而歌舞本身的对位运用是对经典的嘲讽和解构。歌舞片不再是表演的标准和陈规了，变成了漫画化和游戏化的杂耍。

相比之下,《如果•爱》的画面全然是另一种风格。两位华语电影界著名摄像师鲍德熹与杜可风分担镜头工序。鲍德熹以热切及浪漫的角度负责歌舞场景的拍摄。但这次,导演和摄影师并没给观众带来视觉上的惊喜,歌舞部分的拍摄和剪辑中规中矩,侧重保证画面流畅和叙事抒情。依据歌舞的意境和情绪,景别的运用比较局限。以《忘了我是谁》为例,这首歌描述的是男主角与失忆的主角第一次在马戏团见面的片段。由于重点在于两人的对话,所以景别集中于中景,在两人的腰部以上转换。再以《人生蒙太奇》为例,这首歌是整部片子的开场歌舞,场景着重于热烈、欢乐的气氛,所以多用摇臂摄像机在旧上海的街道内拍摄。景别都是全境,包括正面全境、侧面全境和俯拍全景。比较出彩的是对于色彩的使用。在本片中体现了三种不同的摄影风格。歌舞剧部分的画面呈现一种橘红色的暖色调:色彩浓烈丰富、场面宏大热烈，是侧重于视觉奇观营造的华丽风格;回忆部分除了主人公孙纳的服装选用橘黄、紫色等相对饱满的色彩之外，整体上呈现一种蓝灰色的冷色调，这种“褪色”感画面紧扣了“回忆”的主题，加上对雪景的运用，使画面有一种纯净抒情的唯美化色彩;现实部分则采用了生活化的摄影风格，在布光和色调运用上贴近自然。

《季风婚礼》的整个的影片都使用肩扛摄影, 而且一直保持在同肉眼视距相同的焦距上, 摄影师并没有故意的晃镜头。这样的拍摄观念使得观众能够以更加现实的生活化的角度来看待问题、领悟影片所传达的内在信息,并触发观众心灵深处的共鸣。肩扛摄影同时意味着灵

活的机位和镜头调度, 一般的固定几个机位拍摄一组场面往往会给人带来一种被外在因素诱导的感觉, 而肩扛摄影的镜头转向随意、机位感模糊, 画面感觉会相对客观。影片进行到第11分钟时出现了情节的第一次高潮—女仆爱丽斯和工头杜比的初次邂逅, 当杜比碰倒了爱丽斯的托盘, 爱丽斯蹲下捡东西, 两人一上一下互相凝视, 此处摄影师采用肩扛、亚高速摄影在一个镜头内一气呵成, 完成了从俯拍到仰拍的过渡, 给观众以新颖、流畅、自然的感觉。

三， 歌舞艺术手法比较

影片表现的是19世纪末，20世纪初的故事，但大部分音乐与歌曲选择的都是20世纪后半期的经典流行音乐，例如，在《红磨坊》里，基德曼与麦克格雷格互赠的情歌有甲壳虫的《你需要的是爱》,U2乐队的《骄傲》、保罗•麦卡特尼的《蠢笨情歌》基德曼在“红磨坊”中被众人拥舞模仿了麦当娜《物质女孩》的MTV,而麦当娜的成名曲《宛若处女》则由“红磨坊”的经理泰勒拿来戏仿。这样的混乱使歌舞与叙事不能糅合在一起，但是与其后现代激情的主题是符合的。歌舞场面是对早期歌舞片的复兴。在歌舞片早期，华丽的歌舞场面是必不可少的，制片公司通常要花费大量的人力物力去制作华丽的布景和艳丽的服装，营造花团锦簇的盛景，呈现给观众的往往都是一派仙乐飘飘、奢靡繁华的梦幻场景。红磨坊》在制作规模和故事情节的设置上做到了“复兴”，而影片的核心———歌舞段落，却充满了华而不实的声色表演。在歌舞片的每一发展时期都有其特色与代表作，其歌舞表现形式也都被注入新的活力，更有许多经典歌舞段落为后人所津津乐道。例如，《雨中曲》里，金•凯利在雨中欢快地跳起踢踏舞，并唱起《雨中曲》的场面极具艺术感染力，是歌舞电影史上的经典。英国著名导演迈克尔•鲍威尔执导的辉煌的歌舞电影《红菱艳》，片中著名的长达13 分钟的“红舞鞋”的芭蕾舞场面宛如流动的“西斯廷壁画”，光彩夺目，美丽绝伦。而作为力图复兴歌舞片的《红磨坊》，除了过度喧嚣疯狂的歌舞场面，与戏仿的段落，很难找出经典的段落能够在歌舞电影史上抹上浓重的一笔。

《如果爱》中的叙事和歌舞是分开的，歌舞没有参与叙事。影片是依据音乐节奏剪辑镜头，运用平行，交叉，对比等多种叙事蒙太奇，充分发挥歌舞部分的表意功能。正因为有歌舞才有戏里戏外的真情假意。相比《红模仿》歌曲的随意和混乱，《如果爱》是纯净的，歌曲也是由演员演唱的新创作的流行歌曲，流行音乐的参与，更能使人感受到歌舞片娱乐大众的的这一方面，吸引眼球。相对于音乐的雕琢，对舞蹈的细心安排在影片中也看得出来。通观影片，社交舞，新创舞，马戏班热舞竞相亮相，“伞舞”“邋遢的世界”，“男人本该嫉妒”等舞段各有特色。影片巧妙的用“戏里”的舞蹈表现戏外人物的心声，歌舞和剧情十分的契合。

《季风婚宴》中的歌舞艺术则与生活融合在一起。不得不承认，印度是一个歌舞国家，婚礼上的歌舞场面让人激动不已，有位印度电影导演曾说：“印度电影既是夜总会又是神庙，既是马戏团又是音乐厅，既是比萨饼又是诗歌研讨会。”因此，印度歌舞自身的特质使它能在世界歌舞片这个类型上力拔头筹。与传统印度歌舞片不同的是该片不再营造梦幻，以前在印度歌舞片里看到的华丽服饰，宏大场面，充满梦幻色彩的歌舞不见了，在这部电影里，你可以发现印度人的焦虑，他们的爱情，他们的生活，导演以冷静客观的镜头表述生活在歌舞片里是难能可贵的。《季风婚宴》的女导演米拉• 奈尔曾说“ 歌舞的展现不光停留在美丽的乡村、豪华的公馆和清新的大自然, 它应该停留在人们的心中, 停留在人们生活的每一个角落。”正在将自己的话付诸行动。

《神机箭》获奖，韩国又掀反华辱华风潮

lbh — Mon, 09 Nov 2009 15:47:17 GMT

韩国影片《神机箭》是一部露骨的反华辱华电影，它把影片时代放在十四世纪，通过所谓先进武器的研制，把中国描述成一个穷凶极恶的侵略者和掠夺者，刻意拔高自己，贬低和嘲弄中国，利用历史意淫，并公开叫嚣：“辽宁是朝鲜的领土”等等，气焰十分嚣张。

但就是这样一部电影，在最近韩国第46届大钟奖电影节被评为最佳电影大奖，并且韩国舆论高调评论这个奖项，明显将矛头对准中国。影片根本没必要进行评论，一部十分蹩脚的，没有任何价值可言的超级烂片，拍摄它的主要目的就是为反华辱华制造一个平台。

韩国（或者朝鲜）的心态十分不健康，在历史上也没有什么突出的成就，其民族文化完全受中国文化的影响，但它偏偏把自己打扮成一个对世界举足轻重的强盛国家，没有历史成就，就去抢，去偷，冒充一种虚妄的强盛。中国有个夜郎自大的典故，但夜郎的国王还属于井底之蛙，他不知道世界什么样，似乎还可原谅，韩国不同，他其实知道世界是什么样，是个井沿的癞蛤蟆，还在那里狂妄自大，就是一种卑鄙无耻，是品质上的恶劣。

韩国其实还不如日本，日本从不讳言，日本文化就是在中国汉唐文化的影响下发展起来的，并以此为荣。说起来还有个笑话，韩国历史上官方语言是以汉字为主，它的历史古籍都是用汉字记载的，韩国政府在摆脱日本的殖民统治后，下令禁止使用汉字，终止汉语教学，结果到了现在，他们国家的年轻人都看不懂自己国家的历史古籍，没办法，又不得不恢复汉语教育。

韩国所表现出来的极端狭隘民族主义，是多年来受殖民统治形成的，是一种怪胎，过去它们不能像人那样活着，现在他们独立了，终于可以像人那样活着了，但他们反而不会像人那样活着了。

《风声》不够酷刑

玻璃尖上的电影 — Mon, 09 Nov 2009 15:46:53 GMT

宿舍的人都看过一遍《风声》了，我们一致认为酷刑的场面不够，离我们预想的场面要差很多。

当然也许是坐在电脑前看的，没有电影院的那种震撼的效果，再者，那么多人在电影院里，黑了灯，要有人不适，其他人也会有所影响。听说有人看了《风声》，回家的路上吐了好几次，我们看了以后，觉得这种情况还是有点夸张吧。现在的大学生看了那么多黑色电影，比这血腥得多的电影多的是，不至于引起胃酸反应吧。其实导演已经剪得很干净了，暴力场面适可而止，顶多让我们看多刑具，人物受刑的场面，除了几声尖叫，也没有过多表现。痛的不是演员，观众自个儿在那觉得痛。不过周迅受刑的场面还是让我很震惊，这种刑罚从来都没看到过，算是对女性极致的刑罚吧，我相信那时候女观众似乎感觉自己在痛吧。

这部电影一开始就打着悬疑、密室、酷刑的噱头招徕观众，影片还有另外一个“身份”是作为一部献礼片。观众冲着什么去看的，还是情节和酷刑吧。相对宽松的审查和结尾处人性的主旋律表达，使这部影片上升到一个高度。陈国富导演说，影片讲的是共产党人的一种精神，这个在结尾时由周迅说出来，立刻从一个密室片到主旋律影片。南方周末给这部影片起了另外一个名字“贺寿片”，它不像一般的主旋律电影那样，依靠对历史和人物的刻画来结构故事，更像是好莱坞的B级片，有着精心的情节设计，并有着许多的暴力场面可吸引观众。但它又不像这类密室片，它的主题是很主旋律的，不会讲一个复仇的故事。不知道这类电影会不会成为极具中国特色的主旋律电影表达的另外一种方式，主旋律可以变得好看，有更多的商业元素，又不会那么直接地宣传式的教育。

时光网7.5分以上电影

男言之隐 — Mon, 09 Nov 2009 15:43:01 GMT

每次看电影之前我都会在时光网查查大家对电影的评分，对于评分在7.5分以上的电影我才会看，但每次看完后，有好几次发觉自己的感觉与很多人大不相同，他们评8分的，我有时只评到6分.让我觉得有点不合群感，所以在此想问问大家怎么看待一些评分较高的电影.

和莎莫的500天——普通的爱情故事，非凡的爱情电影

阿加莎Z — Mon, 09 Nov 2009 15:00:40 GMT

漫长的500天，Tom支离破碎的回忆打乱了故事的脉络，也迷惑了观众的思绪。其实剧情原本很简单，Tom对Summer一见钟情，但Summer并不像Tom那样执迷于对纯粹爱情的幻想，她只相信自己的感觉，短暂的甜蜜后，两人分手了，Tom陷入了无法自拔的痛苦中，在屡受打击后，终于在第500天遇见了Autumn，于是开始了另一段和Autumn之N天的故事......

多么简单的剧情啊，没有《乱世佳人》南北战争的宏大历史背景，没有《泰坦尼克号》深海沉船的天灾人祸，也并非什么欢喜冤家，更没有太多的情话性事，这就是一个普通的爱情故事，但聪明的导演却能够化腐朽为神奇，把它打造成一部出众的爱情影片。导演马克.韦布完全还是电影圈的新人，其实这部作品只是他交给观众的第一份自荐信，可这封信写的太精彩了，以至于我看完本片许久还在不停的咀嚼回味。

精彩的开头。一段深沉的开场白后，钢琴衬托下的轻声吟唱，伴随着两段平行剪切的画面，孩提时的Tom和Summer，那么开心，那么无忧无虑。画面一转，Tom失恋了，而一段试图找寻答案的回忆就此开始了。

Tom的回忆是主观的，于是多少有些欺骗性，回忆中Summer永远是那么的美，从办公室初遇的清新脱俗，到酒吧动人甜蜜的歌声，打印机前的初吻，家居卖场里过家家的小游戏......一直到分手后两人在火车上的再次相遇，三个Summer脸部的特写镜头，一次比一次放大，最终定格在了那深蓝色的双眸上，窗外是刺眼的阳光，金黄与深蓝混合出一种无比动人的颜色，但它毕竟是转瞬即逝的余晖，夕阳过后预示着这段恋情真的就要沉入无尽的黑夜了。最高潮的部分绝对是那段梦想与现实的二重唱，随着音乐的推动，梦想一点点被现实抹杀，直到最后画面定格在Summer左手无名指的钻戒上，左手边的梦想被挤碎了。Tom的回忆还在继续，不过似乎已经无足轻重了，空荡荡的世 界，机器人似的生活节奏，Summer沉浸在幸福的新婚生活里，可这跟Tom已经毫无关系了。

不得不承认Tom的想象力足够丰富了，应该说是导演的想象力足够丰富了，把一些微不足道的细节渲染的那么动人浪漫，其实整部影片都没有太强烈的戏剧冲突， 也或许是导演刻意回避这些本应放大的冲突，但这恰恰造就了影片非凡的亲和力，好多朋友看完这片，都说在片中找到了自己的影子。

正如Tom所说的，爱情是一种感觉，于是爱情电影想要拍好，就要找对这种感觉，而并非流于服装，画面，美女俊男这些表面形式，前一段的两部国产爱情片《非常完美》和《窈窕绅士》恰恰就是走进了这种误区。尽管我们的电影产业还处于社会主义初级阶段，但我们的观众在欧美电影文化的冲击下，已经早已不满足于低智商、形式化的烂俗制作了。想要满足人民日益增长的电影文化需求，中国的电影人任重而道远啊，至少在下次涉及爱情题材时，可以拿这部影片做个经典范例学习学习。

换子疑云

water — Mon, 09 Nov 2009 14:57:18 GMT

很抱歉，由于种种原因，我花了两天时间才看完《换子疑云》。由于没有太看好这部安吉丽娜的文戏表演，所以也就忽略了大导演伊斯特伍德的存在。

然而，看完后不得不让我反复回味，回味这烙上了伊斯特伍德印记的画面，回味那简单而彷徨的背景音乐。《百万宝贝》是成功的，《换子疑云》其实并没有失败，而是超越了的，只不过这回老牛仔所刺痛的是整个社会最敏感的神经——统治者用最政治的宣传方式麻痹着被统治者的神经，这样的话题一旦提及便就说不清楚了。

有人会由此想到《秋菊打官司》，从女主角的遭遇来说确实很相似，不过由于历史背景和社会特点的不同，柯林斯所面对已不仅仅是阶级欺骗，而是更加隐晦的社会谎言——政治欺骗。上层建筑是基于一定经济基础之上的意识形态，而这还当然还包括法律制度和保护民众安全的警察们，这群人一面暗地里做着见不得人的勾当一面却是展现在媒体面前的正义的化身，谎言的表像必定是美好！所以，作为一名普通的母亲的柯林斯，力量实在是太小了。

整部作品犹如一面放大镜，母亲寻找遗失的儿子，放大为警察署愚弄大众的丑闻的败露，再放大为一起骇人听闻的连环杀人案件，继续放大便是以市政府为首的一系列丑闻。最欣赏影片末了的两边法庭同时开审的片段，那是观影者在和女主人公一起郁闷许久后的一次巨大释怀。

安排那段沃尔特协助逃生，个人觉得没有必要，何必再次给予母亲和观众一丝希望，这个看来就像是导演为了讨好观众而特意设置的“蛇足”。而整部影片下来也再次证明一点，朱莉还是拍动作片来的过瘾，文戏总觉得有时藏着掖着，有时又做作的有点过了。而个人比较欣赏约翰·马尔科维奇的出演，很有分寸而又不失爆发力，很成功。

时间汇入大海，生命开在彼岸

Marshall — Mon, 09 Nov 2009 14:03:53 GMT

先自我肯定下这个牛X的标题。这是我看过第二个欧容的片子，之前看过5x2，觉得足够好，看完这部{最后的时光}，觉得相当好。我决定把欧容的片子都找来过一遍。在这里，要特别感谢欧容点燃了我对法兰西语言再次的爱（我的法国文化的爱先后被英国和意大利打断过两次，两次之间的维系是短暂的对杜拉斯的重读）。
　　
　　好了，下面是严肃的正文。一定要严肃，考试的时候可不能这样写，太糨糊了。
　　

　　

　　
　　时间的维度：三个月的孤独与一辈子的怀念
　　
　　当年轻时装摄影师Romain得知自己得了癌症的时候，他没有选择化疗，而是选择平静地面对余下的三个月时光。影片就如此建置了一个宁静而沉重的开端。在这三个月的时光里，他选择把身边的人都赶跑：先是恶语中伤和自己有过节的姐姐，再将自己的同志爱人扫地出门，唯一的亲人奶奶那里他索取温暖和片刻的安宁，却始终无法摆脱内心的阴霾。
　　
　　 Romain选择的三个月的孤独，是勇敢的，也是自私的。他不希望给身边最爱的人带来痛苦，而选择一个人承受；他同时也是为了保护自己，不想让自己陷入过度的悲伤和不舍。他需要一段时间的孤独来沉淀整段时间以来的感情。这就是为什么他总是陷入同年的回忆中，那是美好时代的所在，那时候他和姐姐在小木屋玩游戏，那时候他问爸爸小兔子为什么就要死去。他在自我的世界里选择沉寂下来，独自回味。
　　
　　人在生命即将结束的一段时间里，会想起什么？往往是最幸福最不舍的时光吧。Romain永远走不出去的是那一个幼年的自己，他需要爱，缺乏安全感，渴望被注意，孤独而天真。站在时间的长河里，他看到了幼年的自己，就仿佛是镜子里、教堂里、沙滩上的那个小男孩，永远地微笑着，不知疲倦地成长着。这是时间的无限所在，我们无力去与他抗衡，我们只能观望。观望时间中的自己，对话自己，以此在有限之中得到永恒。
　　
　　接近尾声时，Romain买了一个巧克力冰激凌，他像是害怕打针的小朋友需要糖果带来的安慰。面对死亡，他显得不安，却已经慢慢接受。而最后让他落泪的还是那个小男孩，他朝他欣慰地微笑，而后掉泪。这是严肃而悲喜交加的泪水。那个小男孩教会了他，时间不止，生命继续，没有什么可怕，亦不需悲伤，C'est la vie。而他也终于释怀，坦荡地投向了时间的无尽海洋。
　　
　　

　　
　　
　　
　　
　　空间的维度：人与人的距离与海尽头的彼岸
　　
　　人与人的亲密从何而来？为了摆脱孤独，为了彼此取暖，抑或是与生俱来的求生欲？在面对死亡的一开始，Romain选择打断他与亲人、朋友、爱人之间的亲密，而选择远距离地观望。影片如此便产生了三条线索，代表亲人的姐姐和奶奶、代表爱人的同居恋人、代表朋友的女侍员夫妇。
　　
　　 Romain一开始直面死亡时，出于惊慌或自我保护，极端地赶走了身边人。可是内心却又若即若离地渴求爱的重温。人毕竟脆弱，他来到奶奶的住所和她同睡一起，这是他重返爱的旅程的第一步。之后他又打电话给姐姐道歉，却始终不敢想见，更可以看出他的矛盾——需要爱，又害怕爱。接着他再见到爱人，并且请求他再和他做一次爱。这些都是他最后的尝试。直至和女侍员夫妇的三人床戏，他才完全地找回了爱与生命的回程。
　　
　　这出戏是极其精彩动人的。一开始他拒绝了帮女侍员夫妇生育孩子的荒谬请求，之后再经历了多次和解后，他明白自己内心还是需要爱、承诺、希望，这些温暖的东西，同时他需要一个生命来延续他自己所剩无多的时光。他答应和她做爱，为他们的孩子提供精子。这场戏里，欧容极其巧妙地表现了性与爱、性与生命、以及两性之间的微妙关系。性是原始冲动，性是生命本能，性亦可以意味爱的奉献。而男人和女人，男人和男人，其实又有何差别？性没有界限，一如生命和爱是没有界限的。
　　
　　影片的最后，Romain的孩子已经在女侍员的腹中，而他独自一人来到大海。生命的旅程并没有到尽头，它只是在海的另一边往这边张望。大海，再一次象征了人类的故乡，生命的摇篮，她给Romain送来最后轻柔的呼唤和抚慰，而他，终于在经历了一切之后，如婴孩般平静而甜美地睡去了。

写完了，再贴两张欧导和男猪Melvil在片场的剧照。欧容真是法国国民好典范。哦也。

我最喜爱的电影之香港篇

林水儿 — Mon, 09 Nov 2009 14:03:03 GMT

2009年11月09日星期一 09:57 P.M.

其实写完我最喜爱的电影之海外篇的时候就有写港片的冲动了，可是总是心生畏惧，无数次的提起笔又无数次的放下，真是相当担心写的不好会遭受千夫所指万人唾骂~~⊙﹏⊙b~汗不过最近看了很多怀念港片的文突然就很感动，感动于字里行间涌动的情怀。。。所以这里也就胡乱写下，当是实践对某人的承诺吧，O(∩_∩)O~

顺便废话一句，这里所选的港片多是纯正的港片，偶在选择的时候自觉摈弃了所谓的合拍片。就让我们一起祭奠，那些再也回不去的岁月吧。。。

NO.1周星驰——喜剧之王

之所以要把这部电影放在第一位，我觉得是因为她代表了周星驰精神、香港电影人精神、香港精神——坚持到底、努力奋斗、永不言弃。这种精神，贯穿于每一个香港人，无论是首富李嘉诚，还是特首曾荫权，甚至是每一个底层的老百姓，都始终为了自己的未来而努力打拼，这种拼搏与奋进，才成就了香港今时今日的辉煌！~

貌似扯的远了些，继续扯回电影，汗~

尹天仇，一个生活与社会底层的小人物，执着于梦想，却只能徘徊于其边缘而不可得。梦想是虚无缥缈的，现实是黑暗残酷的。生活，注定了为了理想的付出很多时候没有任何的回报。坚持，很难！除了物质上的贫乏之外，更多的是心灵上的煎熬与别人无端的指责与嘲笑。不停的被否定，不停的遭受人格上的羞辱，你，还坚持的下去么？那个被命运和他人反复捉弄的阿仇，其实就是我们自己，可笑，可怜。。。可是只要你有他那份执着与努力，相信天光之后就会好靓。成功，离你就不会太远！现实人生中卑微小人物的苦苦挣扎与拼搏奋进，黑暗的现实与单纯而明亮的爱情，就是《喜剧之王》的全部意义！

NO.2周润发——《英雄本色》

永远记得自己第一次看这部电影时的情景，感觉全身的血液都燃烧起来了。风衣、墨镜、牙签、双枪、兄弟、义气还有血与泪铸就的江湖，所有的元素都那样完美的融合在一起。从来不知道暴力、血腥与死亡也可以这般凄美与浪漫，生命纵使可贵，情义却更加无价。此片诞生之后，吴宇森所创建的暴力美学电影就开始作为一座风标长久的屹立在每一个观众的心中。

拍摄此片之前，恰逢吴宇森事业低谷。三年的挫折与不如意，看尽了人情冷暖世态炎凉，多年沉寂下的突然爆发，终于成就了一部举世的经典！电影中的每一句对白，每一个镜头，每一个人物都充斥着导演的情感。“我只是为了证明，我失去的，我一定拿的回来！”吴大导演不仅拿回了失去的一切，而且开始了新的辉煌。。。此片荣获当年香港票房冠军，绝对当之无愧！相信吴导自己也不得不承认，再也拍不出如《英雄本色》般完美到无懈可击的影片了吧~

NO.3张国荣——《倩女幽魂》

徐克的《倩女幽魂》，又一部让人难以忘怀的经典。伴随着熟悉的歌声，那个叫做宁采臣的文弱书生误闯兰若寺，结识了拥有惊世容颜身世凄苦的女鬼聂小倩。一段感天动地，海枯石烂的人鬼恋由此展开。。。

一向擅长武侠题材的徐克，拍起爱情片来竟也如此信手拈来。演员选择的竟是如此的恰到好处：气质清冷的王祖贤与气质柔美的哥哥绝对是这部电影的上上人选。尽管今天看起来，当时所谓的特技不免显得些许简陋，可是电影带给我们的欢乐与感动至今回忆起来依然鲜活如初。该片可谓把聊斋志异的聂小倩拍到了极致，此后无论谁再拍也只是拾人牙慧，徒增笑料罢了。最可笑的莫过于台湾的那版了，大S加陈晓东的组合与王祖贤加哥哥的组合实可谓有云泥之别！

NO.4李连杰——《功夫皇帝方世玉》

记得成龙说过，自己跟李连杰的区别在于他拍的电影是功夫喜剧，而李连杰拍的功夫片一直都很严肃。听完这句偶当时立马笑了，其实李连杰的喜剧天赋一直都有在电影中展示的，方世玉系列就是很好的例子。比起成龙来，偶最喜欢的功夫巨星还是李连杰。估计还是跟李连杰是全国武术冠军打起功夫来动作特别潇洒飘逸有关，呵呵~

一个整日里不喜欢用功读书，游手好闲，喜欢抱打不平的少爷，一个喜欢跟着儿子胡闹，过度宠溺儿子，笑料不断的老妈，一个没事喜欢吟两句诗，平日不苟言笑的老爸，再加上一个美则美矣却没有半分演技的大美女李嘉欣，这故事想不好看都难！这里不得不赞下萧芳芳，不愧老戏骨，演技没有丝毫矫揉造作之感，看着特别令人舒服。。。

现在还能想起方世玉戴着墨镜乘着风筝飞下来的情景，不过这好像是第二部的镜头，哈哈~

NO.5刘德华——《暗战》

刘德华拍的电影早就超过一百部了，不过要说最好看的，偶仍然觉得是这部杜琪峰执导，为他赢得第一座金像奖影帝奖杯的《暗战》。

一直觉得老杜拍黑帮片成就卓著，由此片中可见一斑。

警察与罪犯斗智斗勇的电影题材并不鲜见，斯皮尔伯格的《猫鼠游戏》就是此类影片的佼佼者，大家有时间可以看看。好了，说回该片：一位濒临死亡的罪犯与一位屡破奇案的警察之间的故事，几次的斗智斗勇，几次的顺利逃亡，而最后的一次逃亡居然是因为警察的心生同情。。。结尾设置的很聪明，不仅为罪犯的犯罪动机找到了一个堂堂正正的理由，而且安排我们看到了一丝决不破坏整个影片基调的爱情的影子！

华仔能够获得影帝除了自身的实力之外更加应该感谢两个人，导演杜琪峰和演员刘青云，他们在他能够凭此片获得影帝的道路上绝对立下了汗马功劳！

NO.6梁朝伟——《重庆森林》

很多人说，王家卫与古龙有着致命的相似之处，都是借用某种载体表达城市人内心的孤独感。可是老实说，对于喜欢古龙的偶来说观看王家卫的电影却是一件痛苦而提不起兴趣的事。比如偶一直不明白受法国人无比追捧的《花样年华》究竟有什么可看性？昏暗的光线，两个人一次次漫无目的的相遇，张曼玉花样繁复的旗袍和如梦呓般深刻而让人费解的对白，这就是艺术么？

所以某一天能够把《重庆森林》从头看到尾并且觉得还蛮好看对偶来说绝对是天大的喜事。其实王家卫的电影万变不离其宗，不同的包装下讲述的全都是孤独的故事。比如梁朝伟一个人没事的时候对着香皂、毛巾、衬衣自言自语。。。王家卫电影中的孤独与梁朝伟的忧郁气质相得益彰，他们绝对是香港电影文化中不可或缺的一环！

NO.7梁家辉——《水浒传之英雄本色》

家辉的电影偶看的本就不多，最喜欢的有两部，一部是这个，还有一部当然就是徐克的《新龙门客栈》。这个演员并不帅，却有一种独特的儒雅气质，演绎起古代的儒侠来很有几分味道，比如林冲和周淮安。据说他还演过杜拉斯写的《情人》中的男主角，偶没有看过，不知道是什么样子。

这部电影大多遵循水浒中的套路，不过在遵循原著的同时有很多有趣的创新，比如林冲与鲁智深两个武痴半夜不睡觉打来打去，打的家里东西碎了一地甚至打穿了墙直接钻到林冲夫人房里去了~

这里特别喜欢徐锦江演绎的鲁智深，豪气干云，傻里傻气，哈哈~

NO.8成龙——《醉拳二》

要选一部成龙的电影满难的，想来想去还是选这部好了。醉拳一偶好像没看过，想不起来了，不过据说还是这部更好看。那首成龙唱的此片的主题曲想当年也是人人会唱啊，哈哈~

看惯了李连杰的古装版黄飞鸿突然转看现代版的怎么着都有点不习惯，不过好笑的是这部片拍摄时间应该在徐克的黄飞鸿系列之前吧。这部片中的飞鸿整日里被父亲打的满地找牙，做起错事来一做一箩筐。更雷人的是有一个年纪比他轻的小妈梅艳芳，种种元素加在一起再加上刘家良做武指硬桥硬马的醉拳功夫，黄飞鸿少了几分英俊潇洒却多了几分惊险刺激武打动作场面倒也颇具可看性~

NO.9林青霞、巩俐——《新天龙八部之天山童姥》

要想选一部由女星们挑大梁的港片来欣赏此片绝对是不容错过的上上之选。林青霞加巩俐的气场绝对足够强大，强大到让你足以忘记此片男主角的缺失。另外张敏的阿紫也演绎的恰到好处，一点狠毒一点邪恶分寸拿捏的恰到好处。

该片中最美的场景莫过于无崖子的三个师姐妹弹琴舞蹈了，李秋水、李沧海、巫行云白衣飘飘，笑容倾城，美的令整个人间都可以停止呼吸，美的足以让山水万物为之失色。。。林青霞与巩俐的古装扮相绝对称得上是颠倒众生，当然两人的演技同样不容置疑，李秋水与巫行云前期的姐妹情深到后期的生死相残再到最后的一笑泯恩仇与黯然离去。。。金庸先生小说中只能想象不能目睹的无崖子师姐妹一段在这里得到了很好的诠释，所谓绝色，理当如此。

NO.10梅艳芳——《胭脂扣》

梅艳芳一直都是我最喜爱的女演员。觉得她也是整个香港影坛演技做好的女演员，只可惜斯人已逝，纵使芳华绝代终以零落成泥碾作尘。她的逝去与哥哥的逝去一样，是香港影坛难以估量的损失。。。

说她的演技好不是没有理由的，无论是和哪一位影帝合作，无论他们有多么鲜明的个人主义特征，梅姐都能很好的表现出自己的独特气质，丝毫不会在气势跟演技上输给任何一位影帝！

李碧华的小说偶是一本也没看过，不过李的小说改编成电影的倒是不少，《青蛇》貌似也是李的小说！说回电影，胭脂扣又是一个凄美的人鬼恋的故事，与《倩女幽魂》不同的是，这里的男主角十二少不再如宁采臣般与女主角同生共死，有趣的是两个角色都是哥哥演的，哈哈~没有了生死与共，注定了女鬼如花想要与恋人在阴间厮守的梦想破灭，巧妙的是，这个结局也是在最后一刻揭晓，原来同生共死只是如花的一场梦。纵使这样，那个依然明艳动人的如花面对贪生怕死、老态龙钟的十二少毅然决然的离去不做丝毫留恋的同时，我们却看到了十二少留下的悔恨的泪。。。

那个痴情如斯，至死不悔的如花，那个了解自己所信非人变决然离去的如花，打动了每一个观众的心。。。

后记：OMG，终于写完了，想不到这文居然如此难写，发现自己整整写了两个多小时。。。⊙﹏⊙b汗~ 这里只是写着玩，写的不好的话请大家切勿见怪哈，另外限于篇幅所限只写了十部电影，其实好的港片多了去了，这个我不说大家也心知肚明。让我们一起默默祈祷，伴随着我们长大的港片能够有更好的未来吧！

一丑难求：盘点华语电影中的猥琐男女

lightwing — Mon, 09 Nov 2009 13:57:53 GMT

俗话说“千生易求，一丑难得”，就是说丑角想要成功付出的往往要超过平常角色太多，戏剧舞台如此，电影的大银幕亦然，本文中盘点的人物既都是此类，他们之中很多都是专门的丑角演员，往往一生都没有出演主角的机会，只能扮演配角，当然也有很多通过喜剧路线作践自己之后取得了他人瞩目的成就。他们有一个共性就是他们把欢乐留给了观众，做本文的目的就是为了让人们记住这些带给大家无限欢乐的名字。

男性部分：

周星驰

尽管如今贵为星爷并被尊为华语喜剧电影第一人，但是当年还被叫星仔的年代则是没少扮演猥琐角色，也是依靠走这种喜剧路线出身并经过不懈努力才得到今天成就的，尤其当年是和王晶合作的电影中的角色，一个赛过一个的猥琐，譬如著名的韦小宝，香港丑角出身的演员中周星驰可谓成就最高者。

曾志伟

虽说现在是整天演老大，但是当年出道时间不久的时候则是因为自身外形特征而没少诠释猥琐角色，当发哥打主角的时候，志伟兄只好缩在后面尽力的将自己的丑态表演给观众，再次证明，地位是自己混出来的，不是别人给的。

陈百祥

阿叻哥可谓在电影中没有扮演过几个正经角色，几乎所有出演的电影都是为了让观众笑为目的，出演角色大多为配角，属于百搭型角色。论相貌其实陈百祥并不差，但是因为在影片中的神态和表情实在无法让人不和猥琐二字联系到一起。

吴孟达

曾经周星驰电影中的最佳搭档，绝对的黄金配角，演技无可挑剔，其实长的也不是太差劲，只是被周星驰在《逃学威龙》中形容外貌特征的时候说了非常猥琐而已，想当年在郑少秋版的《楚留香》中也曾经扮演过胡铁花这样的角色，如今却已经被定型为丑角，想转型都难。

成奎安

大傻哥应该说是香港早期电影中猥琐第一人，演出电影作品无数，几乎所有的角色都是丑角，也几乎没有演过主角，无敌的相貌让人过目难忘，猥琐二字实至名归。如今斯人已去，唯有通过影片中的一幕一幕来缅怀。

罗家英

虽然是粤剧名家，但是真正决定其影响力的却是电影中的丑角，罗家英的相貌本就喜剧，加上表演的角色都是那种冷幽默的类型，简直绝配，当中最著名的角色莫过于《大话西游》中的唐僧和《国产零零漆》中的达文西（达·芬奇港译）。

黄一飞

论长相可以说是天生的猥琐男，论角色是一个赛过一个猥琐，但是就因为外观的优势决定了他出演电影作品的超高几率，也是周星驰电影中的常客。

徐锦江

著名的三级片天王，同样是凭借着粗豪的外形而著称于电影界，如今转行改拍其他类型电影，由于相貌的局限因此在当年除了三级片之外就只有一些猥琐的角色可以扮演，虽然大陆现在也经常给些BOSS类角色让他演，可就是看着不像。

八两金

这个论相貌绝对极品，因此戏路就完全被定死，大多出现在周星驰的电影中，但是貌似从来没有演过主角，以至于很多人连他的名字都记不住。

李健仁

著名的如花，周星驰的好友，因此出现在镜头中的时候大多都是在周星驰的电影中，总是男扮女装出场，因此有了如花的名字，至于本人，恐怕记住的没有记住如花的多，如今戏路也被定型，好在本业是场记并非演员，要不也够悲哀。

曹查理

曾经著名的三级明星，一脸的猥琐相，后来不拍三级片了开始成为丑角出现在其他类型电影中，虽然作品不多，但是猥琐程度一流。

刘以达

香港著名的音乐人，音乐造诣高深，但是长相就不好恭维，不过演出电影作品不多，主要也是给周星驰配戏，最著名的角色就是《食神》中的梦遗大师，猥琐没有职业的界限。

郑中基

宝丽金的太子爷，在歌坛不好混了改混电影，凭借着自己出众的猥琐相貌成为了如今香港影坛的新生代猥琐男，只是演技太过欠缺，除了耍贱别的伎俩不多，难以达到上面前辈的高度。

黄渤

可谓新生代猥琐男，相貌一流猥琐，初期的表演风格更是猥琐了又猥琐，近期因为大量主演高口碑电影而迅速上位，大有染指大陆首席男星的势头，表演路线也拓宽了很多，可谓前途无量。

冯淬帆

一本正经搞笑的典型，论相貌身材都算是仪表堂堂，就是角色演出来示众透着一股猥琐之气，早期香港喜剧电影中的常客，洪金宝《福星系列》中的重要笑料。

田启文

田鸡同学虽然不是职业演员，但生就了一张标准的猥琐演员脸，于是只要他所在的组里需要猥琐小配角的时候总是少不了会被找上，当然他的表现也算对得起自己那张脸，非一般的猥琐。

何文辉

先是酱爆、后是屁屁仔，何文辉顺利的奠定了自己的表演位置，不论有没有观众知道自己的名字，反正角色已经深入人心，敢于作践自己确实也是成名的一个重要途径。

许冠英

许氏兄弟的老三，很奇怪的是大哥许冠文算是仪表堂堂，四弟许冠杰也属英俊潇洒，可中间怎么就出来了个相貌如此不尽人意同胞？也因此成为了四兄弟中最擅长塑造小人物的一个，属于香港电影发展中期的猥琐流明星。

吴耀汉

同样是香港老牌喜剧明星，生就一张猥琐面孔，因此凭借相貌优势走上喜剧路线，从此一发不可收拾，成为了当时香港很有影响力的喜剧明星之一。

陈佩斯

当年陈佩斯的喜剧电影在大陆也算是人尽皆知，近年虽然基本不出片，但是回顾早前的电影中发现此公还真是表演风格想当之猥琐，因此尽管在当时还没有猥琐一词的广泛应用，可也不能因此而忘却了。

梁天

记忆中他也没有演过什么主角，同样都是大多在喜剧电影中塑造小人物，因为长相猥琐因此戏路也被局限，算是大陆比较早期的猥琐流派演员。

澎恰恰

台湾的极品猥琐相貌，该人士的长相绝对无敌，喜剧天分自然也就优于旁人，因为一看到他的样子就想笑了，宝岛猥琐路表演路线的中流砥柱。

詹瑞文

2000年前主攻舞台剧表演，新世纪之后才开始涉足大银幕，舞台上就是喜剧路线，到了电影中自然还是凭借着自己猥琐的相貌延续猥琐的表演路线。

张达明

其实长的还不算猥琐，但是表演路线则是绝对的猥琐路线，同样也是大多塑造小人物，代表性强的形象自然是《大内密探零零发》中的白痴皇帝。

楼南光

和林正英搭伙出演了很多僵尸电影，在当中通常都是负责搞笑的准反派角色，绝对的猥琐流表演路线，加上当年的电影剧情本就荒诞，这种角色的演员想不猥琐都难。

刘桦

道哥也是很强的猥琐路线演员，只是因为早期的电影中没有被发掘出喜剧细胞，但是到了如今也有些被早早定了型，只不过还不能算是完全的猥琐路线演员。

女性部分：

男丑难得，女丑更是难上加难，数量类型均稀少于男性，但很多时候笑果更胜。

郑裕玲

虽然年轻时候相貌出众，但是让她在演艺圈大红大紫的还是喜剧电影，《表姐，你好嘢！》中的极尽搞怪了一系列的猥琐表现让人留下难忘的印象，此后嘟嘟更是将猥琐路线发扬了光大，属于那种敢于为了工作而不惜扮丑的美女演员。

吴君如

香港第一代大笑姑婆，演技无可挑剔，演艺圈的地位同样无人能够动摇，初出道时虽然走正剧路线，但是后来发现自己演绎喜剧更有前景，因此不顾自己还算不错的相貌开始大走猥琐路线，终于成为迄今香港电影中最有影响力的女笑星。

苑琼丹

香港喜剧电影中的老鸨专业户，几乎周星驰电影中女性配角出场最多的一个，相貌尖嘴猴腮，表演路线绝对猥琐，属于香港电影中难得的女丑星。

叶德娴

香港老牌女笑星，因此很多观众对其不是很熟悉，不过提到《逃学威龙2》中的女长官估计就没有几个印象不深的了，生就一张喜剧面相，不走猥琐路线岂不冤枉？

毛舜筠

同样一个比较早期的女星，表演路线和苑琼丹有些近似，都是那种相貌正常但是表演风格大胆不惜自毁形象的类型，很猥琐的一个。

宋丹丹

说实话宋丹丹算是比较不幸的一个，早早就被喜剧定了型，想转型结果观众死活不买帐，只好把猥琐进行到底，不断接拍喜剧片和喜剧小品。

蓝心湄

台湾著名节目主持人，同样也是有名的女笑星，长相虽然不算出众但还不至于称为丑女，但是勇于自毁形象，不惜通过猥琐流路线来带给观众欢乐。

朱咪咪

老牌配角，如今比较常见到的角色都是一些市侩老妈子的角色，长相胖乎乎看着挺喜兴，实际相当猥琐搞笑，不过更多出演电视剧，电影反而少些。

鲁芬

这个则属于绝对的绿叶角色，演出电影不少，但是能叫出她名字的则不多，最代表性的角色就是《九品芝麻官》中的烈火奶奶，相貌相当的彪悍。

80后导演张江南处女作09内地唯一恐怖片《午夜出租车〉

心子 — Mon, 09 Nov 2009 13:56:17 GMT

突破重重限制，历经各种困难，作为09年内地唯一恐怖片《午夜出租车》迫近上映，让我们共同祝福内地恐怖片能有个突破，共同支持我们自己的电影。

观影指南-----东德简史

DerSpiegel — Mon, 09 Nov 2009 13:37:49 GMT

[1949]西柏林危机后,5.23美.英.法三国占领区合并成立了德意志联邦共和国,10.7德意志民主
共和国在苏联占领区成立。
　　

[1949-1955]此一时期,因其实行完全的斯大林式
统治,民主德国从一开始就成为极权主义的代名词.与此同时，高度的计划经济以及德意志民族的高效率使东德在战后重建的速度上甚至超过西德。
　　
[1953]斯大林死后不久，6.16东柏林建筑工人发起了反政府的罢工示威,罢工继而演变为小规模的武装起义, 在苏军坦克的支持下,起义很快被当局镇压。
　　
[1956]受赫鲁晓夫苏共二十大秘密报告的鼓舞，东德率先施行以国企重组和部分中.小轻工制造业半私有化为特色的经济改革,经济增长率继续引领苏东阵营(除南斯拉夫)。一定的经济自由也带来了一定的个人自由，比如：波罗的海沿岸出现了第一片官方许可的天体海滩，这在当时右翼基民盟执政的西德属于非法。
　　
[1961]8.13柏林墙建立
　　
[1961-1965]柏林墙给了东德当局空前的安全感,国内的言论自由达到了建国以来的最高点。
　　　
[1965底-1966]统一社会党(东德共产党)第十一届中央委员会(1965 12.16-18)召开后不久,在当时的第二把手昂纳克(Erich Honecker)的领导下开始了一场大规模反对资产阶级自由化的运动。大量的书籍, 电影被禁,一批作家.学者.艺术家被迫离职。
　　
[1971]在苏联支持下，昂纳克接替乌布利希
(Walter Ulbricht)成为第一书记,上台后他发出文化艺术领域无禁忌的指示。受此激励，全国发行量最大的休闲月刊《Magazin》的中心插页改成《花花公子》式的裸体女郎；1973上映的社会.政治讽刺片《Die Legende von Paul und Paula》成了该国影史上的票房冠军。
　　
[1976]11.16 Biermann事件(东德创作型歌手
Wolf Biermann未经当局允许在西德作巡回演出,并在演唱会中对东德政府进行批评)后言论自由再次被收紧。
　　
[1987]戈尔巴乔夫在出访东德时力劝昂纳克进行改革,遭其拒绝。
　　
[1989]10.18昂纳克在党内改革派的压力下被迫辞职, 11.9柏林墙被推倒。
　　
[1990]10.3两德统一
　　
　　

《机器侠》：爱你在心口难开

家钥 — Mon, 09 Nov 2009 13:23:45 GMT

文/家钥

对于导演刘镇伟，一直认为他是香港电影的一个异数。他擅于打造多种类型的电影，精神内核却万变不离其宗。在癫狂夸张的表象之下，埋藏着一颗真挚的心。15年前，《大话西游》的问世，起初让他遭遇了巨大失败，随后破天荒成为传世经典；15年后，刘镇伟带领《机器侠》主攻内地，结果如何？相信喜爱葡萄的观众们没有理由不期待。

在缔造出《大话西游》这样的绝世经典之后，新世纪以来，刘镇伟的电影道路却显得越发困难。因为珠玉在前，其后的电影不免都要被人与其做一番比较。即便2005年的《情癫大圣》票房口碑都不理想，但是刘镇伟的坚持与创新值得赞赏。其实，对于《情癫大圣》这部电影，我是很喜爱的。尤其前半段的夸张搞笑逐渐演变为后半段的悲剧收场，令人见识到葡萄刘塑造悲喜剧的能力，且这么多年来从不退步与妥协。

于是这次，葡萄将其所擅长的“爱你在心口难开”故事，从至尊宝和紫霞换成了K1和素梅。

你孙悟空有紧箍咒，我机器人有自动毁灭程序。

他们的共同点是：自身能力都无比强大，甚至可以去拯救地球。但是，在这世间，却不能爱。

这是何等的痛苦？出生自天主教家庭的刘镇伟，在片头就用上了“上帝造人，人制造机器人；人能怀疑上帝，机器人为什么不能怀疑人？”这一影片上映前的宣传语，给了观众答案。而对于看完影片的观众来说，对这句话的感触可谓颇深。而《机器侠》的故事看似平凡、貌不惊人，但是经过刘镇伟的大胆包装之后，却显现出新的气象。

刘镇伟这个老顽童，一旦玩起电影来便毫无顾忌，在《机器侠》中仍然充满嬉笑和怀旧的气息，几乎通篇的爆笑没有给人一丝喘息的空间，众多笑料一涌而上，极尽无厘头与夸张的搞笑成分几乎占据了影片四分之三的时间，单以喜剧片的标准来衡量《机器侠》，无疑可以打一个高分。而这种久违的欢笑甚至有种回到上世纪90年代看《东成西就》和《大话西游》的感觉。而《机器侠》也比起之前差强人意的《追影》和《大内密探灵灵狗》来说，《机器侠》才是今年暑期档最爆笑的喜剧影片。

但是，由于投资的缘故，《机器侠》的特效场面明显逊于好莱坞。首先，其特效场面并非《情癫大圣》之“大”，全片几乎没有利用电脑特效营造出一个波澜壮阔的大场面。加上拍摄地点选在浙江的古镇，大部分时间都发生在这里，使得影片科幻的成分大减，很多时候《机器侠》更像是一部生活片与爱情片，而非科幻片。看来，华语科幻还需再接再厉。周星驰和刘镇伟相继做出的尝试，相信会有更多人去开拓。再者，刘镇伟在《机器侠》中对特效的运用主要用来村托笑料，例如大春成为机器人后，头部会变成各种各样的东西，十分引人爆笑，而先涛数码也很好地完成了任务，并且很有刘镇伟电影的风格。毕竟在葡萄那源源不绝的想象力之下，《机器侠》的特效基本做到了物尽其用，因此片中的特效场面仍是一大看点。毫无疑问，从4年前的《情癫大圣》到如今的这部《机器侠》，他在电脑特效的道路上越走越远，加上其天马行空的想象力与自成一派的无厘头悲喜剧风格，已经在观众群中形成了热议，进而愈发流行。

不可否认，《东成西就》和《大话西游》时的刘镇伟，才是他的巅峰状态。新世纪以来，他虽然效仿周星驰，在特特效和题材方面都做出了新的尝试，但这条路走得很艰难。纵然口碑众说纷纭，刘镇伟却越来越钟情于自己特殊的电影风格。给刘镇伟的电影下定义是一件很难的事情，他和周星驰一样，永远是令人琢磨不透的导演。但是，当刘镇伟走出别人想不到的那一步的同时，那些俗套的桥段却又涌现出来，致敬、模仿便成为家常便饭。这是个很奇怪却又很有趣的现象，刘镇伟在不断开辟蹊径的同时，却又不断重复自己的过往，值得玩味的东西太多。

很难想像，这样一部打着科幻旗号的电影，演员的表现却显得十分重要。因为《机器侠》的重心从一开始就不在特效场面的堆砌，而是在于各人物间的感情捕捉。胡军则奉献了从影以来最“软”的一次表演，没想到这个银幕硬汉演起喜剧一样令人忍俊不禁。大春身上的那种疯狂夸张的无厘头搞笑居然被刘镇伟调教得有着周星驰的影子。如果要数片中最抢戏和最出彩的演员，非胡军莫属。而孙俪也展现出了一些驾驭喜剧的表演能力，但在《机器侠》里，正剧甚至是悲剧才是她的杀手锏，前半段的情窦初开与结尾痛哭的爆发力足以证明她是一个好演员。郑中基和甘薇合格地完成了搞笑任务。唯一遗憾的是，罗家英在片头贡献了一段再熟悉不过的《Only You》和表明了自己发明家（类似《国产凌凌漆》）的身份之后便销声匿迹，不如从头带到尾的曾志伟有发挥空间，甚为遗憾。

多种类型的娱乐元素的成功混搭，使得刘镇伟电影异常热闹，而同时拥有直触心灵的内核才是刘镇伟真正的杀手锏。

刘镇伟对于爱情这个终极主题向来是抱着很认真的态度，此次也不例外。其实，《机器侠》的爱情关系比起《东成西就》和《大话西游》等片来说显得并不复杂。加上没有了时空穿梭的元素，这个故事显得朴实且自然。刘镇伟依然没有用过多的台词来讲这个科幻外衣下的爱情故事，时常是通过人物的几个表情，与采用平行式蒙太奇的手法就达到了目的。

爱你在心，口却难开。当K1在电影最后说出那三个字之后，素梅获得了“一秒钟的爱情”，却即刻随着K1一起灰飞烟灭、分崩离析，任残红遍地、人自凋零。这个后来伴随着素梅痛哭以结束故事的桥段更是成为了影片中的最强大的一枚催泪弹，《机器侠》使你不知不觉地笑到流泪，因为你看到了一份至真的爱情，这爱情触及了内心最柔软的部分，仅此而已。

这部大部分时间都在疯狂搞笑的电影，就在这结尾来了个180度的大转弯，令你措手不及，无暇思索。

这就是刘镇伟。好比《大话西游》的一滴眼泪，《机器侠》的一朵鲜花。

或许，《机器侠》远不及《大话西游》般经典，但仍可以坐下来细细品味。只因为，这是银幕上值得珍藏的一份爱。这份爱，没有时空的界限，且刻骨铭心。

无论此生分离，不管痛彻心扉。

《季风婚宴》——又见《雨中曲》

小貔 — Mon, 09 Nov 2009 11:45:01 GMT

一件艺术品的核够硬，才能够对抗时间。好莱坞对中国创作者，观众来说，似乎永远是不及物的。而好莱坞对于宝莱坞，对于米拉·奈尔来说，则是及物的。影片毫不吝啬的点明人物与人物之间的戏剧关系，明白无误地告诉观众你该期待什么。这无异于走钢丝，走不好就成了国产主旋律或好莱坞商业巨片的脑残逻辑，要不就成了一件《季风婚宴》这样的精品，拈重若轻，不隔。家庭，婚姻，信任，代沟，萝莉情结，婚外恋，阶级差异，民族传统，都被搁到这样一个婚礼和一部电影之中。影片的叙述速度，有条不紊。

一个女导演，非但没有挑一些偏门的，另类的题材去拍，一个第三世界的导演，没有挑那些所谓的厚重的现实去拍。反而挑起了《悲情城市》，《谷子与鲻鱼》《七天丧期》这种需要复杂调度和深厚情感的题材去拍。

再一次，让我体会到了零碎的剪辑的美感，它可以拍出《谍影重重》这样好看的影片，也可以在家庭人伦中大展身手。这种印象式的笔触也非常符合婚宴这样的题材，终究是一场狂欢，在《雨中曲》，《西区故事》之后缺席多年的舞蹈场面，又明证言顺地回到了电影世界，音乐剧中的纯真，夹杂着任谁都是舞伴的幽灵气质又回来了。影片如同泰戈尔笔下，在天空飞过的鸟儿，似乎没留下什么，似乎又留下了什么。

这次洗牌，没有一丝遗憾。

《消失在远空中》：相信的力量

荷锄 — Mon, 09 Nov 2009 10:50:09 GMT

这部电影说是导演行定勋构思了7年的儿童电影，不由得观看时候特别的用心，为着导演这份认真。行定勋的电影看过几部，日本特有的纯爱他拍的不赖，很细腻，很纯碎。《在世界中心呼喊爱》，《尘封笔记本》都是相当的不错。而这部乡村儿童片拍的纯真，真挚。确实是魔力导演。

因为看了神木的《小小DJ恋爱物语》之后才又特意看了他主演的这部电影。看完之后查了下电影相关资料，影片里演神木的爸爸居然是三浦友和，激动的又返回去再看一遍。虽然如此喜欢三浦，但是从不会刻意去看他的片子，因为没有了山口百惠。这电影演员阵容也算强大，张震，柏原崇等都友情演出。其实这样的纯真乡村儿童电影，没有大牌明星的加盟会显得更加原汁原味。因为明星一加盟就有些宣传的味道，心里总是喜欢那些没有被过分渲染的好片子。不过话说回来，若没有大明星友情演出，很多人就找不到这么好的片子了。真是矛盾。

这电影构思了7年是值得，我看儿童片一般注意力只在小孩子，但这片子的成人故事也吸引人，这一群无知，淳朴，自私，懒惰，相亲相爱的乡下人，在充满诗意的马醉村过着悠然自在的生活，相信是这电影的主题，妃春相信UFO会来接她与爸爸团圆，赤星相信他的弟弟有天会回来而每天放鸽子，挥红旗，公平的妈妈也一定相信她的丈夫会归来。心怀信念，生活就充满着希望，他们的生活看似单一却如此怡然自得。影片主线是反对建设机场，中间穿插着各自人的人生故事，上一代人的淡淡的情谊也若影若现的表达出来，这些都是细腻而真挚的感情，用心感受，居然有丝感动。最后在医院里妃春的那块陨石和公平送的石头显灵飞回了属于自己的星球，这是相信所得到的。正如海报上导演写的，当他不再相信任何事物的时候，就想拍一个能够让他拥有相信的电影。

其实有些时候，孩童的简单的想法胜过了大人无数考量的结果，孩子的魅力因此总是挖掘不完。我，仍然继续爱着与孩子有关的东西。

《消失在远空中》

你的那个小小小……

Humanoid·W — Mon, 09 Nov 2009 10:44:56 GMT

什么样的电影才是好电影呢？

看后引人深思的电影是一等电影；

情爱色情电影是二等电影；

三等电影是消遣娱乐电影。

同意吗？

风声大，雨点小

英伦情人 — Mon, 09 Nov 2009 10:04:29 GMT

众星的演技可赞，不过最后的结局已经很假了。

共产党的特务就是牛X，怎么叫老鬼，老枪呢？干脆叫“老牛”得了~~~

期待下周的2012，这是我的“菜”。影院见吧。兴奋中.......

影评：《秋喜》，一部比《风声》更好看的电影

老韩 — Mon, 09 Nov 2009 09:37:57 GMT

《秋喜》这部影片讲的是1949年10月，全国已大部解放，北京已经升起了五星红旗，广州解放在即。历尽生死的革命者们终于迎来了他们收获的季节，长期潜伏在国民党军统部门的地下党晏海清和他的同志们一样，热烈的期盼着这期望已久的胜利，并开始展望自己的新生活。可就在这时，他接到上级命令，继续潜伏，保护广州免受敌人破坏，并设法前往台湾。

看到这个开头，我马上想起了《红岩》中的江姐和许云峰，革命胜利了，革命者看到了革命的胜利，却享受不到这胜利的果实，他们最终只能“在烈火中永生”。从叙事技术上讲，影片一开头就为我们树起了一个巨大的悬念：我们的男主角能活下来吗？最终他是去了台湾还是没有去？他的结局怎样？电影在什么地方结束？

和《风声》一样，这部电影的故事非常好看，也是一部靠讲故事取胜的电影。夏惠民是国民党军统部门的处长，专门负责抓捕、审讯、屠杀共产党。他是个残暴，血腥，杀人不眨眼的魔鬼。晏海清是潜伏在夏惠民手下的一个小职员，他书生气十足，表面文弱，内心确十分坚韧。一只温顺的小羊，潜伏在一只专吃小羊的老虎身边，小羊的目的不是一枪干掉这只老虎，而是取得这只老虎的信任，以虎为伴，虎口拔牙。而这只老虎的经验又非常丰富，他和许多羊打过交道，他被羊骗过，被羊暗杀过，他也抓过很多羊，审过很多羊，杀过很多羊，他深知羊的狡猾和不好对付。同时，他从心里也暗暗的佩服羊这个种群，他从一开始就怀疑自己身边的这个气质不凡的书生正是自己天天都在抓捕的羊，但他一直没有证据。整部影片就围绕着这两个人物展开，晏海清想尽一切办法得到夏惠民的信任，夏惠民一次次的想方设法验证自己的猜测。影片一次次的将矛盾堆积，一次次的又将矛盾解决，影片几次让我们感到夏惠民真是欺人太甚了，男主角已经不可能有办法了，他不可能再“忍”了，他只有拔出手枪和夏惠民决一死战了，可影片会突然笔锋一转，以四两拨千斤的方式让男主角轻松的将矛盾化解掉。这是非常考验编导演的智力的，许多段落给我们留下了深刻的印象：那个同志叛变了，大家一起去那个茶馆“钓”区委书记一段；夏惠民来到晏海清家，煮鸽子，抓住秋喜的胳膊，露出本能凶相一段；在戏园子，夏惠民用强迫晏海清亲手杀掉区委书记来验证晏海清身份一段；晏海清几次夜里去夏惠民的办公室窃取情报等段。还有影片中无处不在的夏惠民的一个眼神，一个动作，晏海清的一个眼神，一个动作，都让我们时时刻刻感觉到男主角晏海清的危险，感觉他一句话说错了，脑袋马上就会搬家。整部影片下来，可以说是环环相扣，行云流水，跌宕起伏，扣人心弦。

和《风声》不同的是，这部影片不仅仅将故事集中在敌我双方的智力对决上。他多了许多人性主义的光辉，这使它多了几分文人气质。男主角晏海清不象《红岩》中的江姐和许云峰那样，是个“打死也不说”的具有钢铁般意志的坚毅的共产党员。他文质彬彬，甚至显得有些软弱。在与魔鬼一样的夏惠民的战斗中，他脆弱的内心无法承受这巨大的压力，他几次处于崩溃的边缘，几次又将苦果咽下，投入新的战斗。影片向我们深刻的展现了一个地下党卧底地狱一般的生活，这是一种与魔鬼共舞的生活，一种事先默认自己已经死了的生活。一个人说一句谎话并不难，难的是说一辈子谎话，而且一旦被敌人识破，马上就会死无葬身之地。是什么支持这个文弱的书生以及所有的共产党选择了这种生活呢？夏惠民几次强调他和晏海清“有很多共同之处”，“他曾经也很纯洁”，“如果他当年加入了共产党，现在会是怎样”。但他和晏海清又是多么的不同啊：对待生活的态度，对待（其他）生命的态度，对待自己所爱的女人的态度，对待自己从事了半生的事业的态度。他们的区别在哪儿呢？其实夏惠民自己已经说了：“共产党都有信仰”。

我觉得这部影片最好的一点就是 “秋喜”这个人物或这个意象的设置。它不仅有效的调节了整部影片的节奏，而且使整部影片所表现的内涵更加深刻。

“秋喜”，秋天的喜事，很有意境，确带着一丝凉意。秋天是收获的季节，当主人公从收音机中听到毛主席在天安门向全世界宣布中华人民共和国成立的时候，他松了一口气，他觉得他终于可以全身而退了，他可以结束这种生不如死的潜伏生活，开始新的生活了。不料，他接到上级继续潜伏的命令。当别人都在收获的时候，迎接他的将是严冬。这种前提设置，使男主角的命运显出几分悲壮，大有“风潇潇兮，易水寒，壮士一去兮，不复还”的悲凉。

秋喜是片中的一个人物，她是片中男主角晏海清的仆人，她是纯洁的象征，她也是男主角包括那个杀人魔鬼夏惠民曾经的纯洁的象征，他甚至是我们整个人类纯洁本性的象征。当男主角在外面饱受煎熬回到家里后，是秋喜给了他一丝宁静，一丝温暖。当男主角亲手将秋喜误杀之后，他不再纯洁。不再纯洁的他，不是变成了杀人魔鬼，而是变成了更加成熟的共产党人。影片最后，他干掉了夏惠民，他自己也受了伤，当他将从夏惠民身上拿来的通行证装入被子弹打穿的西服内衣口袋，提起提箱，挺胸阔步的走向新战场的时候，我们看到了一个更加成熟的共产党人，一个将软弱化作坚毅的共产党人，一个将儿女情长压抑在心底的共产党人。与此同时，穿上节日盛装的秋喜在漫天飞舞的彩纸彩带中欢迎解放军的入城，她满脸笑容，她走着，笑着，还是那样天真，那样纯洁。我们多么希望这场战争从来就没发生过，人们都像曾经的秋喜那样快乐、简单、单纯的生活呀。晏海清、夏惠民、区委书记，还有秋喜，都那样快乐、简单、单纯的生活，而不是被扭曲，或被杀害。

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