罗南精神食粮

重回MTIME，嘿嘿！

罗南 — Wed, 23 Jan 2008 10:26:00 GMT

算得上是MTIME第一批的注册会员吧，当初把这里当成了唯一的家，除了电影文字还书写一些小小的，简短的心情日志。可随着坛子的壮大，系统的更新，不适应新环境的我选择了离开，差不多也有1年多的时间了。现在选择回来，继续更新我的电影文字，请大家有空来坐坐，多来参观噢，卡卡

400万年后，暴戾依旧

罗南 — Mon, 13 Nov 2006 08:51:10 GMT

1999年，斯坦利·库布里克在英格兰的赫特福德郡与世长辞，享年71岁。无数影迷为之伤痛欲绝，书写了众多纪念性质的文章。随着时间的流逝，斯坦利·库布里克的尊容会慢慢被人遗忘，直至消失无踪。但影像可以永久保存，可以让人记起这位曾经的电影大师，一位被誉为二战之后最伟大的电影大师。

周末两天的观影中，我是带着疯狂似的崇拜心境欣赏了大师早期最为著名的《探索未来三部曲》。总体感觉来说，我并没有掌握斯坦利·库布里克全部的哲学理念，只能在表皮层次上做一个细小且毫无意义的文章。《奇爱博士》（1964）、《2001：太空漫游》（1968）、《发条橙》（1971）。

“美苏争霸”向来是历史课本上经久不衰的必修内容之一。上世纪50年代中期至60年代初期是“美苏争霸”的第一阶段。美国的经济势力强于苏联且军事力量为世界之首，影响力毋庸置疑。1963年，美苏两国洲际导弹的数量分别为424枚与100枚，潜射导弹分别为224枚与100枚。单看核弹数量，苏联还是较为渺小的，可斯坦利·库布里克不那么认为，他的直觉是在接下来的日子里苏联会调入大量资金来发展军事力量，在某一个特定时期苏联将于美国平起平坐。其大胆设想在1964年的《奇爱博士》中开始体现，电影中美国自卫性质的R计划万分强势，核弹的攻击威力足已把苏联的军事基地全部摧毁，可想不到的是苏联的自动核爆装置愈加可怕，竟能把地球上的所有陆地摧毁。放在后来的现实上来，斯坦利·库布里克的电影预言颇为准确。60年代后期至70年代末，在“美苏争霸”的第二阶段中，苏联处于攻势，美国转攻为守，争霸优势在苏联方面。苏联的经济发展与美国的差距逐渐缩小，积极发展军事力量，不仅建成一支能对美国造成威胁的远洋海军，还使它的洲际导弹数量多于美国。这惊人的历史相似度，令人不得不敬佩斯坦利·库布里克思想的前瞻性。

关于预言，大师在《2001：太空漫游》中有着更多的影像证明。1968年，镜头里的演员登陆月球。1969年，美国国家航天员真的登上了月球，还插上了星条旗帜。另外影像里的芯片电话卡、超级电脑、空间站等在今天全部实现。

预言性代表了斯坦利·库布里克具有后现代主义的思想风暴。纵观这三部作品，演员的着装打扮，场景的精致设计按照21世纪人类的审美观念来看，一点都不落伍。譬如《发条橙》中的男演员阿历克斯，长长的睫毛，白色紧身套装，黑色手杖，内裤外穿的造型明显与当时的风潮不符合（除却头发的样式）。可放在今天来说，这个造型依旧冲击力十足，依旧属于弄潮儿。场景道具设计如《2001：太空漫游》里的太空舱大厅，奇特的红色座椅，营养丰富的液体食品，给观众留下了深刻的烙印。

以上的电影预言与精巧的电影美工并不是本文想要具体阐述的，斯坦立·库布里克的“暴戾”电影元素才是这位大师的精神源泉（由于笔者不了解哲学史诗问题，因而忽略了关于这点的叙述）。

《奇爱博士》的结尾阶段，苏联核弹全线爆炸，硕大的蘑菇云煞是雄壮。《2001：太空漫游》里，类人猿在黑石的引导下，学会了用长长的骨头来厮打其他的动物。更为明显的是《发条橙》，几乎通篇都是暴戾因素的凝聚。查看了斯坦立·库布里克的个人资料，此人在幼小年代表现极差，多次转学后依旧我行我素。暴戾根基应是在那个时候慢慢地累积起来的，进入成年期后，他把这股暴戾蕴含在了电影胶片里。

美苏争霸其实就是暴戾的真实写照。歇斯底里的空军将军私自开启了灭绝人寰的R计划，活动不自在的博士控制不了纳粹手势，带着胜利者微笑的机长骑着核弹坠下B-52轰炸机。此刻暴戾充斥了整个《奇爱博士》，把当时的美国政府推上了批判的砍头台。胶片里那个作战方案的圆桌就是罪恶的发源地，令人深思。当然我不能确定斯坦利·库布里克是不是反战人士，但在其影像中的表现来看，他算得上是个和平爱好者，在80年代的《全金属外壳》更可见一斑。《2001：太空漫游》的暴戾就隐晦了许多，大师把哲学理念放在了电影里，直接超级暴戾场面除了类人猿的敲打之外就没有了。可平淡似的暴戾依旧存在，飞船的中枢神经超级电脑“哈尔—9000”为了不让宇航员把其小错误记录在案，杀害了四个宇航员其中包括正在冬眠状态下的人。而第五个宇航员大卫（仅存的生还者）与电脑的搏斗更是“此时无声胜有声”，大卫任凭电脑苦苦哀求，喘着粗气依次把电脑线路条条切断。冷面无情，毫不顾及着实就是斯坦立·库布里克的心境诠释。

到了1971年的《发条橙》，暴戾变得赤裸裸了，不再需要其他物质的映衬。阿历克斯就是斯坦立·库布里克的发泄工具。镜头中的男演员性格怪癖，对现实生活全盘否定，打人不留情面，杀人也是不眨一眼，异常恐怖。但更为恐怖的是当阿历克斯重塑人生，变成好人的时候，大师又把残暴一面重新展现，只是这次的施暴者与受害者倒了个，血腥、呕吐。

从表层意思来说“暴戾”就是凶残，令人发指。但进入深层次来讨论“暴戾”会更加地引人入胜。《奇爱博士》里，美国总统采取的伎俩和苏联总理实施的“全面核战”，非常恐怖，这个恐怖已不是一群人的灾难，而是整个地球人的祸害。联系到目前的反恐战争来看也是如此，美国毫不顾及他国人民的意愿，强制攻击伊拉克，或许以后还有朝鲜和伊朗。按眼前的情况来看，美国是为了世界和平而战斗的，可殊不知受害人民是伟大的，爱国的人民是无敌的，美国以后会陷入无休止的战争状态，就似《奇爱博士》里的“核战氛围”。这股暴戾已升华到国家的范畴，比起个人单纯的暴戾可怕了许多倍。

《2001：太空漫游》的深处暴戾则是叹为观止。斯坦立·库布里克把“暴戾”注入到了地球人与外星人的身上。谁暴戾谁就是王者！由于电影晦涩，难以表象。可那块黑色巨石就是佐证！黑石在影片中出现了三次。第一次出现，黑石让类人猿学会了杀戮，让其在食物链中占据主导地位。第二次出现，引导地球科学家把科技目标放在了木星新生命上。最后一次出现，星孩（即外星人）替代了地球人，成为了宇宙的主宰。

“黑石”是个十恶无赦的载体，尖锐的叫鸣声使人头皮发麻，暴戾因素充满了石头的每寸肌肤。它让世界有了争斗，它让世界改朝换代，甚至它可以让每个宇宙生物统统死亡。“暴戾”超出了形象意化，把斯坦立·库布里克后现代哲学理念展现地淋漓尽致，可由于太过深奥，没能研究透彻。

《发条橙》的内在“暴戾”就是国家政府了，直接场景地便是监狱。理因，监狱是改造犯人的场所，可影像中的“监狱”简直就是折磨囚犯的地狱。阿历克斯在里面没有任何的变好趋势，“伪装”功夫倒是愈来愈炉火纯青。部长为了腾出“牢笼”，给犯人进行了残酷的“影像实验”。在胶片的转换中，犯人的承受力遭到了致命性的打击，把整个人的性格全部瓦解，变成了没有主观思想的木偶。政府的“暴戾”因素陡升，让观众知晓了国家机器的罪恶程度。结尾阶段，痊愈的阿历克斯与假惺惺的部长在鲜花堆里的镁光灯照耀场面，就显得讽刺味道浓厚了。

《探索未来三部曲》在影坛的地位是具有里程碑性质的，斯坦利·库布里克的电影语言精彩纷呈，譬如视觉效果（尤其是《2001：太空漫游》），配乐功底（交响乐气势磅礴），哲学理念高深莫测等等，把观众带进了一个神奇的异次元空间。由于笔者笨拙，在短时间里消化不了更多的电影符号，因而只把“暴戾”作为了文章的中心叙述点。最后用斯坦利·库布里克自己的言语来结束本文。

“银幕是一个如此神奇的媒介，它能在传达情绪与感情的同时仍然饶有趣味。我想这是任何其他形式的艺术所无法企及的。”——斯坦利·库布里克，1970

一个丹麦疯子的“非典”生活

罗南 — Fri, 03 Nov 2006 15:49:30 GMT

拉斯冯提尔，丹麦最为恐怖的电影青年。大学期间就已开始创造怪异影像，曾凭借《影像多面体》荣获慕尼克影展奖项。毕业后，倾尽全力把才华播撒于电影拍摄之中。1984年，其毕业后的第一年，独立创作完成影史上最为冷异的犯罪电影《犯罪份子》，攫取了当年戛纳电影界技术成果奖，曼海姆电影节大奖。这是对一个青年导演最好的褒扬，也是对拉斯冯提尔电影技术的肯定。纵观其早期三部长片作品《犯罪份子》（1984）、《瘟疫》（1987）、《欧洲特快车》（1991）均是悲剧气氛浓厚，政治宗教炙烈，拍摄技巧超乎寻常。

至今，拉斯冯提尔超品位的独立依旧使人着迷，更是许多文艺青年梦寐以求所渴望得到的境界。95年春天，拉斯冯提尔在哥本哈根提出了惊人的Dogma95，霎那间他仿佛成为了世界电影新浪潮的领头羊。只可惜Dogma95戒律太过苛刻，抛离了电影是艺术加工品的本意，因为过于现实化的影像只能存在于纪录片中。而87年的《瘟疫》就是Dogma95的前兆，此后《欧洲特快车》的叠影效果放弃了电脑合成，转而用非常复杂的重复拍摄，这个阶段是Dogma95的酝酿，为95年新理论的提出埋下了种子。现着重笔墨对其早期三个重要长片进行评述。

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《犯罪份子》一经问世，许多人为之诧异，包括苛刻的影评人。因为在拉斯冯提尔之前，鲜有人，或者说根本没有人这样对待图像，用行内人的言语来说：挑战商业电影达到了极限。电影单色光的打法绝无仅有，抑郁的黄色压迫感十足，而且不停歇，贯穿整篇。如果不打光，直接用滤镜便会简单许多，譬如《蓝》中的蓝光。可拉斯冯提尔不愿意用额外物来使电影拍摄简化，坚持用打光的方式。这样一来，拍摄难度极大，而且百分之九十的胶片都要在黑夜中成像。“疯子”的所作所为带来的结果是影像真实出色，富有冲击力度。

《犯罪份子》的剧情也是独特的，而且涉及的话题是小女孩连环谋杀案。拉斯冯提尔不怕触碰丹麦的道德观，执意把凶杀暴力展现于影迷的视网膜上。费舍是个胸怀大志的侦探，对于破获这起凶杀案很有信心，追随着导师奥斯本著作《犯罪元素》的方向，反而误入崎岖走进了罪犯精心设计的泥潭。初次观摩本片的观众，必定理解不了剧情，仿似雾里看花。因为阻碍的因素颇多，如奇怪的道具（破旧的降落伞、被解剖的牛羊），奇怪的催眠术，奇怪的蹦极者。可经过多次欣赏后，会发觉到拉斯冯提尔的精髓之处，几乎所有的奇怪之处，都为影片的结尾震撼点起到了质变的累积。

影片拍摄场景艰难，在一场下水道的戏里，弥漫着肮脏的臭味，遍地都是污秽之物。拍摄之前，工作人员甚至需要用检测设备来检测下水道的空气是否令人窒息。在极端真实的环境下，出来的效果非常好，只是难为了演员与工作人员们。这应该是拉斯冯提尔Dogma95理论的前期孕育，即第一条：必须实地（景）拍摄，不可另外搭景或加道具。如果道具为必需品的话，选景时就必须找一处有该道具出现的地点。

拉斯冯提尔对于暴露镜头毫不掩饰，这是其“疯子”表现的另一条途径。在《犯罪份子》中，女演员几乎可以说是倾力演绎，为了艺术奉献了自己全部的躯体轮廓，包括极为敏感的部位，时间虽不多，可在84年的丹麦引起了轩然大波。不拘一格的拉斯冯提尔我行我素，行为“蛮横”！

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过了三年，《犯罪份子》的光芒已经黯淡，人们似乎忘记了这个恐怖青年的存在。而拉斯冯提尔却成功的在丹麦筹集到了100万丹麦货币来拍摄不可能拍摄完成的电影《瘟疫》。100万的丹麦货币是个非常非常小的数字，投资人甚至不相信有人能够把这笔钱转换成一部100分钟的电影。可是拉斯冯提尔却勉强做到了，他多花了6万用106万完成了16mm胶片的《瘟疫》。为了节省费用，他自己担当男主角，表演算是本色演绎，有些平淡，编剧由他自己和其好友共同完成。电影讲述的是一个医生冒着生命危险，排除万难来到“瘟疫之城”，只求为患者解脱痛楚。但殊不知他的出现反而带来了更大的“瘟疫”，最后医生跪倒在地上，祈求神的怜悯。本片全部是黑白色调，回到了极简的方向。叙事框架用了报幕式，即用“周一、周二、周三”等字幕，一目了然。只是一些情节令人不解，譬如影片起初黑人司机的大笑。当看完最后一个震惊世界的镜头后，才隐约发觉到司机的大笑只是一个对照镜头。现在来说影片最后女孩嘶吼的情节，这个情节把《瘟疫》带到了高潮，也把观众吓得魂飞魄散。女孩的嘶吼持续了数分钟，是歇斯底里，是惨绝人寰的。吼声的最后，女孩的脖子出现了“瘟疫”水疱，越来越大，直至爆裂，“疯子”拉斯冯提尔恐怖情结可见一斑。还有一个镜头是医生取下病人颈部毒瘤的画面，手术刀一划开，皮下组织便出现了，取瘤子的全过程万分胆寒。

《瘟疫》的问世没有引起观众的兴趣，甚至被人认为是拉斯冯提尔较差的作品之一，可《瘟疫》的作用在于它的拍摄手法接近了Dogma95的规则，或者说就是雏形，也是拉斯冯提尔自我剖析的最佳范例。

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时过境迁，90年代的拉斯冯提尔的经济状况改善，拍摄资金也较为充足。因而91年出来的《欧洲特快车》就比前面的作品精良了许多，制作上也愈加复杂多样。本片是拉斯冯提尔奠定影坛地位的代表作，奇特炫技的迷宫式使人醉生梦死。电影剧情非常明白，或许是丹麦疯子终于考虑到观众因素了。电影讲的是一个美国青年充满了理想，二战后来到德国开始铁路工作，但事与愿违，最后的他却炸毁了火车，让无数生命毁于一旦。

题材的尖锐性已是拉斯冯提尔的专利了。“德国、纳粹”等敏感词语出现在90年代初期的东欧是有恐怖性质的，况且当时德国颇为动乱，东德西德即将合并。影片的外景拍摄地选择了波兰，这时亮出关于“纳粹”的东西来，肯定让波兰人受不了，但拉斯冯提尔却毫无顾虑，坚持不懈地拍摄着他一个个的镜头。

这些镜头富含着导演的智慧精华，这里要提出“叠影”技巧。“叠影”毋庸置疑就是把2个或2个以上的镜头叠加起来，起到合并的作用。在《欧洲特快车》的表现就是黑白镜头与彩色镜头的叠加，这是非常非常困难的！拉斯冯提尔首先要拍摄没有主角的外景画面，然后在摄影棚拍摄主角们的画面，最后合并。单纯的两画面叠加出现在男演员凯斯勒拉列车“疾停把手”的时候，这时“把手”是红色的，演员是黑白色的，明显地被区分了开来。而多画面的叠加愈加困难了，因为人物找位置的难度系数增加，影片最多时候的叠加达到了7次。

其实按照目前电影拍摄方式来看，完全可用电脑特效技术来处理，简单且减少导演的精力，但对已有Dogma95雏形的拉斯冯提尔来说是荒谬的，电影不是处理艺术，而是一门技巧艺术。在他天才似的思想簇拥下，《欧洲特快车》成为了经典。

此三部作品被归类为《催眠•欧洲三部曲》，是拉斯冯提尔早期最为重要的电影。这三个片子的内容，全部涉及了主角人物由激情到谬误的发展阶段，还有三部曲中都有“催眠术”，也许那个时候，拉斯冯提尔发觉催眠是个有趣的东西，容易令人丧失原来的思维，因而在主角人物的性情转变中获得了印证。

1995年春，拉斯冯提尔与其同行们终于提出了Dogma95（逗马），在影坛引起了新浪潮，理论归纳了十大戒条：
1、必须实地（景）拍摄，不可另外搭景或加道具。如果道具为必需品的话，选景时就必须找一处有该道具出现的地点；
2、不可在影像之外加进额外的音响效果（也不允许加入配乐，除非该音乐在拍摄时同步播放）；
3、必须采用手提摄影的方法；
4、必须采用彩色的画面。不可制造特殊灯光效果。如现场太暗曝光不足，可在摄影机上加上 “机顶灯”；
5、不可使用任何滤镜；
6、不可有表面化处理的场面如谋杀等；
7、故事必须发生在现代的环境；
8、不可拍类型电影；
9、电影制式必须为35mm；
10、导演名字不可在片首和片尾字幕（制作名单）中出现。

只可惜Dogma95出品的电影票房都以惨败而告终，但拉斯冯提尔没有死，后期作品《白痴》、《在黑暗中漫舞》、《破浪而出》等均是出色作品，精彩仍在继续。

《放逐》走在“十字街口”的杜琪峰

罗南 — Wed, 25 Oct 2006 13:29:09 GMT

《银河映像，难以想象》这个书的名字虽有点狂妄，可产出的电影的确与众不同，令人眼前一亮。杜琪峰作为银河映像最大的老板之一，每年都有精彩的表现。新片《放逐》延续了《黑社会》的故事范畴，套用了《枪火》原班人马，配乐与《PTU》非常默契，摄影依旧沉稳地令人害怕。《放逐》把杜琪峰的综合水平提升到了最大限度，难以想像抽着雪茄的他以后如何跨越这座山峰。

《PTU》的故事只用几个小时，《暗花》长了些用了一天，而这次《放逐》的时间也较短，也是一天，短时间的故事剧本越来越成为银河影像黑色电影的规律之一。依我看来，短时间的剧本可以使故事紧凑，无需节外生枝的剧情加以刻画，而且使编剧的工作量降低，甚至可以做到在片场直接撰写当天需要拍摄的电影文字。这是杜琪峰的特色，可是如此简单的编剧工作也存在弊病，譬如今天拍摄的片断没有涉及明天想要拍摄的内容，会使伏笔匮乏，前后交叉没有细节介绍。《PTU》就有这个毛病，衔接就不是太好。新片《放逐》的前后衔接还行，至少挺紧凑的，无明显脱节现象，除却前后两段奇怪的黑屏字幕。

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银河映像的黑色电影第二个特征是暴力性质较浓，《暗花》里的锉指甲，用酒瓶砸手背；《PTU》中警察用叫脚踢罪犯的肚子，扇小混混的嘴巴子均惨不忍睹。内地引进版本的《放逐》删掉了些残酷镜头，可剩余的镜头依旧恐怖。最难受的要数中枪后取弹壳、缝线的镜头。血淋淋的场面直叫人反胃，感觉极不舒畅。可恐怖归恐怖，我们依然想看到电影的全过程，希望法二或港三出完整版本让影迷们过足瘾。

枪战几乎成了杜琪峰招牌的场景内容，先前的《枪火》已让我们领教了别有意蕴的另类枪战，这次《放逐》枪战愈加氛围十足，手术室枪战与最后的酒店枪战设计最为新颖。在杜琪峰的影像里，杀手们的枪法都非常精确，举枪稳当，没有左晃右晃夸张的表现动作，镜头也恰好因势利导，显得特别沉稳，呈现出杜琪峰自信满满的样子。在手术室的枪战中，任达华饰演的大飞哥一边疗伤一边拔枪怒射，非常有趣，这是关云长吗？而处理酒店的枪战就更加精彩了，镜头转换速度飞快，甚至把每个人中弹后的情景都拍摄了下来，彰显暴力美学之魅力。而第一场在阿和家中的枪战就有点模仿《暗花》最后一个枪战场景的味道，对着镜头射击，然后发现敌人在你的身后等等。总之《放逐》的枪战超越了其前期各类的黑色电影，且带有明显的西部片味道。试想下，杜琪峰在这座高峰上，如何再去超越？或许这是对《放逐》最高的评价了。

黑色类银河映像电影，选取的演员都特别令人振奋。黄秋生，张耀扬，吴镇宇，林雪，林家栋，任达华等男人味十足，也正因为有这些人的饰演，许多人把此类黑色电影定性为男人电影。《暗花》、《暗战》、《PTU》、《枪火》等全是反映大男子主义的，看后使男观众热血沸腾，激情澎湃。《放逐》虽存在另外其他两位不是特“男人”的演员，张家辉与任贤齐，可这两位的表现也还尚可，并不影响总体上的“男人氛围”。

《枪火》中，影迷们对踢纸团的镜头记忆深刻，此次的《放逐》也沿用了相似镜头，即四个兄弟一起踢空罐头，像一个传球接力赛，表明男人之间友谊深厚，不用言语便可知晓。《放逐》的幽默性是其他黑色电影所没有的，杜琪峰为了调节紧张的气氛，破天荒的把林雪裤子被剥的场景加了进去，说明杀手表面虽冷酷，内心却与常人一样，充满了童稚。可某些场景就有些煽情，与纯黑色格格不入，譬如张家辉与何超仪的亲情，任贤齐与四个杀手短暂的友情等。此类情节把《放逐》变软了，刚硬印象不再，稍显失败。

银河映像电影的配乐均是出色的，《放逐》同样也是如此。压抑性的音符直击观众心窝，每次枪战前酝酿的量变到了关键时候总能发生质变，精彩绝伦，酣畅淋漓。只是这次配乐与《PTU》相似，缺乏新鲜元素，但音乐依旧是好音乐。

《放逐》已把黑色电影做到极致，剧本框架非常巧妙且紧凑，人物塑造个性彪悍，语言对白愈来越少表现力却越来越强。走在十字路口的杜琪峰，看他如何突破这个高度，创造出更好的电影！

《恶棍万和铁》映画“太极拳”

罗南 — Mon, 23 Oct 2006 14:18:51 GMT

《恶棍万和铁》导演深作欣二，编剧黑泽明，主演高仓健。鼎鼎有名的人组合在一起开创了大场面，令1964年的日本影坛为之惊叹。片名貌似烦琐，其实简单明了。“万”是杂鱼万，一个土匪船头的名字，“铁”是一个热血青年“阿铁”的简称。“恶棍万和铁”说就是两个恶棍的故事，当然一个恶棍就是正义的代表，另外一个是邪恶的代表。

60年代的日本电影，善恶分明，一目了然。深作欣二作为“残暴”导演的典范在《恶棍万和铁》中并没有施展其恐怖的一面，他选择了黑泽明大师“太极拳”的一面，即好人与坏人夹杂在一起，并且叙说的时间较为平均，显得平稳有序，没有突兀感，控制力非常强。譬如阿铁与杂鱼万身边都有一个女人的存在；如有激烈的斗争，两人定会打架。争锋相对的他们把映画带入了一个“太极圈”，有松有紧，但最后的结果必是邪恶化为正义，而正义依旧光芒万丈。

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说说身边女人的方面。杂鱼万骄纵万分，对喜欢他的女人不理不睬，甚至采用捆绑的方式把女人抛弃在奔跑的马车上。但阿铁就不同了，对待爱情非常认真，帮女人家里砍木桩，累得忙头大汗却洋溢着微笑，映画就随着这两人的对比而铺展开来。每每他们打架，定会把正义力量扩充到邪恶方去。杂鱼万和阿铁第一次打架是在阿铁刚回到家的晚宴上，蛮横的杂鱼万把小刀狠狠地刺到阿铁的饭桌上，阿铁奋勇反抗，这一回应令杂鱼万感到十分惊讶，因为鲜有人不惧怕杂鱼万的淫威。这一回合阿铁胜，正义开始炫散光芒。第二次争斗是在一个周六的傍晚，杂鱼万打了阿铁，可阿铁却没有还手，笑着对杂鱼万说：今天是周六，明天是周日，很忙。一句玩笑话，明显地呈现出正义方的豁达心理，为胜利埋下了种子。第三次争斗在即将捕捞鲱鱼的时候，杂鱼万为了复仇不让九兵卫捕鱼赚钱，伺机斩断捕鱼的绳索，这时九兵卫的儿子“阿铁”大放光彩，徒手与杂鱼万大战二百回合，结果当然是阿铁胜，可喜的是杂鱼万也了解到了罪恶的痛楚，放弃了报复，映画就在一派和平中接近了尾声。

《恶棍万和铁》是个积极向上，振奋人心的影像作品。60年代的日本经济处于萌芽上升阶段，人民的生活比起50年代来稍微好些。拍一些主旋律的映画对人民的精神需求帮助巨大，因为奋发图强的镜头能够激励人民更好地工作，忘却罪恶的报复心理，以达到“双手创造富裕社会”的目标。60年代的中国更是赤裸裸，政府用强制手段把电影戏文当作是传播政治的工具。

按照21世纪的影迷眼光来看，《恶棍万和铁》依旧好看，剧情条理清晰，人物塑造颇佳，镜头也挺丰富，场景具有气氛烘托的作用。“阿铁”由日本影星高仓健担任，年轻状态下的高仓健，刚猛有力，特别豪放，典型的英雄主义的化身。如今年迈的他拍摄了张艺谋不痛不痒的《千里走单骑》，着实令其光芒掩盖。其他演员也非常好，层次分明的对白把人物分析地透彻，黑泽明编剧功夫真属一流范畴。镜头应用可圈可点，映画序幕火车行驶的过程，彰显摄影师的深厚功力，最后捕鱼的灿烂画面更把映画带到了高潮阶段，特别振奋。场景的选取注重了烘托故事发展的氛围基础，不管是暴风骤雨，还是大雪纷飞都照应了当时人物的性格变化，应用自如，游刃有余。

《恶棍万和铁》用最通俗的言语来概括就是“非常好看的一部日本早期映画”。

《一一》断章

罗南 — Sat, 21 Oct 2006 01:07:26 GMT

一．
背后是什么？无尽，空荡或是精彩。时间犹如离弦之剑，无踪息地融化在感知中。我们要喘息，要蠕动，要沉凝。背后究竟是什么，不知道，也无从知晓。幼稚可爱的简洋洋却做到了，他用相机记录了另一半世界的模样，那一半便是杨德昌所要述说的《一一》。

二．
A one and a two……不停歇地颤抖，咀嚼，流离，回味。最爱的亲人悄然逝去，那么安详，那么可善。静夜公车缓缓启动，越走越远，越走越淡，感受人生旅程的哀愁。简婷婷用眼泪述说着自己曾经的迷惘，或许她的不小心，导致了婆婆永远的梦魇。简洋洋在一个充满阳光的午后，念起了对婆婆的思恋，这是送给最爱的人最好最好的礼物。

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三．
婆婆沉睡着，背后的事情进行着。NJ用自己的心与真诚的大田谈论着曾经的初恋，曾经的理想。东京的扑克牌不是魔术师的道具，一切的成功都需一步步脚印的累积。幽怨的钢琴声响起，大田消失在泡沫经济里，NJ也看清了金钱与真心永远都不能划上等号。

四．
飘散的尘埃随风摇摆，偶尔它们会撞在一块，摩擦出小小的插曲。“小老婆”的裙子被门叩卡住，洋洋在黑暗中看到了闪电巫婆。他懵懂憧憬，学会了游泳，学会了第一次的精神放纵。我们的第一次会在青春期，早熟或者晚熟不重要，重要的是去感知生命的力量，生命的另一半颜色。

五．
“胖子”在旅馆里跑了出来。NJ也没有实现诺言，让阿瑞痛哭流涕。过激的感情反而使人思绪清晰，我们出现在洋洋的底片里，那些后脑勺体会了多少无奈的时光。

六．
现在，人长大了，成熟了。沉浸在无尽的家庭生活里，平淡逐渐转变成永恒的旋律，缺乏激情的人变得歇斯底里，变得寂寞，变得呼之欲出。“中年危机”的存在令人际关系复杂化，微妙化。小舅子与十几年的情人依旧暧昧，NJ和阿瑞在霓虹东京悄然牵手。这瞬间，连上苍都同情了男人的悲哀举止。照片上有他们吗？肯定有，在照片的背后，一片白色。

七．
秋日之光，轻柔微热散发出宁静的精髓。一连串琐事令光愈加透彻，深具感染力。洋洋的照片是前卫的，是有眼睛的，坐在荧幕前的我们无言以对，只能在嘴边哼起《Dying in the sun》的哀伤歌词。

《无名森林》假如“自由”是病态的

罗南 — Tue, 17 Oct 2006 13:31:43 GMT

尘世间，“自由”是个充满意蕴的词组。对于某些人而言，胡作非为，我行我素便是自由。其实真正的“自由”藏于深处，只有心翱翔，才会有真正的自由。只可惜地球上的人类几乎没有“自由”，受困于烦恼的工作，纷扰的家庭，惨淡的思维。《无名森林》的问世，把“什么是自由？”这个问题呈现了出来，影像由日本作家电影导演青山真治执导，著名独立人林海象提供原始剧本。印象中，青山真治的映画冷峻肃杀，林海象异色味道浓厚。2002年这两位独立人士的合作，给《无名森林》带来了愈加迷人的虚幻色彩。

电影的叙事结构采用了简单的倒叙方式。第一组镜头，昏暗的街道令人窒息，轿车上两个奇怪的男人奇怪的动作非常诡异，晦涩难懂的开场白把《无名森林》拉进了“闷骚片”的范畴。接着天终于开亮，男主角迈克清晰地出现在观众面前。迈克外表非常前卫，金边超大的黑框太阳镜，锃亮的黑色夹克，“怒发冲冠”式的发型。青山真治用演员的造型告诉我们，迈克是个所谓“自由”的人，轻松自在，不为世俗的变化而烦扰，过着“自由”的生活，在演员的对白中也表现出迈克毫不拘谨。可细心的观众会发现，迈克装束虽然轻松可是裤子较为特殊，两条裤腿之间竟有一条带子，这条带子的存在使两条腿行走不太“自由”。青山真治套用了“拳皇”中“八神庵”的造型，表意非常明显，即再“自由”的人，在某些方面还是被“自由”所限制。

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林海象的思路便在这“绝对与相对中”逐一铺开。故事发生在一个叫做“寂静岭”的地方，四面环山，与世隔绝。里面的会员，没有名字，取而代之的是数字编号。不能通电话与外界联系，也不能看报念新闻，场面与帕索里尼的《索多玛120天》类似。在那么一个密闭的空间里，会员竟能够承受！因为他们在现实生活中受到过严重的伤害，外界真实的气氛使人慌乱与迷惑。可是他们心中都有理想，为了实现自己最后的一个理想甘愿抛弃绝对的自由。故事说得挺晦涩的，异色味道太过浓烈。女博士作为“寂静岭”的领袖，用“自由是病态”的理论刺激着会员们，让他们永远地脱离现实“自由”，转而回到原始的牢笼中。当会员们实现了自己的理想后纷纷死于非命，譬如戴眼镜的胖男人，美丽的黑发女人。在林海象的笔中女博士是“恶魔”的化身，是血红的美丽食人草。而男主角迈克就是与之斗争的利器，他的豪放幽默与“寂静岭”的沉默黯淡产生了巨大的反差。他是私人侦探，目的是救出“寂静岭”中的富家女儿。可这女孩早已情系牢笼，毫无还俗想法。这时电影中经常采用的“对比”手法呈现了出来，加深了《无名森林》的层次感。电影的结尾，迈克把女孩带回了现实世界中，而他自己却陷入了无限的悲坳中。

一个不想自由的人回到了“自由”中，而一个自由的人却陷入了“不自由”的泥潭里，青山真治在处理这个故事中，加入了最大的一个埋伏式道具——森林。影像中的冬天森林，没有夏天般的生机，四处都是光秃秃的枯木，也没有绿地，更没有小鸟鸣声，小虫雀跃。穿过安静的小溪，女博士突然消失，迈克看到了一棵树，一棵属于他的树。电影在此刻达到了高潮，林海象的“自由”意蕴也达到了极致，这棵树上挂着一个人头，人头的主人便是死于非命的黑发女人。这一霎那，迈克疯狂跑下山腰，只可惜黑发女人已经躺在了救护车上。迈克的自由开始变得“不自由”，换句话说他眼中的自由是“病态”的，是“相对”的。

青山真治的《无名森林》把21世纪的日本独立电影带入了一个更深的层次上来，所反映了问题也愈加发人深思。这类电影不属于经典的范畴，拍摄太过随意，人物塑造的表现力也不强，先前林海象也曾经执导过类似异色性质的电影《迷失天使》，反响同样非常一般。

《小城之春》“春”之妙用，实为上乘

罗南 — Wed, 11 Oct 2006 13:05:19 GMT

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春，乃四季之首，常被文人墨客挥笔诉之。美，便不用说了。坚冰融之，百花释之，鸟雀悦之，老少喜之。可“春”终是孩提脸颊，变幻无常，令人扑朔迷离。《小城之春》意境沿用了春季这一敏感氛围，把欢笑与悲伤统统流露出来，最后消失在无尽的尘埃里。

新版《小城之春》与老版比试孰优孰劣已无太大意义，毕竟影像是导演的思维产物，释放出来的意念均有不同的诠释。田壮壮的这款翻拍之作，实为优秀，气氛控制力强，人物塑造表达力强，语言对白思索空间大，细节刻画可圈可点。作为一部纯文艺片，《小城之春》提前敲响了中国电影百年的大钟。

故事发生于抗战结束后的一个春天，小镇一片狼藉，破碎砖瓦撒满了沧桑的眼泪。摄影师李屏宾第一组镜头轻描淡写地点出了三位主角，周玉纹在山坡提着篮子回家，戴礼言艰难地取下沾满灰尘的木碑，章志忱提着箱子下了火车。长镜切换短镜，轻松自如，夹杂着莫名的抑郁氛围，田壮壮的意识流开始洋溢了。春，极易多变，易风寒，易情绪冲动，编剧钟阿城把细节更趋平实化，语言对白蕴含味也更浓。三人两段情延续着，伴随着影像的游离，感情愈来愈烈。极为细腻的心理描绘，令《小城之春》深入人心，长久不能自拔。

理因在四五十年代，男女之间的爱情是淡薄的，婚姻没有基础，生活是为了延续新生命的诞生。戴礼言与周玉纹便是如此，经过媒人的撮合，创建了一个没有感情的家庭。结婚八年，却未生子，按常理来说这是极不正常的。镜头里的戴礼言，体弱多病，时常咳嗽，睡眠不佳，爱发脾气。假如戴礼言身体健康，谈吐幽默，那么妻子周玉纹就会对其感情交会，其乐融融，正因为丈夫的缺憾才使故事有了发展的后续动力。章志忱从上海赶到杭州来探望同窗好友戴礼言，不料却与青梅竹马的周玉纹刹那相逢。“春”在此时变换了脸色，暴风骤雨，一触即发。在戴秀十六岁的生日晚宴上，喝醉酒的章志忱原形毕露，对着周玉纹大发感召之言，并且大放抒情音符。故事达到了高潮，人物性格完全暴露，波涛汹涌般的感情激流一浪一浪地冲击着影迷的心窝。

春天，终究还是以平静收场。第二天，章志忱郁郁寡欢地离开小镇，戴礼言也从死亡的边缘活了下来，周玉纹非常内疚，戴秀刹那间长大了许多……

生日快乐•西塘

罗南 — Fri, 06 Oct 2006 13:14:11 GMT

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它的名字叫做墙——by罗南

两个高中最要好的朋友，一个生日9.6，一个生日11.6，而我自己是10.6，这是一种缘分的隐射，虽然有点俗，可我还是相信有默契存在于世。今天我25岁了，耳边的音乐是《在动物园散步才是正经事》，爽。

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它的名字叫做街——by罗南

和你一起吃蛋塔是件愉悦的事情，傍晚你挺漂亮的，我觉得。太阳从西边落下，误以为是月亮的光晕，咋咋呼呼神经错乱。回到家发现老妈买了一个好大好大的蛋糕。没有点上蜡烛，总觉得点蜡烛是小孩子的事情，所以蛋糕成为了饭后甜点。

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它的名字叫做灯——by罗南

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它的名字叫做塘——by罗南

电话的短讯寥寥几条是为我祝福的，看来朋友对我越来越漠视，幸亏有你在。10.3的西塘夜色美艳惊人，莲花灯一路灿烂。想化为萤火虫，闲逛一时。

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它的名字叫做戏——by罗南

戏，秋潮，桥下的船，微凉，我，你，朦胧的月亮，没肉的馄饨，电话，绿色的床单，左边电线杆，有头发的梳子，对着天空大喊。

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她的名字叫做猫——by罗南

你是野猫，喜欢抓人；你是小猫，温馨可人。

《黑人奥菲斯》里约热内卢的深度对比色

罗南 — Mon, 02 Oct 2006 14:54:16 GMT

1959年的世界影坛是法国新浪潮的天下。那一年，雷乃《广岛之恋》、特吕弗《四百击》横空出世，给了影迷、影评人一次奇妙的旅行。《黑人奥菲斯》也在59年公映，其艺术价值，荣获的奖项更甚与前者。本片获第12届戛纳国际电影节金棕榈奖、第32届奥斯卡金像奖最佳外语片奖、当年金球奖最佳外语片奖，由新浪潮导演马赛尔•卡缪执导。影片最大的特点是对比度，极大的对比色彩令剧情变得层次分明，人物角色好恶分明。

《黑色奥菲斯》取材自希腊神话中竖琴星座由来的悲剧传说。拍摄地点选择在了巴西第一大城市里约热内卢，角色人物都由黑人演员来担当，“希腊神化南美化”就成为了电影的亮点之一。马赛尔•卡缪善于运用对比来解剖悲剧的深度涵义，影像充满了180度的大拐弯。

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一．悲剧故事，喜剧气氛

电影故事的主要时间选取在巴西狂欢节的前一天与狂欢节的当天，这两天的气氛是万般炙热的。人们载歌载舞，身着一年中最漂亮的服饰。马赛尔•卡缪大可以选择晦涩的秋天，冷漠的冬天来衬托悲剧故事，可他偏偏却选择了一年中最热闹的时节来叙说悲剧故事。综观全片，这个强烈对比的实际效果是非常成功的，我们在热闹中更能体验到“微笑死亡”的惨烈。镜头里大规模的欢闹场面，令人震撼。成千上万的红男绿女纷纷起舞，打鼓声、吉他声、吹奏声此起彼伏，场面的精彩调度彰显导演的驾驭能力。悲哀在蔓延，周边的气息揉进了幽灵的味道。想不到欧律荻斯会死，可她真的死了，她的死融汇在最热闹的夜里，大大加深了神化的悲剧色彩。再加上影片充盈着较多喜剧元素，譬如欧律荻斯堂姐与大块头士兵的恋情。悲惨结局夹杂于喜剧气氛中，非常巧妙。

二．角色对比，酣畅淋漓

奥菲斯的未婚妻米拉，在神话故事中的原型是毒蛇，一条美丽的毒蛇。镜头里的米拉嫉妒心、虚荣心极强，喜欢戴昂贵的戒指、穿美丽的衣服。她不停地围着奥菲斯身边转，渴求得到他的亲密。可欧律荻斯却彻底相反，温顺的性格把一个美丽的天使诠释了出来。她不愿意抛头露面，对待爱情小心谨慎，直到遇见了奥菲斯，才芳心洞开，他们两人的恋情纯洁美丽。可米拉从中醋意大发，在狂欢节的当夜用尖锐的利器去刺杀欧律荻斯。在第二天的早上，甚至用石块把奥菲斯砸下悬崖。

同样是女人，为何人品就相差那么多？这就是电影的第二个对比色——“嫉妒与善良”。嫉妒永远都是罪恶的根源，嫉妒的人往往偏激，为实现自己虚无的幻想而不择手段，方式方法均十分恶劣。希腊神化把“嫉妒”赋予了美人蛇是恰当的，《黑人奥菲斯》里的米拉就代表了世上那类人。而善良的女孩则是男孩追求的目标了，影像中也体现了这点。奥菲斯抓住机会就与欧律荻斯交流，那一晚寂静的夜，两人终于坠入爱河。他们是幸福的，是得到祝福的。马赛尔•卡缪用这两个角色人物的对比使电影黑白分明，层次感提升。

三．结尾陡转，意蕴丰富

电影的最后阶段，米拉把奥菲斯砸下了悬崖，奥菲斯躺在茂盛的树枝上永远地闭上了眼睛，影像在此刻达到了悲剧最高潮。电影如就此结束，已经非常好了。可是导演愈加聪明，他增加了小孩子弹琴的增补画面。画面中，男孩弹起奥菲斯的吉他，随后太阳缓缓从东边升起。女孩惊讶地大喊：太阳！另外一个男孩喊到：奥菲斯又回来了！这个镜头带有明显的转世味道，是影片的第三个对比色。电影最后阶段虽惨痛，可安慰性质的结局给影迷带来了重生的希望。

四．山上山下，风景不同

《黑人奥菲斯》的主要场景设置在山上与山下。山上是穷人的世界，房屋较为破旧，没有自来水管，孩子都脏乎乎的。山下就是大城市，灯光流离车水马龙。这个对比色可以反映出巴西居民生活的巨大差距。“差距”可增加电影的悲剧色彩，因而山上山下的场景设置是精细的表现。

从山顶放眼望去，大海蔚蓝，楼房林立，一切都是那么的美好。可是回头看，却是灰尘满天，脏兮兮的一滩，山上居住的都是黑皮肤的兄弟姐妹。关于这点马赛尔•卡缪是在披露巴西政府的种族歧视吗？答案就不得而知了。总之山上与山下的对比描绘对于剧情的烘托起到了一定的作用。

本片除却以上四个主要对比色之外，还有许多小的对比色。诸如“热情的音乐和悲惨的经历”对比等等。对比度的广泛应用使《黑人奥菲斯》欣赏程度增加，减少了法国新浪潮闷骚的电影元素。紧凑刺激的剧情让世界各地的观众如痴如醉如颠如狂，加上希腊式的悲惨映照，令人愈加着迷。由于本文只涉及影片的“对比色”话题，因而对其他的精彩内容只能暂且搁笔。

《对她说》情到深处太醉人

罗南 — Mon, 02 Oct 2006 03:49:43 GMT

流泪的天空，泛起朵朵眩晕。影像犹如会说话的双唇，把点丝言语汇入我的耳朵。阿莫多瓦是音符、是催人动容的指挥家，是蓝色的秋鸟，更是黑色窗帘下那盏隐约的红灯。《对她说》的公映，唤醒了寂寞人群的情感，点亮了潮湿人群的心房。情，慢慢地在蔓延；心，缓缓地在融化。霓虹琉璃的都市匮乏太多太多的精神元素，世界的刹那成为了人类叹息之音。可是爱终究不会消逝，只要有温暖的存在，必有复燃的可能。

爱真的燃烧了，伴随着镜头的转动，越燃越烈，愈烧愈旺。没有风筝的夜空，亮了起来，是繁星的闪烁还是月亮的映衬已不再重要。我丢弃了泥泞的空虚，找回了童真时代的纯情。爱，就是这样的美妙。阿莫多瓦《对她说》的感情深埋于轻声轻语的对话中，静悄悄的力量是炙热的，也是磅礴的。影片贯穿4人3段情，洋溢着3种不同感觉，较为复杂的关系网，令《对她说》丰满，引人入胜。

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马克与莉迪亚的干系属于中年人的爱情范畴。30多岁的男女容易遭受婚姻的创伤，为了愈合伤口，马克选择旅游，莉迪亚选择斗牛。而当两个寂寞的人相聚在一起的时候，爱火化便产生了。恋情是一个简单的吸引程序，如果互相爱慕，那么邂逅就会怦然心动，心房大开。他们的爱情在极短的时间内，迅速蔓延。我知道这类爱情缺乏感知的先决基础，难以维持，可眼睛不能掩饰心之跳跃。爱情无关乎长久，只需会心一笑。当莉迪亚的前夫降临的时候，马克就选择了离开，默默地离开。

我们周围的爱都是红男绿女、促膝长谈、好不浪漫。艾丽西娅不会说话，沉睡在病床上。贝尼诺是个20出头的小伙，年轻人对于爱情非常执著。即使是畸形的爱恋，他也会选择厮守。“如果这都不算爱，我有什么好悲哀”用在此时，较为合适。贝尼诺太爱女孩了，爱得忘乎所以，影片结尾处的服药自杀令“畸形之爱”悲剧收场，可我的感觉却是暖暖的，因为在舞蹈房里里，艾丽西娅再次翩翩起舞，她被贝尼诺所唤醒，被一颗真爱所唤醒。

阿莫多瓦是位挖掘女性深处的解剖师，大部分作品全与女性有关，而《对她说》在述说女性的同时，更把男性的感情放在了第一高度上。马克与贝尼诺的友情我认为是4人3段情里的重头戏，阿莫多瓦用障眼手法巧妙地孕育在2段男女感情中。

荧光灯下的马克黯然神伤，他是一个懂艺术的男士。贝尼诺坐在他的身边，目睹了这一切。随着这两位男士身边的“恋人”共同沉睡，两人拧结在了一起。他们互相交流，互相帮助。尤其是贝尼诺在监狱忧郁自杀，接到消息的马克一路TAXI，火速赶到后所流露出来的一连串表情，实在令我痛不欲生。 “此时友情胜爱情”的描述，突破了号称“西班牙不倒旗帜”的大导演阿莫多瓦的瓶颈。3段情都不一样，一段比一段动人。后来类似题材的美国电影《偷心》就削弱了许多，不如《对她说》剖析地透彻。

在影像中聚集力量，在大脑中哺乳情感，最后在双眸中撒下久违的泪花，电影的伟大便在与此。《对她说》音乐由阿莫多瓦御用配乐师伊格雷西亚斯完成，精彩毋庸置疑。

《心的羽毛》用感知去体会游离影像

罗南 — Fri, 29 Sep 2006 11:28:40 GMT

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翘着长尾的棕猫，踏过圆型的钢管，甩出一连串抑郁的音符；尖嘴野鸭窜入清澈的水池，翱翔中衔有一尾不说话的鱼；黄色小鸟从温暖的盒子里飞走；不再年轻的夫妻拼命交媾。玉米地传来虚幻的鸣声；蜗牛在雨中洗净了硬壳上的五颜六色。夏天过后是秋日，凄凉为《心的羽毛》镀上了原始薄膜。

阿尔裘罗幻想乘坐热气球去环游宇宙，可现实中的他却只能面对花纹毒蛇。有一天，他走过了棕猫曾踏过的钢管，然后消失在魔鬼的眼帘中。他的死，令母亲发疯，游离影像在此步入正规。母亲太爱孩子，她的眸子遭受错乱思绪的迷惑，她的情感遭受现实生活的压迫。疯子能够看到许多正常人所看不见的东西，母亲也不例外，她看到了另外世上最爱的人，久久不可自拔。影片迷人且具有感召的力量借此宣泄出来，母亲在孩子的脸颊上画上神奇的羽毛，一片两片然后三片。印第安人是不会死亡的，母亲用这样的图腾来保佑藏于心底的灵魂。

电影是影像的艺术，《心的羽毛》却超越了这点，把感觉的认知摆在了一个极高的层次上。通过感知来认识影像成为了这类超文艺片的特征之一。眼睛是感觉器官，同样耳朵、鼻子、皮肤也是。当全部的器官一同伴随着眸子闪烁，那全身的神经，乃至发梢将全部复活。大脑处于最佳的状态，散发出沁人的文字。

破碎带有象征性质的画面，充盈了整个故事大纲。多个埋伏画面，对将来的影像起了链接作用，环环相扣，且与周边的氛围融合一体。如果你失去感知，那么会觉得影片结构糟糕，非常玄虚。其实电影并不晕眩，用皮肤去触碰母亲的双臂，必会感召到炙热的“思儿情结”。超市的木马，寂静。母亲投上硬币，木马摇摆起来，母亲笑了，非常开心，因为她看到了自己孩子也在微笑。可周边的人却把惊异的目光送给了母亲，他们不是疯子，不是疯子就看不到疯子眸子里的孩子。电影的结尾较前面的悲伤经历显得薄弱些，母亲被卷发男孩的吻夺回了神智，超市的木马换成了小轿车，阿尔裘罗回到了坟墓。

超文艺片是主流文艺片的延伸，电影不再以单纯的情感为主要线索，而是把美丽的镜头，悦耳的音符，巧妙的剪接，浓厚的气氛全部溶解在了影像中。体会的方式也发生了改变，只用眼睛去感受将受到较大的障碍，定要加上各类感知器官方能享受影像的魅力。时代在前进，电影思想变得错综复杂。

《广岛之恋》一切虚无终将毁灭

罗南 — Mon, 25 Sep 2006 02:46:58 GMT

我在默默地编织文字，影像在悄悄地流逝。有时候电影犹如一道初秋之光，婉转地射进我的视网膜，缓缓沉淀，慢慢融化。神经也在这一霎那，剥下腐旧的黑色外壳，焕发久违的思考热情。1959年，法国最为著名的“左岸派”导演阿伦雷乃公映了其旷世巨作《广岛之恋》，它就似一张缤纷交织的大网，网住了纷扰的战后诟病，网住了迷离的短暂情感，也网住了抑郁的空想思潮。斜躺在荧幕前的我，跟随着女人的落泪而触动，伴随着男人的迷惘而揪心。

“和平”、“爱情”、“恐惧”、“荒芜”是《广岛之恋》的四大旋律。四者相互叠加，令“闷骚”的长镜影像，拥有了短暂的波动起伏，也把电影提升到了一定的艺术文化高度上。编剧玛格丽特•杜拉斯是个典型的“残酷”派作家，因而出来的画面烙有明显的“作家电影”的痕迹。诗歌一般的对白，晦涩难懂。魔鬼一般的剧情，郁郁寡欢。影片的序幕，男人与女人相拥，迷离的雪花沾满了皮肤，雪花意寓悲寂，潜意识地把影片定下了悲剧的旋律。随后一连串原子弹爆炸后的场面，再度深化了影片的“悲惨”程度。这些真实的镜头，反应了当时“左岸派”导演统一的“反战”情绪。尤其是阿伦雷乃，一个喜欢把尖锐问题转化成影像的人，更是把“反战”当成了《广岛之恋》的全部背景资料。接着，“战后余生”这个问题的呈现就变得水到渠成，影片逐渐露出了其真面孔。

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战争是一场心灵创伤的终极游戏，遗留下来的除了伤悲别无其他。战后的人类，极度希望寻求慰藉，来弥补破碎的灵魂。赖•维•法斯宾德《玛利亚•布劳恩的婚姻》（男女之间极度需要温暖）、小栗康平《泥之河》（孩子之间极度需要温暖）等均是比较好的例证。而《广岛之恋》作为先期的战后题材影片，为以后的“战后余生”的同类电影提供了最原始的思想。“爱情”是本片的第二个主旋律，作为最重要的电影内容元素之一，阿伦雷乃用极其“闷骚”的镜头诠释出了这一切。法国女人在二战中经历了初恋，可男友竟是一个德国士兵。下场是割掉头发、关禁闭、逃离家乡。日本男人虽没有如此的前提背景，可是他经受了“原子弹”的恐惧，看到了大批大批国人的死去。两个心灵遭受迫害的男女，轻易地相聚在一起就显得不太突兀，合情合理。可男人与女人只想得到慰藉而已，并不想天长地久，白头偕老。这为影片的第三、第四个旋律埋下了伏笔。

短暂的爱情犹似流星，美丽却昙花一些。许秦豪《春逝》、王家卫《阿飞正传》说的就是这个故事。阿伦雷乃的叙述方式较之前两位愈加直接明了，或许是50年代末的爱情观与90年代的爱情观有非常大出入的原因吧。男人和女人直接地告诉对方，我有自己的妻子和丈夫，而且生活地很好，与你在一起只是纯粹地寻找短暂的“心灵空虚”。赤裸裸的精神照面使我领略到了暴风骤雨般的撕裂痛楚。

“恐惧”是在所难免的。婚外情终究使“越轨”男女遭受内心的谴责。或许在某一年的某一天，秋风吹拂在他们脸颊的时候，天会哭泣，地会颤抖。“恐惧”是两位主角人物深处的表现，而“荒芜”是电影表象所能看得见的“风景”。在阿伦雷乃细细的言说下，荒芜的氛围相当浓厚，写实味道也相当地纯正。男人寻找女人的踪影，其余说他在找人，不如说他在寻找短暂的慰藉。即使他找到了慰藉，可依照“一切虚无终将毁灭”的定理，他终究会继续失落，因而男人寻找的是一种“荒芜”的理念，一种“空想”的绝望。影片至此，四个旋律全盘托出。伴随着男女之间最后一场具有感召力的对话结束，《广岛之恋》大幕终落下。

那年，阿伦雷乃36岁；今年，《广岛之恋》47岁。

《热带疾病》表象、本质与主旨

罗南 — Tue, 19 Sep 2006 15:11:46 GMT

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早期段落式的结构令我们惊艳万分，譬如章明的《巫山云雨》，王家卫的《重庆森林》。几个段落分开独立，可是段落与段落之间有着藕断丝连的干系，因而使影片充满了巧妙的碰撞，显得十分有趣。如今这种段落式已见怪不怪，被许多导演所模仿，泰国最具“大师气质”的导演阿比察邦，2004年惊世骇作《热带疾病》就采用了二段式的叙述，沉稳的长镜头，艳丽的森林色调，把影片的内涵发挥到了极致。

《热带疾病》第一段青涩的“同志恋情”属于表象叙述，通过少年东的消失，把故事带入了华彩章节，这是电影的第二段，导演用远古时代的眼光探索了萨满的灵魂与士兵肯的内在思想。第二段晦涩难懂，阿比察邦几乎把它当成了默片来拍摄，屈指可数的对白把影片带入了本质阶段。可《热带疾病》与普通文艺片不同的是，其电影本质并不是影片的主旨，导演开放式的发散模式令我有些云里雾里。我对本质的理解是，人类正在慢慢地退化成动物。对主旨的印象是，人类可以与自己的灵魂对话。飘渺不一的本质与主旨，令影像真正的思想永远地藏进我的心中，希望在不久的将来，能够消化、释放。

第一段当士兵抬走一具男尸的时候，茂盛的丛林穿过一个裸体身影。到了第二段，这个裸体身影（即装有萨满灵魂的载体）成为了主角。这个轻描淡写的镜头，使第一、第二段有了一个奇怪的连接，验证了段落式藕断丝连的特征。

前半部分结尾时刻士兵肯与少年东互相亲吻对方的拳头，尤其是东亲吻的方式最为动物化，舌头舔舐像极了一只老虎。这个具有象征性的画面为第二段人类正在退化成动物的本质提供了表象意境。后半部由于远古萨满的被杀，他的灵魂寄居于各种动物之中。这时的东也成为了载体（前半部分与后半部分衔接处表明东已失踪），难以想像，赤身裸体的东是人还是兽？我想应该是兽，那么肯爱上东，这个“同志恋情”就转变成了“人兽之恋”。而当人与兽交媾的时候，我们也不会把肯看成是人类了。如此看来，这就是一个退化的过程。阿比察邦用晦涩的电影语言告诉了我这个惊骇的观点，恐惧之感应运而生。第二段的神化物质非常多，猴子、白牛、老虎、均有一对一的象征对象。当肯受到猴子的蒙蔽，顺利地枪杀白牛之后，灵魂出鞘，跟随着白牛的灵魂来到了老虎的视野下。肯的灵魂最终被老虎所吞噬，默片打出来的字幕与图画也验证了这一点。人兽结合会是什么？我再也不敢去猜想了，《热带疾病》太过可怕，阿比察邦太过“未来性”。

《热带疾病》在2004年戛纳公映期间，大多数的法国人理解不了阿比察邦的前卫思潮，纷纷离座，可最后的评委会大奖还是落入这个泰国人的腰囊。法国《电影手册》甚至把“2004年十大电影”第一位的尊称颁给了《热带疾病》，看来法国影评人与普通法国观众的欣赏水平还是有很大的出入。同时由于影片涉及“同志”，因而也在各大同志影展频频亮相。

探索性的头脑，意味性的长镜头，边缘性的题材与观点，让阿比察邦成为了泰国影坛萨满级的思想家、哲学家、文学家。

失去情怀的九•一八

罗南 — Mon, 18 Sep 2006 15:15:17 GMT

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有孔的小板凳——by罗南

听了一个星期关淑怡的声音，越来越觉得悦耳，可是闷燥的感觉却涌上心间，“移情别恋”大概就是这样生成的吧。此刻的音乐换成了黄莺莺《天使之恋》，唏嘘不已，看来换个音乐能够换个心情，换个朋友或许就可以“高山流水”，攫取真谛。

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跑道上的白线——by罗南

秋天真的到了，窗户外面一片阳光，煞是可爱。任凭光沁在肌肤上，再黑也愿意。世上的另外一个我，你听见我说的话了吗？我在尘埃间隙中找寻你，在两片下巴缝隙里找寻你，在两眸间的鼻梁上找寻你。

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黑云里的太阳——by罗南

邋遢，是个结构复杂的词语，幸亏会用“拼音加加”敲字，否则用原子笔写在白纸上还要思前想后。今天没洗澡，因为没出汗，现在出汗了，却不能洗了，由于不洗了，今夜可能难以入眠，或许难以入眠，那么明天在课堂上会睡着，要是睡着了，被领导批评就在所难免了，一连串的恶性循环，让我不得不在没洗澡的夜晚睡着。

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利群·心灵的旅行——by罗南

北大的论坛只看了影视批评板块，没啥意思，可某些人还是不错的，譬如LY884，点明表扬。9月18日，如此敏感的日子里，竟然找了张《菊次郎之夏》的塑料片来看，幸亏觉得太过无聊，取了出来，否则就成罪人了。汇报今天看的影像，《剪刀手爱德华》、《杀手来昂》。老是老的了点，可重温的感觉是妙不可言的。

《剪刀手爱德华》你的流星，我的童话

罗南 — Mon, 18 Sep 2006 09:11:53 GMT

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清爽秋风袭来，微微扇起缝有蕾丝的粉色帘子。阳光鲜靓，把《剪刀手爱德华》镀上了美丽温存的烙印，似一杯滑爽奶茶又似一杯浓郁的摩卡，美轮美奂，妙不可言。

我们是一群长不大的孩子，憧憬着惊艳如梦般的童话幻境，希冀着王子公主流星般的恋情。上个世纪90年，美国商业片大腕导演蒂姆•伯顿因势利导，把《剪刀手爱德华》搬上了荧幕。影像呈现出了久违的孩提时代的天真，展现出了与当今物质世界完全不一样的轻松氛围。我非常喜欢这个电影作品，适合在初秋的午后欣赏，也适合在恋爱的时候品味。

影像色调鲜艳，首先映入眼帘的是一排排五颜六色的房子和一群群穿着艳丽的家庭主妇，欢快且带有幽默的对白把整个影片的氛围烘托了出来。爱德华也在这个时候出现了，他是一个不完整机器人，由于老博士的意外去世，他的双手还未完全修复，因而剪刀手成为了他最为显著的特征。爱德华造型凄凉，瘦弱的身躯，苍白带有刀痕的脸颊，凌乱的头发，令人怜悯。由于影片先前已做好了轻松的基调，因而爱德华的阴森登场未给人一种恐怖感觉，依然Sunny，依然Hppy。

走进蓝色房子的爱德华给周围邻居带来了无限的惊喜。纷纷请他修剪树枝，修剪狗毛，甚至让他给自己设计发型。机器人与人类融为一体，温馨的感觉再次提升，我们忍俊不禁地欣赏着爱德华所带来的滑稽的修剪造型，也默默地体会着蒂姆•伯顿那颗不老的孩子心。影片要有转折，要有波浪，否则就会显得较为单一与匮乏。爱德华恋爱了，一个机器人爱上一个美丽的金发女郎，结局必是凄惨的。可剧情便是如此发展，为了得到女孩的芳心，他在圣诞节前夕的下雪天，雕刻成了一个拥有洁白翅膀的女天使。细碎的冰渣，漫天飞舞，影片的意境再度提升，童话的曼妙意境达到了极致，达到了高潮。如果你闭上眼睛，也定能感受到爱德华那股火热的爱情冲击力。

童话故事的过程是美丽，但是结局往往使人潸然泪下。爱德华遭受到女孩野蛮男友的袭击，在逼不得已的情况下，刺死了男生。万般复杂心情的他，在女孩的善意帮助下，逃脱了警察的追赶，从此又过上了寂寞的孤独的黑暗生活。电影以悲剧收场，可影像中的梦幻氛围却是主旋律，却是一张灿烂的脸。

有人会说：童话是虚无的，都是出来编造的谎言。可我们却愿意生活在童话中，在童话中找寻自己的灵魂，挖掘自己的神经，发散自己的思维……

《东京审判》遗忘还是铭记？

罗南 — Sun, 10 Sep 2006 02:11:48 GMT

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高群书的处子电影秀《东京审判》在全中国赢了个满堂彩，除却题材、时机把握准确外，其较为优秀的电影质量也是重要的成功因素之一。中国传媒大学影视艺术学院摄影系主任梁明教授赞扬影片达到了国际水准。著名导演谢晋更是认为：《东京审判》是每一个中国人都应该看的电影。电影虽不是政治的附庸品，可在这个敏感的时刻，《东京审判》的公映确能够使国人增强了民族自豪感，加深对日本军国主义的仇恨感。由于本文要详谈的是电影元素话题，因而爱国情调、民族感情只能一笔带过。

之所以说《东京审判》是较为优秀的电影，是因为近期的国产电影质量偏低，除却先前的《茉莉花开》、《天狗》之外，就鲜有佳作产生。《第601个电话》、《疯狂的石头》等一系列粗制滥造的影像，更是令观众在大笑中找不到思考的因素。《东京审判》的横空出世，至少可以让观众在铿锵中寻找本国民族的魂魄，寻找自己曾经丢失的精神。本片激情昂扬，某些煽情与做作的镜头也恰到好处，但硬伤也颇为明显，高群书是个好导演，可驾驭电影的能力并非炉火纯青，还需假以时日。

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一．冲击力强悍，张驰力萎靡
法庭审判的内容是影片的最大亮点。镜头里的画面冲击力十足，辩护律师与证人、被告的争锋相对高潮迭起、电石火花。由刘松仁饰演的梅汝璈，曾江饰演的向哲浚，英达饰演的倪征燠在大国利益主导的强势挤压下，奋力突围。在法庭上的表现用“强悍”来形容一点也不为过。加上日方辩护律师诡辩与盟军辩护律师的雄辩把“法庭”这个场景变成了激烈的战场，使影片观赏性极强，也让观众体会到了激情时刻，澎湃不已。可是高群书也为多次上演的“高潮”埋下了错误的种子。笔者看来，法庭戏份分割过散，且多次出线，降低了“高潮”的震撼力，如果都是高潮，那也无所谓高潮不高潮了。几次法庭审判时间太少，尤其是溥仪这块，明明审判了八天，但影像中的表现却是泛泛带过，没有给人留下深刻的印象。假和尚这块也是高潮，东条英机也是高潮。高潮太多反倒形成了视觉疲劳，关于这点高群书应该向奥利弗•斯通学习。在《刺杀肯尼迪》的“法庭审判”过程中则是全方位、完整地叙述，高潮只有一次，只令观众欲仙欲死一次。

二．主线完整，辅线平庸
作为主旋律电影，要反映的是人的本性、民族的脊梁。《东京审判》的中心人物梅汝璈是电影的线索人物，电影的进程根据他的内心旁白来逐一展开。高群书是个会说事情的人，把审判的前因后果清晰地表达在观众眼前，非常完整。梅汝璈如何“霸占”英国的座次，向哲浚怎样给日本人“当面一棒”，倪征燠为何增调“入伍”，全都详细介绍。主旋律的人物在大幅胶片的刻画下，均散发出了人情与民族情。可是辅线的人物的叙述就有些画蛇添足，由三位当红偶像组成：朱孝天，林熙蕾，谢君豪。他们的靓丽呈现使影片变了味道，况且他们产生的还是“三角恋”的爱情纠纷。虽说这个恋情蕴含着帮助主线的作用，可是这些变了味道的“爱国情结”着实令人不爽。如去掉“恋情”，加强曾志伟先生这位战败士兵的生活描述则会好些。

三．关键人物刻画精彩，细节描写彰显魅力
《东京审判》是个带有民族情感的电影，在关键人物的处理上一定要带有坚强不懈、敢于斗争的光环。影像中的三位法庭“斗士”均以英姿勃发而登场，嘴角没有一丝笑容，立马给观众一种信号，“大战”即将来临。战场是战士的舞台，镜头是演员的舞台。刘松仁是个沉稳的演员，语言表达能力富有冲击力，肢体语言也具有一定的力度。在与大卫斗争的过程中，“伸手取下大衣”的画面充满了坚韧的感知，对于把握梅汝璈的爱国、为国人争取权益的愤怒诠释地淋漓尽致。之后在是否采取“绞刑”的事件里，又是一个“轻手砸水杯”的画面，加深了其“宁为瓦全，不为玉碎”的斗争精神。

再来说细节上的描写，细节是人物刻画的催化剂，使用得当会对人物产生非常大的提升，再把“刘松仁”当作例子来分析。在等待大卫的“排座次”结果中，刘松仁面对着窗户，烟一直夹在手指中。细心的观众会发现，当大卫进门之后，刘松仁一惊，长长的烟灰霎那间落下。这个细节表明，刘松仁在等待的过程中肢体没有发生动作，虽看似静止但脑海里却在不停地翻涌，谋划策略。他是一个喜欢用脑子思考的人，换句话说就是一个聪明人，为以后“斗争胜利”埋下了伏笔，当然也可以看出他是一个安静的人。这个细节描写彰显高群书的导演魅力，诸类细节在影像中还有不少的例子。

四．摄影单调，配乐无彩
《东京审判》的摄影基调苍白无味，长短镜头结合不佳，频繁出线的黑色镜头令人厌恶反感。缺失多元化风格的画面是本片的最大硬伤，观众在平淡的镜头转换中渡过了1个多小时。剪辑也不行，在主线与辅线的转换中有明显的滞留感。前段时间的《茉莉花开》，镜头则形式多样，具有华彩，这或许是侯咏摄影出生的缘故吧。

配乐上，高群书也毫无新意。旧式音符，例如“坏人”出线的音乐、“好人”出现的音乐都似曾相识，音乐不能增强人物的性格塑造，也烘托不了审判的气氛，实在有点“可有可无”，太过失败！

《东京审判》的电影元素既有精彩也有薄弱，验证了事物具有“两重性”的原理。但总体来说它是积极向上的，主要优点多余次要缺点。它的适时公映给了日本右翼分子沉重一击，也给了21世纪的中国人一次爱国之旅。《东京审判》的确是一部不得不看的电影。

情迷「卡百利」

罗南 — Sun, 03 Sep 2006 13:19:00 GMT

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“情迷”一词太过暧昧与煽情，可我对“卡百利”的感觉就是如此。他们带给了我5年的愉悦，5年的精灵之耳。如果没有“卡百利”，我不会去关注民谣式的摇滚乐。通过他们的歌词，我隐约体会到战争的可怕，水仙花的纯白，家庭的美好与梦想的幻灭。记得三年前第一次写音乐文字选取的乐队就是“卡百利”，如今我已不会用查资料等方式来书写乐队的详细评述了，因为太烦，而且写不出自己的感情。

喜欢卡百利，最初原因是喜欢女主唱的声线。记忆中她的名字用中文翻译过来，应该叫做朵拉，美丽的文字组合。这个女人爆发力很棒，当唱响曲子《呆子》、《好莱坞》的高潮时候，周边的环境似乎在刹那间停止了变更。温柔的也有，《当你离开》、《歌颂我的家庭》、《无需再争论》等都是抒情且充满了女人的依偎错觉。其余三个成员，我不熟悉，也不想去了解。谁吉他，谁贝司，谁打鼓，我连名字都叫不上来。可朵拉的存在让我知道“卡百利”是出色的。

如果那天我没有买到“金典音像”的特价碟，我就会失去朵拉的声音。自打那以后，我找遍了所有熟悉碟店的CD角落，陆续买到其他的大碟，凑齐了当初他们全部的音乐。去年在网络上也下载到了MP3，现在依旧保存在我的NANO里，空闲时间如找不到合适的音乐，总会记起他们，手指熟练地打开“卡百利”文件夹。没有音乐，我想我的生活会是另一个模式，也许会拼命地网游，拼命地去追漂亮女生，或者是拼命地赚钱来维持奢华无聊的生活。但可喜的是，我喜欢上了音乐，因而在谧静的时间里不会特孤单，不会特无趣。“卡百利”作为我的入门音乐，为我提供了巨大的音乐满足感，现在我只想说：谢谢你们。

炎夏的我，静秋的你

罗南 — Sun, 03 Sep 2006 01:39:39 GMT

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半截黑色线条——by罗南

我是夏男，你是秋女，
我爱夏爽，你爱秋高。

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左边的球架——by罗南

夏男是个女人，
秋女是个男人。
女人诞生男人，
男人塑造女人。

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绿色一点红——by罗南

暴雨将至的那一刻，
夏男幻成了男人
雨过天晴的那一刻，
秋女凝成了女人。
从此，
女人不再是男人，
男人不再是女人。

《天狗》平稳演绎英雄映像

罗南 — Mon, 28 Aug 2006 07:28:10 GMT

戚健是个拍摄主旋律电影的导演，影像控制力较强，善于捕捉人物细腻的情感。新作《天狗》一经问世，便获得观众与影评人的一致肯定。或许是中国太匮乏此类英雄题材电影的缘故，许多人在煎熬100分钟后，纷纷黯然泪下且扼腕叹息。本片获奖势头强劲，不仅夺得2006年北京大学生电影节最佳影片，还在上海领取了由法国国宝级影后凯瑟琳•德纳芙的颁发的“上海国际电影节”评委会大奖。按照这个趋势发展，《天狗》还将继续获得中国范围内的大奖，譬如“金鸡”、“百花”。主旋律的电影，尤其是英雄赞歌只要不拍得太烂太煽情，或多或少总可以得到政府的赞誉。2005年《信天游》，一部较为粗糙的电影，观看的人数却是洋洋几千万。同样韩国政府也夹杂了政治色彩进去，为了使国民关注国产电影，把并不出色的《王的男人》大肆炒作，赢得高额票房来抵制好莱坞大片。因而在这种程度下，票房与电影质量脱节了，使庸俗的电影大行其道。《天狗》却不同，影片质量较高，能够把它定性为优秀国产电影。

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《天狗》这个片名具有表象与意象的理解。表面的意思是一个人名，这个人生活在农村，时间在80年代末。而深层的理解是“天狗吃月亮”，表示一个人天不怕地不怕，连上苍赋予的光明也敢触碰，敢于坚持，敢于斗争。这个人叫李天狗，由青年演员富大龙饰演。富大龙十年磨一剑，科班出生的他直到2005年才担任男主角。总体来说，他在《天狗》的表演是“坚韧具有感召力，温情蕴含冲击力”，把一个“血淋淋”的震撼放在了观众的眼前。

影片需要有对比，因为对比既能够解剖人物迥异的性格状态，又能够提高电影的欣赏程度。戚健想到了这点，他拿富大龙“开刀”。李天狗表面寥寥数语，在家疼爱儿子、关心妻子，即使每天被桃花一顿臭骂，也是没有怨言，给人一种萎靡的感觉。而在工作岗位与对待困境的问题上，他表现出来的力量却是与前者截然相反。为了护树，他勇敢地跟仨恶霸搏杀；为了找水，他坚持不懈地砸石挖沙，夜以继日不停歇。这个对比把李天狗的内心充分地挖掘了出来，因而说导演是个善于捕捉人物情感的专家。关于其他人物的表演也非常出色，妻子桃花说话刻薄内心却坚强，仨兄弟戏份不多，但也表现出了足够的毒辣。更有趣的是村长的老婆（由钻石女配角李巧英饰演），整一个骂街泼妇。人物的成功塑造使《天狗》走上了胜利的阶梯。

电影根据张平小说《凶犯》改编，叙事框架采用片断式的回忆模式。增加了影片的层次感，减少了平铺叙述的单一性。回忆与现实的穿插紧密得当，没有明显的分离。导演控制力较强，没有产生失重失控的错误，把李天狗为何杀人，如何杀人说了个明明白白。同时戚健也是个会用心理色彩的导演，他把整个电影的气氛融入黑色的抑郁，来映衬小村居民为了金钱而显露出来的罪恶脸孔。环境描绘如有雷无雨的场景，小羊被肢解的画面同样带有漆黑的色彩。

事物是个两面体，既有优点也有缺点。《天狗》的缺点集中表现在某些细节的不真实与配乐失衡两方面。虽说电影可以虚构，可细节还是要需要符合常理的。“有山有树就有水”这是一个常理。李天狗一家缺水，大可以上山取水，山上大树林立，溪水定是滔滔不绝。可电影要表现出主人公的英雄气概，所以导演、作家、编剧违背常理把绿色的大山定义为枯山、荒山、死山。李天狗在不断的找水过程中展现了人格魅力，呈现出了人物的质感，可对大自然的扭曲描写降低了影片的可信度。用“可口可乐”来维持日常生活用水也是一个令人难以理解的细节。因为要保证一个家庭三口人正常即使是极端的生活，这个用水量也是挺大的，单靠可乐罐微乎其微的毫升数是站不住脚跟的。艺术可以夸大，电影可以夸大，可把可口可乐当成水源我觉得是不可取的。要表现人物艰难环境下的坚韧，换成偷水或者是喝劣质水的细节比较合适。关于水的描述，《天狗》过于牵强，煽情却不讨好，成为了影片的硬伤之一。或许是戚健毕业于美术系的原因，他对音符的把握力较画面来说差了许多，配乐跟不上影片的节奏，也没有一条主题音乐思路，杂乱无章陷入失控。

存在硬伤的《天狗》依旧灿烂，对人性的刻画，对生活的渴求均非常到位且非常细腻。当一部电影的优点多余缺点时，我们就会接受这部电影，表扬这部电影。目前《天狗》已成为主旋律影片的楷模，其散发出来的积极向上的气息感染了观众，感染了评委。其实戚健的前期作品《花季雨季》、《女帅男兵》走得也是这条光明大道。