Billy Wilder's career stretches back to the late 1920s, when he collaborated on the scripts for several films made in Germany, including the classic semi-documentary People on Sunday (1929). When Hitler came into power, Wilder fled to France and eventually ended up in America. He soon overcame his limited knowledge of the English language and began work in Hollywood, contributing to the screenplays for Ernst Lubitsh's Ninotchka (1939) and Howard Hawks's Ball of Fire (1941). He directed his first American film in 1942, The Major and the Minor, and two years later he directed one of the seminal noir films, Double Indemnity (1944). While Wilder's career would become strongly identified with comedies such as Some Like It Hot (1958) and The Apartment (1960), his career has also included several dramas about the darker aspects of life, such as The Lost Weekend (1945), for which he won an Academy Award, and Sunset Boulevard (1950). Wilder's directed only a handful of noir films, but those films remain milestones of noir theme and style: Double Indemnity (based on a book by James M. Cain and scripted by Raymond Chadler) provides an essential portrait of the femme fatale (Barbara Stanwyck) and the insurance investigator (Fred MacMurray) that she lures with sex and convinces to kill her husband; Sunset Boulevard takes us on a lurid journey through the decay surrounding an aged silent film star (Gloria Swanson) and the young screenwriter (William Holden) who stumbles into her web; and Ace in the Hole (1951) pulls us into the carnival-like atmosphere that results when a journalist (Kirk Douglas), with national headlines on his mind, deliberately delays an attempt to rescue a man trapped in a cave. The following interview focuses on these three films as Billy Wilder provides his insights and observations regarding film noir.
--publisher's note
电影是一片失效的安眠药
[影人访谈]Billy Wilder: About Film Noir
[法国电影人物]莫里斯•皮亚拉 Maurice Pialat（zt）
一
1987年5月7日晚，戛纳电影节的闭幕式上，当法国导演莫里斯•皮亚拉走上奖台领取金棕榈奖时，台下响起的不是掌声和欢呼，而是一阵刺耳的口哨声和倒彩。面对观众的嘲讽和不满，莫里斯•皮亚拉非常镇静，他对台下观众说出了法国电影界20年来最勇敢、最令人难忘的一句话：“我知道你们不喜欢我，我也一样，我也不喜欢你们！”然后他向嘲讽和反对他的人们高高地举起了右拳。
此后整整18年，直到今天，法国电影再也没有获得过...
PBS弦理论与M理论
费里尼手记（zt）
一、艺术作品的意义在于其独特的表达，我觉得从一种艺术形式移植到另一种艺术形式是既诡异又荒唐可笑的。我个人偏好的是为电影写第一手题材。我相信电影不需要文学，需要的只是写电影的
二、人，既能依电影本身的旋律韵致来表达自己的人。
三、我通常会挑选吻合戏中的角色的演员，如果找不到合适的，我宁愿去找个面孔合适角色气质的人，吸引我的并不是一般定义里的才能。同样，选择演员时，他的缺乏经验也对我不会造成困扰。
四、也许你会说--某些影评家也观察到了--罗西里尼太极端化、太机械也太明显地制造神秘效果。但我从他身上终于学到如何保持平衡，把对比和相反的情况变成感人的事件，转化成感情，转化成一种见解。
五、罗西里尼像是帮助我穿过街道的地铁，我并不觉得他对我有众人公认的深远影响。就我而言，想到他跟想到亚当，是一种对父亲的感念：大家都自我们祖先繁衍而来，要辨认出我有哪些东西遗传自他，并不容易。
六、任何人都能拍电影，每个人都应该拍电影--我认为今天我们电影的困境绝大部分是有这套完全不是美学的美学观造成的。
西班牙电影DS--佩德罗·阿莫多瓦（zt
1949年9月24日，佩德罗·阿莫多瓦出生在西班牙南部拉曼彻地区的一个名叫Clzada de Calatrava的小镇上。由于父亲的贩酒事业经营不善，阿莫多瓦的童年过得十分贫苦。八岁时，他随家人搬到艾克斯杜雷马杜拉省，并在那里进入教会学校学习。糟糕且专制的教育制度和被神父性侵害的经历，使得少年时代的阿莫多瓦就对宗教产生疑惑并最终丧失信仰。也正是在这个时候，他开始迷恋电影，同时电影也给了他最大的安慰。
十六岁那年，阿莫多瓦放弃了进入修道院大学的机会，离开家乡，孤身一人前往马德里，心中只有一个明确的目标：到马德里去学习并拍摄电影。但当时在佛朗哥的强权政策下，国立电影艺术学院已经被迫关闭。因此阿莫多瓦也只能一边靠打工维持生计，一边自学电影的基本理论。尽管60年代仍然是佛朗哥独裁当道的时期，但来自外省的少年阿莫多瓦还是深深地爱上马德里这座充满文化和自由气息的城市。不久后，阿莫多瓦在西班牙国家电话公司得到了一份正式的工作。这份工作不但使阿莫多瓦积攒购买了一架超八摄影机，开始拍摄一系列家庭手工式的地下电影作品，而且让他接触到西班牙众多的中产阶级家庭，正是他们的悲伤和快乐，为阿莫多瓦日后的创作提供了大量宝贵的素材和灵感。阿莫多瓦在国家电话公司整整工作了12年，在这12年中，他形成了自己独特而固定的生活模式。白天为众多客户工作服务，融入普通百姓的生活，而在晚上和休息日，他就开始了多彩的创作生活。除了写作拍摄超八厘米短片外，阿莫多瓦还为地下刊物创作小说和漫画，参加业余剧团的演出，甚至还组织了一支戏谑模仿他人作品的朋克乐队。
我心目中的电影百周年(zt)
 波兰导演K.扎努西（Krzysztof Zanussi） 在漫长的艺术史上,百周年是个微不足道的纪念日。 我想,当初大概没有人纪念过用芦笛吹出的第一支旋律的百周年、刻在岩洞石壁上的第一批岩画的百周年或在篝火旁讲出的第一部史诗的百周年。 活动电影的诞生有一个百年前的精确的日期。电影的基础是一个纯机械学的发明:一个能产生照片活动起来的幻觉的机器。 九位古老的缪斯所庇护的那些艺术,没有哪一种是因为有了一种工具或一项发明才出现的,因而从电影诞生的那一刻起,人们就怀疑它究竟是不是艺术。这种怀疑还不仅是因为它同机器有着可疑的联系。这位百年寿星的家世也是同样令人生疑的。 电影是在集市上成长起来的,它天生就是平民百姓的东西。当其他艺术在高贵的沙龙里登堂入室的时候,它却在平民百姓中间扎下了根。所以也不能拿它同其他民间艺术、民俗文化的形态相比拟,那些民间艺术、民俗文化只不过是对过去遥远时代的回忆。我们满怀激动地发掘出一些优美的民歌,但这是在已经有了莫扎特和贝多芬的宏伟作品的情况下发生的。电影是在上个世纪末来到人间的,这是一个空前重视艺术、把艺术当成人类骄傲的旗帜的世纪。艺术家从未像在19世纪那样得到那么崇高的尊敬,艺术从未像在19世纪那样成为表明人类进步和人的充分发展的骄傲。在世纪末精神感染下的欧洲社会精英的心目中,一切当代艺术的综合应该是歌剧和它那雄伟壮观的歌剧院(还有火车站),它们才是蒸汽和电气时代的神圣殿堂。同歌剧(以及铁路)相比,电影的诞生在当时人们心目中是出了一个发育不全的低能儿。今天,当又一个世纪即将结束时,我们却可发现,在集市上降生的电影从其存在的初始就预示了这个世纪中那些巨大的社会变革,其转折性的意义我们直到今天才开始领悟。 |
电影大师的黄金十二宫（zt)
让我们缅怀那些曾经对电影艺术作出巨大贡献的艺术家们，没有他们，也许电影至今还不能成为艺术。他们的作品都曾经影响过一代人，而且必将继续影响将来的艺术革命者。他们的代表作都在有史以来最伟大的十几部电影之列，并且其艺术价值很可能已经空前绝后。
电影艺术的革新，也许可以比喻作圣战，这十二位大师也许就可以比喻成十二位黄金圣斗士（具体内容请参见《女神的圣斗士》），逝去的大师当然还有很多，这里只是起到抛砖引玉的作用，希望能引起大家对于曾经的那些伟大英雄的怀念！（黄小绿）
白羊座 让·雷诺阿JeanRenoir（法国，1894-1979） 
柔和而深沉，现实而又不乏诗意。雷诺阿的电影仿佛继承了他的父亲，印象派大师奥古斯特·雷诺阿的绘画风格，总是那么柔软，就像是“触摸皮肤的感觉”，然而你却很难相信，现实的悲怆居然是通过这种方式表达出来的。他“出招”时，好似一阵微风吹来，拂过你的脸面，却让你感慨万千。你欲上前揭开他的面纱，却好似遇到了一堵透明的“水晶墙”，剪不断，理还乱，也许这就是人世不可捉摸的无奈……
日本电影的变态与唯美（部分）(zt)
本网志题目自拟，文章内容为转，原作者不详。
日本文化的双重性使无数的叹息、眼泪、血液、死亡成为他们电影的主要内容，让日本电影生长出一种病态的忧郁和凄厉。
恐惧----日本与世隔绝的地理环境，自然资源的匮乏，加上频繁的灾害，在漫长的时间里慢慢地雕塑着日本人的气质。日本人将国旗上的红心称为“日本丸”，丸也就是小的意思，这是一种强烈的危机意识，这也是一种恐惧。 
那个女子莫名其妙的就患上了一种名叫强迫性紧缚症的病，她不停的用绳子绑住周围的一切，不停的绑不停的绑，从书到剪刀，从乌龟到苹果，后来是整个家整个自己。记得最清楚也是最震撼的是当她的爱人回来时发现家里的一切都被密密麻麻的用绳子捆绑着，然后他走近她，问她怎么会这样？她拿出他们的照片说我绑住了我们的爱！天哪，她终于说了，她确实害怕的，甚至是一种恐惧。她一直担心两个人的爱情会慢慢的疏离，影片里的几个细节表现了这种不安。这是一个将爱情看作全部的女人，她整个的依赖在男人的身上。男人是一个作家，当他写作的时候，她在旁边编织。她不说话只是不经意的问他你好了吗？回答都是没有，于是她继续不说话，可是我知道她的心里已经有了失望和不安。
影片的最后男人下定决心要治好女人的病，他亲自为她捆绑缠绕。把她整个纠缠在密密麻麻的绳子中，而女人一直重复着说牢牢地绑吧，这样的情境真的很不可思议。她要安全和被束缚的感觉，于是他甘心为她这样做了。出人意料的是第二天当他醒来时却发现自己整个被缚而女子已不知去向，并且再也没有回来，影片就此结束。
当断世间五种辛菜——摘自《大佛顶首楞严经
发布：miaofa 媒体：生死书转载般若文海 作者：宣化上人 |
阿难。一切众生。食甘故生。食毒故死。是诸众生求三摩提。当断世间五种辛菜。是五种辛。熟食发淫。生啖增恚。
阿难，一切众生，食甘淡有益的东西便能生存，食有毒的东西就会死亡。因此所有求修正定的人，当断绝吃世间五种辛菜：葱、蒜、韭、薤和兴渠（即洋葱）。这五种辛辣的东西，虽然无毒，但熟食能助长淫欲，生食易动肝火，助长嗔恚。嗔是嗔怒，恚是心中忿恨。
如是世界食辛之人。纵能宣说十二部经。十方天仙。嫌其臭秽。咸皆远离。诸饿鬼等。因彼食次。舐其唇吻。常与鬼住。福德日销。长无利益。
所以世间吃五辛的人，纵然能通晓十二部经，说得天花乱坠，但是十方天仙都嫌他的口气臭秽，因此远远离开他，可是饿鬼却在吃了五辛之后，暗中舐他的口唇。既然常和鬼魅打交道，福德就逐日消失，永无利益了。 |
记恋冬妮娅（刘小枫）
二十多年前的初夏，我恋上了冬妮娅。那一年，“文化大革命”早已取得了决定性的胜利，但革命没有完，正向纵深发展。
恋上冬妮娅之前，我认识冬妮娅已近十年。《钢铁是怎样炼成的》是我高小时读的第一本小说。一九六五年的冬天，重庆的天气格外荒凉、沉闷，每年都躲不掉的冬雨，先是悄无声息的下着，不知不觉变成了令人忐忑不安的料峭寒雨。
Ξ℡橙色跳蚤