电影是一片失效的安眠药

上两部我给十分的作品是peter weir的《无畏》和anders thomos jensen的《亚当的苹果》。前者手法不能说是完美，但十分震憾我，并且许多画面和段落对我有特殊的含义；后一部作品是丹麦天才青年编导anders thomos jensen的神思之作，故事精巧，表演精彩，充满黑色幽默和发人省思的力量。因这些原因，两部作品我都给了满分。今天又碰到一部作品，同样让我惊奇。

《阿基米德后宫的茶》，一部充满迷人才华的社会写实作品，即使放在今天的电影制作水平上，也仍是一部不让之作。影片当年获得戛纳青年评审团法国电影、恺撒最佳处女作、让·维果最佳长片三项大奖和一项演员表演奖提名，你就可以想像它的水准。影片对节奏的精湛而看似散漫随意的处理让我想起了Mathieu Kassovitz的那部一鸣惊人之作《怒火青春》，同样也是充满了大量生活感和游荡性的镜头运动，而其对所对焦的那个法国阿裔人特殊群体的社会现实生存境遇的关怀，也许比Kassovitz那部更多地关注了青年人无因反叛情绪的激愤作品更为内省、沉静和引人省思。关键的是，影片除了优秀的镜头语言外，还有更高的情感力量。整个作品全部是由小事件组织而成，整体结构非常地去戏剧化。我甚至还觉得那些一件一件由几个无所事事的年青人所经历的生活碎片，就曾在我的实际生活中似曾相识地发生过，不过是换了一种文化社会背景而已。如片中一位主人公的母亲在一个小隔间里忧愁地向安拉祷告，被自己没有出息的儿子无言而无奈地伤透了心。这种朴素而有点土著滑稽味道的信仰形式，我自己就曾亲眼见我奶奶作过，不过不同之处在于，她没有为了什么愁事而处于那样一种触动人心的“静默的痛心”而已，只是日常的虔敬活动。这种细节刻画传达出的是一种亲切入微的生活-电影感受，让人在这些情节、画面前省思，感受到电影对日常生活氛围的表现力量。带着一种流畅、优美的剪辑与运镜节奏，影片便是以这种电影方式对欲反映的社会现实问题的关怀达到了极致。

这是一部关于“一个知道一个女人的秘密的男人和那个女人之间的关系”的影片。他们的见面是偶然的，但在被导演拿来表现的这个时空上却是永恒的。在内容上，影片与bunuel67年的那部《白人美人》有某种呼应，但探讨和发掘的却是新主题。对于一部同时把两位20世界伟大的导演联系起来的作品，从它际所能产生出的意义来说，说它是一种致敬和玩味，似乎还不如说是戏谑；因为只有交锋的对抗才能让它们的相遇显得不那么乏味和造作。oliveila在影片中很明显地使用了一些戏谑的笔调，对于bunuel所热衷的潜意识和SM等畸性心理表现出了一种古怪和乖张的调侃。当男主角在酒店里和那个服务生谈论着他那套听来极具有自我矛盾性的理论时，就已经变成了一种对欲望的可能的阐释，而不是准确的事实陈述了。

令人惊喜的一部片子。混合着新现实主义的场景和优雅的喜剧电影风格，又带有浪漫的气息。故事发生在战后的罗马，讲述三个生活失意者一夜相遇的潇洒友谊（还有一部分迷人的爱情）的故事。影片通过一个圆满的结尾和略带讽刺感的人物与剧情设计，避免了对时代环境的直面批判。事实上，影片的故事更像是发生在一个浪漫之都的“乖僻喜剧”爱情故事，有写意的底层意味，但骨子里是非常浪漫的。这种削弱物质现实残酷感的设计可能在战后新现实主义运动发轫之际未必得到全力欣赏，毕竟战前发达的意大利影业有过这种骨子里包含优雅的电影太丰富，但多年后可能会发现，这或是一部比当年许多新现实主义电影更为高妙和具有永恒观赏价值的迷人电影。其显见的拍摄手法诙谐自如，构图富于层次，步调适意，充满丰富情节，每个场景皆设计巧妙等，所有些特点都使它远远超过了时代的沮丧情绪和电影运动的发展目的。影片中新现实主义运动重要导演之一Vittorio De Sica有出镜；影片出品于1946年，就在上一年，新现实主义运动的另一重要导演Roberto Rossellini的《罗马，不设防的城市》问世，标志着新现实主义的诞生；女主角Valentina Cortese的魅力不减好莱坞黄金时代的女明星。

第一段是讲一对小夫妻在拮据的生活中奔波劳碌，虽偶有一刻半会的斗嘴别扭，但彼此相爱，日子过得忙碌而甜蜜，是Mario Monicelli的手笔。

第二段出自fellini，是四段中最赶时髦的，风格仍然是我们常熟习的幻觉、超现实、荒诞主义，讽刺了一位禁欲主义的卫道士dottor Antonio被Anita Ekberg这位著名的波霸扮演的广告女郎弄得神志紊乱，道行修行毁于一旦的故事。影片本身已没什么意义，因为它寓言式的手法过于显眼了，我们懒得从中去汲取什么深刻的大道理了，况且，这种作品我们的确也见多了。倒是Anita Ekberg的那一身缀满珠光的低胸晚礼服配上她那一对硕大的巨波，再搭配着一头纯净的金发，在夜色中显得熠熠诱人；fellini继《甜蜜的生活》之后再次大大在现场眼福了一把。

一出用街头女郎来进行美人计的荒唐闹剧，牵出了一大砣偷鸡摸狗的笑料。影片对白（台词、说话、表情等连串表演动作）有意大利地方味的絮叨幽默。也许这种喜剧片的风格已经不可现了（它常要求观者有童稚般的耐心），不过看起来仍是那么妙趣横生，既怀旧又轻松。

可能现在已经没有人怀疑精神分析的科学性了，它已经成为了一门严格的专业，而在十九世纪末二十世纪初的时候，它还仅是一门浪漫的学科的雏形，医生们拿它作为名义上治疗精神病症实质上对人的心灵进行窥探猜谜的工具，就像冒险的雪橇，以此滑向一个未知的秘密世界。那也是一种哲学，哲学的另一种更为专门和具象的形式，带着巨大的暧昧。那是一个时代的风情，在人们还没意识到它最终将成为一种迫加于生物学的身体之外的强制需要时。与此同时，就如艺术的出现，魑魅也出现了，意识将不再能自我控制，它越来趋向它机能的极限，一刻不停地奔跑在旷野上，让想像的心理之病成为它必须的营养。所以，可以那么说，精神分析不过就像安眠药，它的出现只是证明了：一个人一旦用了它，也就更加依赖于它，一刻也离不开它了。尼采之病又何尝不是如此。

在很久以前，男人打这件事的合理性我是不敢想像的。那时想，多害羞的一件事啊，可是后来看电影看的多了才发现，唉，才多大事啊，世界人民早都就不当回事了，我还大惊小怪的干什么呢，太落后了吧。于是，思想上便急起直追迎头赶上，终于也不当回事了。我想这可能就是人类的悲剧吧，不可说不再值得说，禁忌不再禁忌，文明让一切肆无忌惮。

这种感触对于这部电影来说可能太大了，况且它也不是旨在去触犯什么禁忌的--虽然擦边，它只是讲了一个问题话题，但主要要表达的的还是一种人间的温情，一种心灵美可以抵得上一切外表行为的价值认知。而人们通常在这样的故事面前，都很无力，很很容易失去情感的克制，于是便会出现一边倒的情形。听说这部片在国际上所获得的感动所向披靡，所以夸赞的多余话，我就不多说了，就只说说影片的主题所反映出来的价值可辩性。影片没有别的，就是找到了一个好故事，好剧本，用电影这种通俗直观的方式将它讲了出来。演员的表演较为真挚，煽情也并未太过火。故事的矛盾主要集中在了亲情与性的伦理道德尴尬相对这一点上。从可以启齿的层面上讲，这也是本片给出的问题与思考中唯一可以谈论一下的。

趋着VERYCD又有人放赛尔乔·昂莱内的这个著名的三部曲之机，终于把它一气看完了。果然是经典。以前，其实并没有注意过埃内奥·莫里康内这位大擘，直到79届（？应该没记错吧）他得了终身成就奖--典礼上还放了一个回顾他生平代表作品的短片--才去有意地找了一些他的作品来听，果然是与众不同。在镖客三部曲中，清脆辽远的几声哨音，就把苍凉荒蛮的西部给描画出来了，那种乐器模拟出的“ta! ta!”的马鞭声特别地慰贴人耳，他知道什么节奏和旋律能直接作用于人的感官，是个了不起的很有特点的配乐家。三部曲的配乐个人觉得以第一部水准最棒，后两部基本上承袭了这种风格，当然这也是三部曲作为一个断续的系列性作品所要求的。可以说，是莫里康内帮助昂莱内成就了准大师的地位（后面的作品同样是由他配的乐）。三部曲经典有多种原因，比如昂莱内很注意摄影，场景，氛围，人物活动动作的徐疾节奏，台词，冲突等，但主要的还是塑造了三四个，四五个性格鲜明的人物形象。一般来说，这也是经典老电影的一个标度，电影的最高境界是好看，精彩，其它的一切技术细节都掩藏在故事背后。这三部曲塑造的三个主角人物形象，可谓是到了跃然而出的鲜活程度了。演技也都相当好（是那种黄金时代的电影中注重人物性格刻画、塑造的戏剧式表演方法），他们都很会领会导演要求的那种寓紧张、爆发于短暂沉默中的演绎方式。