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法国“新浪潮”“左岸派”电影的特征与区别
Peter 发布于：2009-05-20 07:53
尽管“新浪潮”“左岸派”电影人的身份和资历不尽相同，但他们毕竟是出现在同一个国度、同一个时期的两股电影思潮，他们的电影确实拥有许多共同的特征：
首先，他们都对法国的所谓“优质电影”和商业电影中的平庸、虚假和陈旧的表现手法作过猛烈的抨击。落实到创作中，他们的影片都显现出丢弃传统、打破陈规、求新尚异、大胆探索的特征。例如：在影片的拍摄上，他们注重电影的照相性，强调画面的新鲜感，拒绝学究式的规范与原则，大量使用跟拍、抢拍、长镜头、景深镜头等类似于纪录片的拍摄方法；在音响的处理上，他们大量采用自然音响环境，以增加作品的真实感；在镜头的剪辑中，置传统的语法和修辞规则于不顾，随心所欲，不无禁忌。
其次，他们都认为导演是影片的惟一“作者”（或“作家”），都提倡在电影的创作中应充分展露导演个人的人生感受和独特追求。因此，在他们的影片中，都表现出刻意追求个人风格、过于注重自我表现的特色。为此，他们作为导演，大多参与或干预了电影剧本的创作，有的甚至干脆编导合一，以保证自身的艺术追求得到最充分的展现；在影片的内容上，反对讲述那种过于戏剧化的故事。在题旨的设置和表现上，反对浅显、老套、直白和单一；在影片的结构上，大多采用与生活的本来形态相近的散文化的、生活流或意识流式的结构样式。
第三，由于“新浪潮”“左岸派”电影人都不同程度地受到了存在主义、弗洛伊德主义等西方现代哲学思潮的影响，所以，他们的电影不通俗、不易懂、不明快、不流畅，并显现出悲观、沉重、晦涩、和多义的特色。在他们的影片中，片中人说什么和做什么往往没有常规意义上的目的性。换言之，片中人说什么和做什么其实并不重要，他们想展示、想告知的只是片中人的生存状态和生活态度。对于许多社会问题和人类心灵深处的隐痛，他们只是热衷于揭示，至于答案、出路和治疗的方法，他们的通常做法是留给观众去思考。
当然，“新浪潮”与“左岸派”电影毕竟还是有区别的，概而言之，有以下四点：
其一，叙事方法不同。“新浪潮”电影具有强烈的个人传奇色彩，所叙之事大多与导演本人的生活经历有关，并较多地采用“第一人称”的叙事手法；而“左岸派”电影人则常常从重大的历史事件（如“二次大战”、原子弹爆炸等）中去寻找创作素材与灵感，其叙事人称丰富多变。
其二，追求和结构不同。“新浪潮”电影人的追求是向生活靠拢，其作品的结构大多与生活同构；而“左岸派”电影人感兴趣的是人类的精神活动，其作品的结构大多近乎意识流。
其三，表现形式不同。“新浪潮”电影的创作过于潦草，过多地富于即兴色彩，特别注重真性情的不加修饰的流露；而“左岸派”电影在形式上非常讲究，细节上精雕细琢，影片拍得比较精美。
其四，观众的认同程度不同。“新浪潮”电影人不考虑市场，不考虑观众的审美习惯，因此，几乎没什么票房收入；而“左岸派”电影人在追求个性与创新的同时还能兼顾观众的观看习惯，因而还是能够赢得一批观众的认同。
总之，发生在20世纪50年代末到60年代初的“新浪潮”“左岸派”电影运动，是法国电影史上规模最大、参与者最多、成果也最为丰硕的电影革新运动。“新浪潮”及“左岸派”的电影观念，对于德国、美国、日本等国的电影创作产生了积极的影响。我们甚至可以这么说，“新浪潮”“左岸派”电影运动的出现，对于世界电影整体品质的提升和总体走向的调整，都产生过不可替代的作用。
法国“新浪潮”“左岸派”电影代表人物及代
Peter 发布于：2009-05-20 07:49
“新浪潮”电影最主要的代表人物当属以下两位：
弗朗索瓦·特吕弗（1932～1984）认为，电影导演就是电影的作者，电影应该表现作者（即导演）的心灵与个性。他在26年的导演生涯中共拍摄了24部影片，他27岁时拍摄的影片《四百下》（又名《四百击》、《胡作非为》）是他的成名作，也是新浪潮电影的代表作。该片是特吕弗关于“电影应该是一种信仰或一部日记”的主张的成功实践，1959年在戛纳国际电影节上获得了最佳导演等四项大奖。他导演的最后一部电影《最后一班地铁》曾一举夺得法国电影最高奖 － 恺撒奖中的十个奖项。史学家们认为，特吕弗是“最能代表法国电影的法国电影导演”，“是20世纪最优秀的电影导演之一”，是“改变了整个电影和电影观众的一代伟人”。
让－吕克·戈达尔（1930～ ）认为，电影就是一种表现自我、张扬个性的工具，是一种拷问人生、抨击社会的武器。《精疲力尽》（1960年）是戈达尔的代表作，也是“新浪潮”电影运动的一部扛鼎之作。对于这位“新浪潮”电影运动中最前卫、最勇敢的代表人物，理论界给予了高度的评价。西班牙电影大师布努艾尔认为：“除了戈达尔，我丝毫看不出新浪潮有什么新东西。”更有评论家认为：“全世界的新电影中至少有一半是戈达尔式的电影，也就是说他们遵循、效仿着戈达尔提出的法则和标准。”
“左岸派”的电影人大多拥有丰富的拍片经验和较高的文学、文化素养。其中，成就最高、堪称旗手级的人物当推阿仑·雷乃。由他执导的《广岛之恋》（1959年）和《去年在马里昂巴德》（1961年）是“左岸派”电影的代表作。
法国“新浪潮”“左岸派”电影的兴起
Peter 发布于：2009-05-20 07:40
法国是电影的诞生地，法国的卢米埃尔兄弟和梅里爱等人对电影的发明与发展做出过杰出的贡献。从1895年到第一次世界大战爆发之前，法国电影在世界上一直拥有霸主地位。据有关资料显示，1910年前后，世界各国的进口影片有60％～70％来自巴黎。由此可见，早期的法国电影确实有过一段极为风光的历史。
第一次世界大战结束之后，法国电影在与美国好莱坞电影的竞争中败下阵来。1921年以后，法国影坛出现了先锋派电影运动，其代表作有《机器舞蹈》、《幕间休息》、《一条安达鲁狗》等。然而，这些抽象主义、唯美主义和超现实主义的影片曲高和寡，观众甚少。随着有声电影的兴起和1929年世界性经济危机的爆发，法国的先锋派电影运动不得不宣告结束。
20世纪30年代，法国影坛又出现过一批被史学家们称为“诗意现实主义”的优秀影片，其代表作有雷诺阿执导的《大幻灭》（1937年）、《游戏规则》（1939年）等。此类影片的追求是：遵循人道主义的创作理想，在表现日常生活真实图景的同时，通过各种电影手段在银幕上展示诗情画意。然而，由于这类影片总量不大，佳作也不多，因此，法国的“诗意现实主义”电影对世界影坛的影响并不是很大。
20世纪50年代，法国影坛出现了一种被称为“优质电影”的影片。这类影片，取材于古典名著，追求技术的精湛和风格的优雅，但反映的内容却远离现实生活，其审美趣味也与经历过“二战”的欧洲人格格不入。因此，面对蓬勃发展的电视业的挑战和“二战”之后欧洲出现的经济萧条，此类电影也难以为继。法国的“新浪潮”和“左岸派”电影运动正是在这种时代背景下产生的。
1958～1962年，法国的一批影坛新秀兀然而起，他们向陈旧的制片秩序、肤浅的商业影片以及苍白的“优质电影”发起了猛烈攻击。在短短的几年时间里，约有200多位新人先后拍出他们的处女作，形成了法国乃至世界电影史上的一大奇观。当这些样式新颖的影片像一股不可抗拒的潮流滚滚而来、席卷法兰西大地的时候，法国的一位女记者在报刊上发出了“新浪潮来了”的惊呼。从那以后，人们便用“新浪潮”一词来称谓这一没有发表任何宣言的电影运动。由于“新浪潮”的电影人十分强调电影导演的个性表现，强调“电影的导演就是电影的作者”的观点，所以“新浪潮”电影又被称为“作者电影”。
几乎与此同时，法国的一些专业电影导演和作家出身的电影人也推出了一批拥有全新的电影思维和艺术视角的新电影。在抛弃传统、另辟蹊径、张扬个性、表现自我等方面，这些人与年轻的“新浪潮”电影人一样，态度坚决，行动果敢，并以令人耳目一新的优秀作品在本已十分热闹的法国影坛刮起了又一股旋风。由于这些人大多居住在巴黎塞纳河的左岸，所以被人们称为“左岸派”；由于“左岸派”电影人的资历都在“新浪潮”电影人之上，所以“左岸派”电影又被称为“作家电影”。
虽然“新浪潮”和“左岸派”电影人的年龄层次和文化背景有所不同，但他们毕竟生活在同一个国度、同一个时期并拥有非常相近的艺术主张，所以，人们通常把“新浪潮”和“左岸派”视为同一个电影运动，或同一个电影运动中的两股思潮。
意大利新现实主义电影运动及其成果
Peter 发布于：2009-02-05 13:38
意大利新现实主义电影运动兴起于“二战”结束之后，是西方电影史上一个非常重要、影响极其深远的电影文化现象。
一、意大利新现实主义电影运动产生的历史背景
早在电影的格里菲斯时代，意大利就已经是一个电影大国了。20世纪初，意大利的电影产量仅次于美国。在墨索里尼统治时期，意大利的电影业虽然获得了来自政府财政的资助，但是，由于法西斯主义的干扰、渗透和控制，当时所拍的影片大部分远离现实生活，远离观众的期待，影片的品质急剧下滑，最终变得毫无生气。意大利有抱负的电影人对此状况忧心忡忡，但也无可奈何，无力回天。“二战”结束后，墨索里尼政府的垮台，使得意大利的电影人重新获得了生机，获得了创作自由。但是，旷日持久的战争毕竟还是给意大利的电影业留下了满目疮痍。意大利的新现实主义电影运动正是在这样的历史背景下产生的。
二、意大利新现实主义电影的审美观念与创作原则
意大利新现实主义电影的兴起与发展，之所以被理论界视为一次影响巨大的电影运动，不仅是因为在十年左右的时间里，出现了一批追求相近、风格相似的电影人及其代表作，还因为他们拥有共同的、有别于前人的审美观念与创作原则：
第一，他们特别强调电影的记录本性，希望通过对于现实生活的真实记录来反映社会生活的本来面貌。
第二，他们喊出了“把摄影机扛到大街上去，把镜头对准普通人”的口号，坚持实景拍摄，提倡启用非职业演员和非戏剧化的表演。对于描述小人物的生活状态，表现出了极大的热情。
第三，他们倡导使用长镜头，尽量少用蒙太奇及痕迹明显的剪辑，以简单、质朴的手法表现生活的真实。
第四，在结构上，他们基本不用倒叙、闪回等人为的技巧，大多采用与时间同行、与生活同构的叙事结构。
第五，在语言上，他们反对采用经过提炼的诗化的台词，而尽量保留方言和生活语言的原有特色。
三、意大利新现实主义电影的意义与影响
意大利新现实主义电影运动，是一次从内容到形式、从理论到实践的彻底的美学革命，是世界电影史上继先锋主义电影运动之后对电影本性的又一次大规模的探索。此举，对好莱坞的传统叙事模式形成了巨大的冲击，改变了欧洲电影与美国电影的力量对比，对世界电影最终形成多元化的发展格局产生了重要的影响。
四、意大利新现实主义电影的代表人物及其代表作
罗伯特·罗西里尼（1906～1977）拍摄的《罗马，不设防的城市》（1945年）是意大利新现实主义电影的代表作。此外，表现“二战”末期意大利人民生活与斗争状况的影片《游击队》（1946年）也是罗西里尼的一部重要作品。其他代表人物及作品有维斯康蒂和他执导的《大地在波动》（1947年），德·西卡和他执导的《偷自行车的人》（1948年），德·桑蒂斯和他执导的《罗马十一时》（1952年）等。
美国电影的基本特征
Peter 发布于：2009-02-01 09:19
美国电影作为大众文化典范，一方面是为了获利而向大批消费公众销售的娱乐产品，另一方面由于制作资金的充足也形成了电影文化的良性循环发展。应该承认美国电影为大众文化的发展与提高做出了贡献，它的这种旺盛的生命力及其不断的发展是有其内在的规律性的。
首先，美国电影充分认识到了电影的娱乐性本质，并采取各种方式和技术手段去张扬电影的娱乐性。实际上，我们应该抛弃用纯艺术的观念去看待电影的传统做法。要认识到，电影自诞生起便是一门大众化的视听文化形式，同时也是一项工业生产。作为一项特殊的生产形式，首先应满足人们的审美娱乐的需要。美国人在电影发展的早期就已经清楚地看到了这一点，所以，他们把电影定义为娱乐，并通过经营这种娱乐行业，来获得商业上的利润。美国电影大师格里菲斯的经历充分说明了这一点。他的影片《一个国家的诞生》引起了世界的轰动，也为制片人、投资人赚足了钱，然而他的另一部名片《党同伐异》虽然拍的也相当得出色，但由于电影的艺术理念太超前，缺乏相应的娱乐性，观众接受起来较为困难，最后影片的票房收入以失败而告终，格里菲斯也从此一蹶不振。这充分说明电影创作要占领市场，就必须赢得观众，满足观众的审美需要，也就是说电影作为一门大众化艺术首先应该重视大众的审美心理，它应该尽可能地适应不同层次、不同年龄大多数观众的审美需要。不管何种类型的影片都应该拍得精彩好看，要让观众在流动的五彩缤纷的银幕世界里，得到一种身心的愉悦和审美的满足。人类有追求娱乐的天生本能，电影作为一种大众的审美艺术形式，它自然不能忽略人类内在的娱乐生理机制。由此，我们就不难理解人们为什么热衷于娱乐性电影，也不难理解人们对一些喜剧性的、猎奇性的、刺激性的、枪战武打的娱乐性大片趋之若鹜了。因为人们在这类影片中所表现出的情与爱、生与死、沉与浮之中，释放着一些被抑制的潜意识，或者激起对现实环境缺憾的一些幻想，从而在影像视听艺术世界之中获得某种娱乐性的审美满足。由此可见，电影艺术首先要满足人们的精神愉悦，然后才是认知世界、阐释人生和表达理想的审美思考。
其次，美国电影以各种视觉造型和高科技手段打造了影片的奇观性。好莱坞电影的奇观性更多地体现在它的文本构成和视觉形象的创造上。也就是说，美国娱乐影片的制作大多是一系列奇观元素的综合，并最终形成一种冲击力极强的视觉效果。所谓奇观性无非是指电影构成因素的非常规化和宏大化，它具体体现在影片的结构、情节、人物、场景、画面等诸多方面。电影的奇观性来源于大制作和大投入，早在上世纪初，由于大金融资本的介入和电影公司为了获取高额利润，好莱坞就开始制作大规模豪华影片。如米高梅电影公司推出的《乱世佳人》，影片对美国南北战争进行了史诗性的反映，对主人公跌宕多姿的爱情处理也非常有特色，还有火车站广场那庞大的伤兵队伍、亚历山大城那场映红了半边天的熊熊大火等宏大场景，以及克拉克·盖博、费雯丽等靓丽明星的出演，再加上当时还很少见的彩色技术的使用，无不使影片充满了令人惊叹的视觉奇观，使电影这一大众化的娱乐形式对观众形成了巨大的吸引力。此后电影的奇观性一直是好莱坞电影获得票房的杀手锏。在当代，电影面对电视的挤兑，更是以其眩目的奇观性提供一种电视无法望其项背的独特的视觉体验。一些巨型的灾难片、科幻片和剧情片大量地涌现，如《大白鲨》、《外星人》、《侏罗纪公园》、《泰坦尼克号》、《珍珠港》等影片，以高科技的优势，创造了令人瞠目的电影奇观，吸引了世界各国观众的眼球，并为之带来了巨大的商业利润。
美国电影作为大众文化，其影片内涵往往具有超越性。好莱坞电影的商业策略是全球化的，其目的是吸引更多的观众以获取商业上的更大利润，为了实现这个目的，美国电影首先在影片的思想内容上打起了所谓“人性”大旗，试图以超越世界各地区、各民族、各阶级以及不同的政治文化差异的电影文本，来实现其全球化的目的。如斯皮尔伯格的《辛德勒的名单》是以一个典型的德国人良知的觉醒，并且不惜冒生命危险反叛纳粹而营救犹太人的真实故事为底本创作的影片，显然人道主义精神是这部影片重要的思想背景，没有这个背景，犹太人在战争中所经受的非人的磨难就缺乏强有力的理性冲击；没有这个背景，也就不能够引起世界不同民族和阶级人们强烈的同情感。美国人善于将带有普遍意义的人性化做为影片中的视觉造型，将消费群影像转变成人性的对象，从而使影片魔力般地吸引了世界各国不同的观众。为了实现电影的超越性，美国人还采取了多元文化杂合的方式来进行电影创作，以试图满足不同国家和地区、不同民族文化传统人们的审美需要。美国本身就是一个移民国家，多民族的到来和融汇使得这个国家从建国开始就具有很强的对外来文化的包容性，也正是基于这一点，就决定了美国电影文化的多样性。随着20世纪后半期全球国际化步伐的加速，多元文化元素的聚合就迅速演变为好莱坞电影的主要生产方式，从而使美国电影的生产不仅能够为本国观众提供娱乐文本，而且也让世界不同国家和民族的人们看到了自己熟悉的文化因素，并从而喜欢上这种电影文化。为了实现电影文化的多元性，好莱坞早就以开放的姿态聚集了世界各国大批的影艺人才，如来自瑞典的英格利·褒曼、英国的费雯·丽、澳洲的梅尔·吉布森，以及中国的成龙、李连杰、吴宇森等著名艺人。这些不同国籍、不同历史文化背景的艺术家们汇集到好莱坞，为美国电影的多元化发展奠定了坚实的基础。
此外，在影片的叙事选择和人物塑造上，美国电影除了描绘和反映本国的现实之外，也在极力地去描绘世界不同国家和民族的生活现实和故事，以吸引世界上其他民族的观众。如美国电影中有关中国历史和现实的影片《末代皇帝》和《花木兰》等就是典型的例证，在动画片《花木兰》中，迪斯尼以其独特的视角和手法演绎了中国这个家喻户晓的女扮男装、替父从军的故事。美国电影还推出其他民族和国家文学名著中的一些故事和人物，如《理智与情感》、《战争与和平》、《安娜·卡列尼娜》等影片，采取这种方法去向海外推广美国文化，真可谓取得了文化输出和商业利润的双丰收。
可以说美国电影正是牢牢抓住电影的大众文化本性，并依靠其娱乐性、奇观性和内涵的超越性等特点形成了其电影在世界市场商业上的强势地位，使用这种策略，不但形成了美国电影的良性循环，也大大促进了电影艺术的不断发展。
美国电影的发展历程
Peter 发布于：2009-01-30 07:00
美国电影从诞生起就是以大众文化而著称于世的，早期的好莱坞就已经形成自己的制作模式和风格，她以工业化的大制作、商业性和娱乐性奠定了自身鲜明的特点。在此后的岁月里，美国电影逐渐发展成为独霸世界的垄断状态，它的范围之广，影响之大，持续时间之久，实属世界之首。
美国电影的发展一开始就走的是工业化、商品化和娱乐化的路子。十九世纪末二十世纪初，美国的城市工业发展和中下层居民迅速增多，电影成为最适应城市平民需要的一种大众化娱乐方式。一些独立制片商为了摆脱专利公司的控制，纷纷从纽约、芝加哥等电影集中地移向洛杉矶郊区的好莱坞，这里自然条件极好，是理想的电影外景地。此后各大电影公司也陆续搬来，逐渐形成了美国电影生产、发行的基地。随着电影艺术和技术的复杂化，促使电影的制作日趋专业化。因此，制片人决定采取工业生产的流水线方式制作电影，这就产生了制片厂制度，这一制度的中心人物是制片人，他一边控制影片的拍摄费用，一边对影片应该如何拍摄实施举足轻重的影响。为加强影片的制作进度，也为了让导演集中精力于影片的制作，制片人对影片的创作班子进行了明细的分工，如布景、美工、服装、特技、录音等部门都有自己明确的任务和责任，他们专司其职、分工合作，共同为一部影片的整体创作服务。为了提高影片的号召力，当电影公司发现一些明星的魅力和对票房的巨大影响后，决定实施明星制，突出著名演员的个人作用。制片人雇请编剧为特定明星度身量衣，编写剧本，使演员定型化。于是出现了童星邓波尔、好姑娘玛丽·壁克馥等大明星，这批好莱坞明星便成了美国电影征服世界的基础。
随着美国电影的进一步丰富繁荣，逐渐形成了类型片的模式，比如西部片、爱情片、恐怖片、战争片、喜剧片、音乐片、歌舞片等等。美国的类型电影是一种典型的商业化的电影样式，它指的是一些人物、情节模式和影片的故事环境造型类似的一种电影。它的特点是：具有重复的情节动机，循环的类型形象，标准化的叙事模式和特定的内涵表达。如美国的西部片，其人物就是开发西部的牛仔、土著的印第安人、边境警察；环境是西部广袤的荒原、突兀的山岭，故事情节无非是叙述正义战胜邪恶，文明战胜愚昧等等。类型片的产生是电影制片商为了减少投资风险和最大限度地获取利润的结果。
由于好莱坞电影业的繁荣，到三四十年代，有声故事片的创作和发行达到历史上的黄金时期，创造了在全球影片发行量和卖座率的空前纪录，在制作质量上也达到世界领先水平。不少影片，如《大独裁者》、《乱世佳人》、《魂断蓝桥》、《蝴蝶梦》、《公民凯恩》等，都成为世界电影史上永恒的经典作品。进入40年代后期，美国电影有一个衰落期，也就是说美国电影自40 年代末至50年代中期经历了一系列的打击和挑战，极大地损伤了美国电影的创作元气，加上美国电视业发展迅速，到1953年，电影观众人数与1946年相比减少了一半。
为了振兴美国电影，50年代末到60年代初美国的电影文化政策进行了调整并采取了很多重大措施，他们通过电影的梦幻、奇观、大场面，以及精致的光影造型等特点来吸引全世界的观众。这一时期，美国电影出现了一批具有现实主义因素的好影片，给美国电影带来一个新的景象。这些影片干预涉及美国的某些重大社会问题，如反映越战给美国人民带来灾难和心灵创伤的《猎鹿人》、《现代启示录》、《生于七月四日》等等。特别是反映婚姻及伦理危机的《克莱默夫妇》，这部影片真实地反映了当代美国社会的家庭伦理现实，繁重的社会压力导致的家庭裂痕以及妇女的社会地位问题。它不仅向观众提出家庭破裂这个带有普遍性的社会问题，而且还附带涉及许多其它社会问题，例如男女平等问题、婚姻中的两性关系问题、子女的抚养教育问题、美国司法制度下的诉讼问题以及社会竞争的后果问题等等。此外，占影片总量多数的娱乐片也大大扩充了题材，所反映的事件光怪陆离，无所不包。特别是一些以新题材、高科技为代表的科幻片，不惜耗资巨额美元，以赢得大量观众和商业利润。
不可否认的是，美国电影文化同其他国家的电影文化相比，有着自身明显的优势和文化特色，其内容更为丰富、类型更为多样、制作技术也更为先进。由于其类型电影的通俗化和大众化，也更容易被广泛的观众所接受，因此，才使得美国电影得以在激烈的竞争中立于不败之地，继而统治了世界影坛。自第一次世界大战以后，美国电影便一直扩张其海外市场，逐渐在各国取得一定的地位。但要说成为真正的“全球霸主”，还是九十年代以后的事。因为整个世界的政治大环境变化对美国的全球化经济战略发展极为有利；而美国的科学技术又遥遥领先于其他各国，助长了好莱坞电影征服全球的竞争力。进入到世纪末，美国电影更是借助当代传播媒体向世界范围大肆输出自己的电影文化。为了吸引大多数人的眼球，他们把自己的有着大众文化标志之称的电影推向了娱乐的极致，并且突出了电影的豪华性、奇观性、梦幻性的特点。如一部《泰坦尼克号》，投资2.5亿美元，动用了大量的人力和财力，加上电脑特技的制作，使影片以极其奢侈豪华的场景演绎了一段冰山沉船上的爱情故事。而此时，好莱坞的灾难片和科幻片更是席卷了整个世界，如《龙卷风》、《侏罗纪公园》、《山崩地裂》、《天地大冲撞》等等，几乎每年都有新作出笼，使全世界的观众眼花缭乱。这些灾难片或以一直困扰着人类的自然灾难为主题，如龙卷风、火山、流行疾病，或以科学假说为根据，想象人类在面临恐龙复活、冰山融化、彗星撞地球这些灾难时，将会有什么样的命运。如果说在三四十年代最具美国特色的类型电影是西部片，那么在这世纪末的最后10年，最具美国特色的类型电影应该是科幻片了。这其中包含着电影为了跟电视等其他娱乐产业竞争，不得不进行高投入的大制作，来满足观众的视听需要等制片策略方面的因素，同时也体现了世纪末美国的意识形态和社会文化心理。灾难片和科幻片的流行再一次确证了好莱坞的商业头脑――它善于抓住世纪末普遍的社会心理，加以具体、夸张的方法，成功地拍摄了一部部扣人心弦的影片，使观众既可以在好莱坞的高科技制作下欣赏到一道道视听大餐，又使内心深处对于世纪末的恐慌心理在这种虚拟的场景中得到了宣泄。
进入新世纪的美国电影尽管在题材、主题、风格和表现手法上都有了很大的突破，但总的来说，大多数影片还是根据文化工业的游戏法则，将一定的商业元素糅合在一起，在几种可以确保票房收入的模式和规则上炮制出一连串迎合大众口味的故事，尽管这些缺乏创造力的、僵化的规则有可能使一个出色的题材成为单纯招徕顾客的噱头，失去原本可能具有的深度和力度，但却吸引了大批的观众，由此也充分显示了美国电影作为大众文化的娱乐第一和金钱至上的基本特征。
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很理论
2009-11-09 19:54
评的牛、两部都很经典
2009-11-08 18:53
- 我.........
呵呵 
2009-10-04 16:07
- 好！！！！！！！！！
！！ -
2009-10-04 16:05
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